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Álbum de Testamentos

Porque sou uma miúda com muitas maluqueiras e adoro escrever (e muito) sobre elas.

Digimon Adventure Tri - Kyousei #1

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Hoje, vamos falar sobre Kyousei, o quinto filme da série Digimon Adventure Tri, que começou fez dois anos no outro dia (custa a acreditar, confesso…).

 

Estamos a um filme da conclusão série e Tri continua consistente na sua inconsistência: os filmes ímpares são bons, os pares nem tanto.  Não acho que nenhum destes filmes seja cem por cento mau – cada um destes filmes tem partes boas, sejam elas momentos de desenvolvimento das personagens, estreias de digievoluções ou, apenas, momentos de humor.

 

Mas há que distinguir os filmes que vão conseguindo entreter-nos, com a ocasional gargalhada e um ou outro momento mais tocante, daqueles que nos deixam emocionalmente arrasados. Aconteceu no ano passado com Kokuhaku. Voltou a acontecer agora, com Kyousei, ainda que de maneira diferente.

 

1) Spoilers: as entradas desta série terão inúmeras revelações sobre o enredo dos cinco primeiros filmes de Digimon Adventure Tri e, possivelmente, dos enredos de Adventure e 02. Leia por sua conta e risco.

 

2) Alguns conceitos próprios desta série animada têm traduções controversas – na língua portuguesa, têm mais do que uma possível. Neste texto, vou adotar as traduções com que estou mais familiarizada e/ou que considero mais adequadas.

 

3) Apesar de as legendas do filme usarem os nomes japoneses das Crianças Escolhidas, eu vou usar as versões americanizadas dos nomes, visto que estou mais habituada.

 

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Uma das várias coisas que não funcionaram em Soshitsu foram os Deus Ex-Machinas, as coisas que aconteceram sem motivo aparente. Kyousei supera o filme anterior precisamente por o enredo voltar a ser guiado pelas personagens: os Escolhidos, o governo japonês, Daigo, Yggdrasil através do Dark Gennai, até mesmo a Homeostase. Esta, antes de Tri, era apenas uma figura divina que governava o Mundo Digimon, que só aparecia para debitar informação que deixava a audiência ainda mais confusa. Não deixa de ser uma figura divina em Tri, mas começou a participar ativamente no enredo e, sobretudo neste filme, a entrar em conflito com as outras personagens.

 

Quando é assim – sobretudo quando a maior parte do elenco é tão acarinhada e há tanto tempo – é muito mais fácil deixarmo-nos levar pela história.

 

Não que Kyousei não tenha falhas. À semelhança de alguns dos seus antecessores, o filme torna-se demasiado lento em certas alturas. Existem aspetos que continuam por explicar – nomeadamente o elefante na sala, como se diz em inglês: os miúdos de 02.

 

Mas vamos por partes. Mais uma vez, estiquei-me um bocadinho com esta análise, tive de dividi-la em três partes. Que cara é essa? Não escolhi o nome "Álbum de Testamentos" só por soar fixe...

 

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Antes de começarmos a análise a sério, uma nota: durante meses o título oficial do filme no Crunchyroll foi Symbiosis, ou seja, Simbiose. No entanto, o dia em que o filme saiu, o título passou a ser Coexistence, Coexistência. Fiquei um bocadinho chateada porque Simbiose é um título perfeito para este filme, o melhor título até agora em Tri, na minha opinião. O principal tema do filme, como veremos a seguir, é a relação simbiótica entre um Escolhido e o seu Digimon. Além disso, uma das coisas que permanece sob ameaça ao longo do filme é a simbiose entre o Mundo Real e o Digital – levando a algumas medidas extremas.

 

Por comparação, o termo Coexistência pouco ou nada tem a ver com o filme.

 

Kyousei começa exatamente no ponto em que Soshitsu terminou (muito mal): quando o Dark Gennai (ou Homem Mistério, segundo as informações oficiais) ataca Meiko, de modo a desestabilizar Meicoomon. Vai repetindo várias vezes: “Não devias ter nascido. Não devias ter nascido.”

 

Esta frase será importante mais frente. Para já, somos brindados com um flashback do outono de 1999: ou seja, poucos meses após os eventos de Adventure. Também não parece ser muito depois de Meiko ter “adotado” Meicoomon.

 

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Não aprendemos nada que não tivéssemos suspeitado antes: vemos que Meicoomon, de vez em quando, sofre ataques de fúria destrutiva, um deles no laboratório onde estava a ser estudada. A única coisa que descobrimos é que Maki testemunhou esse ataque, no laboratório.

 

Está é, aliás, uma das únicas aparições de Maki neste filme. Mais vale falar já sobre as outras – que, na verdade, se limitam a dois vislumbres. Se na última vez que a vimos em Soshitsu, depois de reencontrar Bakumon, ela parecia estar à beira de um ataque psicótico, em Kyousei, esse ataque já deve ter ocorrido. Ouvimos Maki chamando por Bakumon (entretanto desaparecido), balbuciando sobre salvarem juntos o Mundo Digimon.

 

Seria esse o plano dela? Colaborar com Yggdrasil até recuperar Bakumon e depois, de novo na condição de Escolhida a sério, salvar o Mundo Digital das garras dele? Em jeito de indireta para a Homeostase, dando-lhe a entender que fizera mal em sacrificar Bakumon e em descartá-la como Criança Escolhida?

 

De referir, também, que Maki, nesta cena, enverga uma das armas anti-Digimon (que tinham aparecido em Ketsui por um instante e esquecidas desde então). Isto apesar de, segundo o que se vê em Kokuhaku e Soshitsu, Maki ter ido de mãos a abanar para o Mundo Digimon.

 

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Como é que Maki arranjou a arma de um filme para o outro? Eu diria que só as Bestas Sagradas o sabem mas, à luz do que aprendemos em Soshitsu, seria de mau gosto.

 

O segundo vislumbre ocorre já perto do fim do filme, que mostra que Maki indo parar ao Mar Negro. Chega a encontrar os Divermon e tudo! Aponta-lhes uma arma (desta vez uma pistola vulgar, que sempre faz mais sentido), mas acaba por se deixar afundar nas águas escuras.

 

Pontos para Kyousei por ter resgatado um dos elementos mais interessantes de 02. Resta saber, agora, como é que Maki se vai escapar das profundezas do Mar Negro – ou melhor se se vai escapar.

 

Regressemos ao início do filme e ao ataque do Dark Gennai a Meiko. Este, ao que parece, consegue o que quer com esta habilidade: quebrar a ligação entre Meiko e Meicoomon. Esta última digievolui para Meicrackmon, entra em modo berserk e as distorções multiplicam-se, inclusivamente para o Mundo Real, que começa a ser invadido por Digimon. Meiko recupera a consciência e, quando chama por Meicrackmon, esta ataca-a. A jovem só sobrevive porque Tai a desvia a tempo. Depois desta, Meicrackmon foge… outra vez.

 

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As consequências, desta feita, são mais graves – agora temos uma invasão em massa de Digimon no Mundo Real, trazendo o caos. Ainda assim, fica a sensação de que o pior ainda está para vir.

 

Um aspeto curioso nesta parte da história é que, pela primeira vez neste universo, os civis identificam estes monstros como Digimon. Não é claro como é que se descobriu a verdade (mais à frente no filme, fala-se de fugas de informação para a Imprensa). Também descobrimos que a Homeostase – provavelmente através de Hackmon – tem andando em contactos com o governo.

 

Suponho que tudo isto seja para abrir caminho para a parte do Epílogo em que “toda a gente tem um Digimon”. Agora que penso nisso, o tema recorrente em Tri, dos danos colaterais dos Digimon no Mundo Real, parece ser uma preparação para esse desfecho.

 

Inteligente como sou, precisei de quase dois anos para me aperceber disso...

 

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Entretanto, Daigo encontra-se com o Professor Mochizuki, o pai de Meiko – ambos, ao que parecem, marginalizados pela organização governamental. Quando Mochizuki explicava a Daigo a experiência da filha como Escolhida, Hackmon junta-se a eles e explica, finalmente, qual é o problema de Meicoomon.

 

Meicoomon nasceu infetada com um fragmento de Apocalymon. Este é responsável pelo seu temperamento instável e poderes destrutivos. Devido à sua instabilidade, Meicoomon foi banida (pela Homeostase? Não é dito preto no branco, mas estão quase todos a assumir que foi ela a tomar a decisão) para o Mundo Real. Arranjaram-lhe, também, uma Criança Escolhida cuja presença e afeição contrabalançasse as tendências destrutivas de Meicoomon.

 

A minha antiga teoria de que Meicoomon teria sido criada de propósito para o Reinício estava errada, portanto. Contudo, esta também é uma boa explicação, consistente com a cronologia do universo Adventure e mostra um lado diferente da Homeostase e mesmo do conceito de Crianças Escolhidas.

 

Tem sido mesmo um dos temas recorrentes em Tri: a desconstrução da dinâmica de escolher crianças para salvar o Mundo Digimon.

 

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Na primeira metade de Tri, essa desconstrução foi protagonizada pelos oito Escolhidos originais. É possível ser-se um Escolhido quando as nossas ações parecem agravar mais o problema? (Saikai) Ou quando os deveres de Escolhido entram em conflito com outras responsabilidades? (Ketsui) E se, de repente, vos dessem a opção de não serem Escolhidos, de fingirem que os últimos seis anos nunca aconteceram? O que fariam? (Kokuhaku)

 

Na segunda metade de Tri, por sua vez, esta desconstrução foca-se em Maki e, sobretudo, em Meiko. Já na análise a Soshitsu tínhamos questionado a ética do conceito habitual de Crianças Escolhidas – sobretudo depois de descobrirmos o que a Homeostase fizera a Maki.

 

Mas aquilo que fez a Meiko? Impôr a uma menina de onze anos uma criatura que, se não for controlada, pode atuar como uma bomba atómica? Não há palavras.

 

Não é de surpreender que Daigo se enfureça, quando Hackmon revela que ele e a Homeostase vão matar Meicoomon, com a colaboração do próprio governo japonês. Daigo vira a sua amiga de infância (e ex-namorada… certo?) perder o seu Digimon às mãos da Homeostase. Acabara de descobrir que essa perda lançara Maki num caminho destrutivo. Afeiçoara-se a Meiko, bem como aos outros miúdos, presenciara as suas batalhas, estivera lá quando o Reinício ocorreu e os Escolhidos perderam os Digimon. Fizera, desde o início de Tri, para proteger os miúdos, bem como Meicoomon. Agora a Homeostase dizia fora tudo em vão, que Meicoomon tinha de morrer?

 

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O facto de Hackmon mandar uma indireta sobre o suposto falhanço da missão das Primeiras Crianças Escolhidas não ajuda – pelo contrário, acentua a frieza da Homeostase, que usa e descarta os seus peões com um desprendimento impressionante.

 

Tudo isto, bem como a perceção de que mais ninguém defenderá os Escolhidos, faz com que Daigo comece a agir por contra própria pela primeira vez em Tri – finalmente! O que faz ele? Veremos adiante…

 

Para já, regressemos ao Mundo Digital que, depois da fuga de Meicoomon, parece estar a voltar-se contra os Escolhidos. Temos alguns momentos caricatos, à Looney Tunes, em que o chão literalmente desaparece debaixo dos pés dos miúdos. Também também ataques de Digimon (muito mal animados e despachados em três tempos) e das próprias árvores. Kari, com a sua intuição, confirma a certa altura que o Mundo Digimon está a rejeitá-los. Daí estes fenómenos, a meteorologia instável e os ciclos dia/noite irregulares.

 

 Os miúdos lá arranjam um intervalo entre os ataques do Mundo Digimon para fazerem o ponto da situação à volta da fogueira. Meiko, como tem vindo a fazer desde Kokuhaku, culpa-se por tudo o que acontecera até ao momento. Agora que sabemos a história toda, ou quase toda, acho que todos concordamos que este era um fardo demasiado para alguém suportar.

 

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Meiko fez o melhor que podia. Duvido que tivesse sido diferente com qualquer um dos outros Escolhidos – com T.K. não foi. Meiko tivera um momento de hesitação após o Reinício, mas acabara por fazer aquilo que Sora, T.K., Mimi e os outros lhe tinham ensinado: viera ao Mundo Digital e lutara pela sua companheira. No entanto, fora pior a emenda que o soneto: ao vir ao Mundo Digimon, colocara-se a jeito para ser usada por Gennai para desestabilizar Meicoomon.

 

É de surpreender que Meiko passe este filme quase todo numa crise existencial?

 

Os outros Escolhidos tentam ajudá-la da maneira que sabem: fazendo-a acreditar em si mesma e na sua ligação com Meicoomon. É uma cena adorável, aliás – o lindíssimo tema instrumental de Butter-fly, tocando no fundo ajuda nisso – com as nossas eternas Crianças Escolhidas mostrando o porquê de eu as adorar, mesmo passados estes anos todos.

 

Os conselhos de cada um, aliás, refletem perfeitamente a evolução de cada um como personagem. Sora, por exemplo, encoraja Meiko a não sofrer em silêncio. Kari aconselha-a a não ceder às suas próprias inseguranças e a pedir ajuda quando não conseguir enfrentá-las sozinha. Matt lembra-lhe que nenhum Escolhido está sozinho, eles são uma equipa. Tai – invulgarmente caloroso para com Meiko neste filme – diz-lhe para não fugir dos problemas.

 

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Queria, de resto, comentar este comportamento de Tai. Este tinha passado os quatro filmes anteriores, não ignorando Meiko, mas interagindo menos com ela que os outros veteranos (tirando Joe, acho eu). No entanto, de Soshitsu para Kyousei – nem se pode dizer que tenha sido da noite para o dia, porque a mudança começou logo na cena do ataque a Meicoomon, que se dividiu pelos dois filmes – Tai começou a portar-se como o melhor amigo de Meiko (ou algo mais). Trocam confidências, estabelecem contacto físico, ele desvia-a de ataques na sua direção.

 

Tem graça, aliás, a maneira como nenhuma das personagens femininas é capaz de se mexer quando alguém tenta atingi-las. Tem de vir um dos rapazes protegê-las (ou, no caso de Sora em Soshitsu, dois ao mesmo tempo).

 

Mas estou a desviar-me.

 

Não que eu não goste deste lado mais caloroso de Tai, pelo contrário. E também compreendo que os digiguionistas tivessem querido voltar os holofotes para o jovem, em jeito de preparação para o que acontece no fim (embora isso me recorde o problema dos tempos de antena desiguais em Adventure). Mas podiam ter feito esta mudança de forma mais gradual. Ou, pelo menos, dado uma explicação para o novo comportamento – culpa por não ter protegido Meiko do Dark Gennai, genuína preocupação e empatia com a situação dela, sei lá…

 

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A conversa profunda à volta da lareira é interrompida de forma hilariante por Agumon, que acorda de repente, pensando que estão a falar sobre comida – o que irrita os outros Digimon.

 

Uma coisa que me tem vindo a incomodar desde Kokuhaku, aliás, é a mudança na personalidade de Agumon. Em Tri, quase tudo o que sai da boca dele é relacionado com comida. Do género:

 

– O que é um Reinício? Dá para comer?

 

Não que Agumon alguma vez tenha sido particularmente inteligente ou sofisticado em Adventure ou 02, mas sempre foi ele quem ajudou BlackWarGreymon nas suas dúvidas existenciais. E, na larga maioria das vezes, não tem piada, é apenas irritante – sobretudo porque uma das primeiras vezes que acontece é durante a cena em que os Digimon descobrem acerca do Reinício.

 

A diferença em relação aos filmes anteriores é que Kyousei, ao menos, faz bom uso da unidimensionalidade de Agumon. Na cena da fogueira, pela primeira vez, referências a comida fazem rir – mais porque interrompe uma cena particularmente emocional do que por outro motivo qualquer. Outro exemplo virá mais à frente.

 

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Nesta fase, a prioridade dos Escolhidos é regressarem ao Mundo Real – algo que, mesmo assim, só ocorre a meio do segundo episódio. É um dos problemas deste filme: a tensão está mais elevada do que nunca, estamos todos à espera que a bomba rebente mas, mesmo assim, as coisas demoram a acontecer.

 

Havemos de regressar a isso. A certa altura, o Mundo Digimon larga os miúdos sem cerimónias no Mundo Real, logo no pior sítio possível: no meio de pessoas que sabem exatamente o que são Digimon – algo que, para eles, é inédito – incluindo polícias.

 

Tai, sendo o mestre da subtileza que é (a sério, como é que este miúdo se torna um diplomata?), decide que a melhor atitude é dar à sola. Os outros seguem atrás dele porque, depois de duas temporadas e quatro filmes, os Escolhidos continuam à espera que seja Tai a tomar as decisões – mesmo que estas nem sempre façam sentido.

 

Lembremo-nos disso mais adiante.

 

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A fuga, ao menos, dá-lhes tempo para esconderem os Digimon no sistema informático criado por Izzy, antes de serem detidos. E para Joe se lamentar por, agora, ter cadastro, o que lhe pode arruinar a carreira.

 

Tenho algumas dúvidas relativamente à legalidade desta detenção. Oito dos nove miúdos são menores de idade, para começar. Para além disso, não parece que tenham sido informados que teriam direito a pedir um advogado – assumindo que as leis japonesas são semelhantes às nossas, nessa área. Seria de esperar, por outro lado, que pelo menos Joe ou Matt tivessem alguma noção dos seus direitos.

 

Felizmente, Daigo aparece a tempo e usa a sua posição para obter a custódia dos miúdos.

 

Daigo é uma das minhas personagens preferidas neste filme. O António do Odaiba Memorial Day Portugal concorda comigo, chegou a chamar-lhe o “pai das Crianças Escolhidas”. Eu não escolheria esse termo – na minha opinião, o seu papel assemelha-se mais a um irmão mais velho. Alguém com idade suficiente para se sentir à vontade entre adultos: para se responsabilizar pelos miúdos perante os pais deles, para falar em nome deles com outros adultos, para dar-lhes boleia de um lado para o outro, para zelar pela segurança deles. Mas, ao mesmo tempo, suficientemente jovem para ser acessível para os Escolhidos, para ainda se recordar de como é ter a idade deles.

 

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Quando era miúda e me imaginava como personagem no universo de Digimon, imaginava-me como uma Criança Escolhida – tal como todos nós fizemos nessas idades, calculo eu. Desde que redescobri Digimon há dois anos, no entanto, vejo-me mais num papel semelhante ao de Daigo. Ou ao de Jim Kido, o irmão mais velho de Joe, durante os episódios 44 e 45 de 02. Até porque não seria um papel muito diferente do que, às vezes, desempenho com a minha irmã adolescente e os amigos dela.

 

Com as devidas diferenças, já que a minha irmã não é uma Criança Escolhida. Se o é, esconde-o muito bem.

 

Agora que penso nisso, pergunto-me se isto terá sido intencional. Se Daigo e Maki foram criados, pelo menos em parte, como representação da audiência de Tri: crianças aquando da exibição original de Adventure, em 1999, e agora, aquando de Tri, na casa dos vinte; homens e mulheres feitos, mas ainda Crianças Escolhidas no seu coração.

 

Também é possível que seja eu a projetar-me nestas personagens. Já sabem como sou.

 

Ficamos aqui por hoje, amanhã continuamos – o melhor ainda está para vir!

3 Aplicações/Sites que mudaram a minha vida

O assunto de hoje é diferente do costume. Quero falar sobre três aplicações/sites que comecei a usar no último ano, ano e meio e mudaram a minha vida – ou, vá lá, parte dela. A parte que incluí a minha escrita, os meus blogues, a minha música. Não, não estou a ser paga por nenhuma destas aplicações, gosto genuinamente delas e recomendo-as.

 

Seguindo uma ordem mais ou menos cronológica, comecemos por falar do…

 

Pocket:

 

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Foi aqui, no Sapo Blogs, que descobri acerca desta aplicação . Conforme a Ana explicou muito bem no seu texto, o Pocket permite guardar artigos da Internet para ler ou consultar mais tarde. Podemos etiquetá-los consoante a nossa conveniência e acedê-los a partir de qualquer dispositivo que tenha a app, até mesmo offline.

 

Tenho usado o Pocket desde que esse texto foi publicado, mais coisa menos coisa. Este tem-me facilitado imenso o processo de escrita, sobretudo no que toca aos meus blogues. Quase todos estes textos requerem pesquisa: entrevistas aos criadores do material que estou a analisar (música, filmes, séries, jogos…), páginas da Wikipédia ou de sites semelhantes, críticas. No meu outro blogue, consulto notícias e crónicas sobre a Seleção.

 

Com o Pocket, guardo todas essas fontes no mesmo sítio, com a etiqueta adequada. Facilita a fase de planeamento dos textos, sobre a qual já falei aqui, e também a escrita propriamente dita – por muito bem que planeie os textos, muitas vezes preciso de voltar a consultar os artigos originais. Como costumo escrever em sítios sem wi-fi, o facto de o Pocket funcionar offline dá muito jeito.

 

Existem outras coisas que guardo no Pocket, para além de pesquisa para os meus blogues. Algumas delas são artigos sobre escrita – vários dos quais acabaram por inspirar estes textos.

 

Gosto também de ir colecionando artigos para ler nos tempos mortos: quer coisas que encontre nas redes sociais, quer na secção dos “Recomendados” do próprio Pocket. Os meus preferidos são os do The Guardian. Como, aliás, o Pocket usa a mesma formatação para todos os artigos (eu uso a tradicional: serif preto em fundo branco) muitas vezes prefiro mesmo ler os artigos por lá, em vez de lê-los nos sites originais – sobretudo quando estes têm anúncios a mais e formatações esquisitas.

 

Descobri há bem pouco tempo que o Pocket tem uma componente áudio, que lê os artigos em voz alta, mesmo offline. Ainda não tive tempo para usá-la muito, mas tenho-me divertido ouvindo os meus próprios textos – alguns dos quais, como este, escritos com o coração na ponta da caneta – lidos por uma voz feminina robótica com sotaque brasileiro.

 

Em suma, só para terem noção, quando fiquei sem telemóvel durante algumas semanas, há quase um ano, a aplicação que mais falta me fez não foi o Facebook, nem o Twitter, nem o WhatsApp, nem mesmo o Pokémon Go. Foi o Pocket.

 

Genius

 

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O Genius é um site de letras de músicas. O que o destaca de milhentos sites do género é o facto de permitir aos visitantes anotarem as letras das músicas – quer com factos sobre as mesmas, quer com sugestões de interpretações. Consta que, de início, o site dedicava-se exclusivamente a hip-hop – o seu primeiro nome era Rap Genius – mas acabou por expandir-se a outros géneros musicais. Hoje em dia, vários artistas têm contas verificadas no site, confirmam letras e/ou fornecem-nas antecipadamente – os Linkin Park fizeram isso este ano com Heavy – e chegam mesmo a anotar as letras com a interpretação “oficial” – Lorde fê-lo com Perfect Places.

 

Tendo em conta que analiso música neste blogue, este site dá-me imenso jeito. Com o Genius, temos quase tudo o que se sabe sobre determinada música no mesmo sítio – o que poupa imenso tempo no planeamento das minhas análises. Gosto, também, de ler as interpretações de outros visitantes no site, mesmo que nem sempre concorde com elas.

 

Tenho, aliás, contribuído com alguns factos e interpretações minhas. O meu username é bg_sofia, se tiverem curiosidade. Já fui convidada, até, para ser editora. Só não aceitei, porque ainda não me sinto preparada para isso. Ainda me atrapalho com a formatação das anotações, com a adição de links, citações, imagens. Mas tenciono ir praticando – tenho o conhecimento de mais de metade da minha vida como ouvinte de música para partilhar. Ainda agora comecei.

 

O site Genius tem uma aplicação móvel. Cheguei a sacá-la, mas eliminei-a quando precisei de espaço. As únicas diferenças entre a aplicação e aceder ao site através do navegador em que reparei foram a ligação automática à letra da música que estiver a ouvir no momento e uma funcionalidade tipo Shazam – mas que funciona pior que o Shazam. Não achei que justificasse o espaço que ocupa.

 

O site, contudo, vale a pena – sobretudo se forem fãs de música, como eu.

 

A próxima aplicação de que vou falar também se relaciona com essa área.

  

Spotify

 

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Esta é, sem dúvida, a aplicação mais popular desta pequena lista. Eu, como toda a gente, já conhecia serviço de streaming há alguns anos. Só há cerca de seis meses é que saquei a aplicação para o PC e experimentá-la a sério (nem me lembro ao certo do motivo). Desde essa altura, uso-o quase sempre que estou ao computador, o que tem mudado muito a maneira como consumo música.

 

A grande vantagem do Spotify é a facilidade no acesso a música. Sacar ficheiros mp3, ou semelhantes, quer legalmente quer não, ou então passá-los dos CDs para o computador, são coisas que dão trabalho. No Spotify, contudo, basta pesquisá-las e fazer um par de cliques para adicioná-las ao nosso catálogo pessoal. Ainda são precisos menos cliques quando essas músicas aparecem sugeridas nas sugestões, nos Daily Mixes, no Discover Weekly ou outras playlists.

 

Essas mesmas playlists são, aliás, outro dos pontos fortes do Spotify. Sempre fui fã delas – desde que descobri, quando era miúda, que podia tirar as músicas do CDs para o computador e reorganizá-las conforme quisesse, com o Windows Media Player. Penso que já falei, algures aqui no blogue, acerca da playlist que oiço quando escrevo cenas de ação nos meus livros. No meu outro blogue, tanto quanto me lembro, já falei algumas vezes da minha playlist da Seleção.

 

Agora, com o Spotify, posso partilhar essas playlists sobre as quais falo há anos com quem quiser e onde quiser. Já tenho a tal playlist da Seleção incorporada no meu outro blogue, por exemplo. Também criei e incorporei playlists em alguns textos antigos sobre música deste blogue – mas acho que ainda não partilhei a playlist com todas as músicas sobre as quais escrevi nesta rúbrica. A playlist do Top 10 de Canções de Amor está sempre a ser atualizada com novas canções de amor que vou descobrindo – como, por exemplo, Underwater.

 

Não sou grande fã das playlists sugeridas pelo próprio Spotify, como por exemplo, aquelas para o ginásio ou os Hits do momento. Em parte, porque não costumo gostar da maior parte das músicas da moda, mas sobretudo porque… sou esquisita e casmurra com a música. Prefiro ser eu a escolher o que oiço. Não que nunca oiça nada de novo – pelo contrário, desde que tenho o Spotify, tenho adicionado imensas canções ao meu leque habitual. Mas sempre tive dificuldades em alargar os meus horizontes – tenho andado a trabalhar nisso e já fui pior.

 

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Como uso a versão gratuita do Spotify, uma das desvantagens é ter de levar com anúncios de tantas em tantas canções. No entanto, estes não me incomodam muito – continuam a ser em menor número e um bocadinho menos irritantes do que os habituais da rádio. E, pelo menos, veem entre músicas escolhidas por mim.

 

O Spotify têm uma componente móvel, como toda a gente sabe, mas eu não a uso. No modo gratuito, a app só funciona se estiver ligada à Internet e nem sempre podemos saltar músicas. Tendo eu um cartão microSD cheio de música que pode ser lida pelo Google Play, mesmo em modo offline, para quê estar a gastar dados móveis com o Spotify?

 

A maior desvantagem do Spotify, na minha opinião – e o único motivo pelo qual ainda não pus a hipótese de aderir ao Premium – é o facto de faltarem coisas ao seu catálogo. B-sides que nunca foram lançadas oficialmente, certas versões instrumentais, acústicas ou ao vivo, a banda sonora dos jogos de Pokémon, as músicas de Digimon – embora tenha encontrado um cover bastante jeitoso de Brave Heart.

 

O Spotify não é, por isso, o meu único meio de consumo de música. E não acho que alguma vez chegue a ser. Ainda faço questão de comprar música, quer no iTunes, quer CDs – dos meus artistas preferidos, pelo menos. Em parte, porque não me parece que o Spotify pague devidamente aos músicos.

 

Mas também porque, apesar de tudo, continuo a gostar de CDs. São a única maneira de ouvir a minha música no carro que conduzo, por um lado. Por outro, sabe-me bem pôr um álbum a tocar e ouvi-lo do princípio ao fim. Quando era miúda, a minha aparelhagem não tinha modo aleatório e ouvir sempre o mesmo alinhamento aborrecia-me – foi um dos motivos pelos quais me virei para as playlists, como referi acima. Agora, no entanto, gosto de ouvir as músicas pela ordem que os artistas queriam que ouvíssemos. Em teoria, podia fazer o mesmo no Spotify – na prática, acabo sempre por adicionar outras músicas à fila.

 

De qualquer forma, acho que vou acabar por aderir ao Premium, mais cedo ou mais tarde. Quanto mais não seja porque não me parece que o Spotify consiga manter-se gratuito por muito tempo – se é verdade o que dizem neste artigo.

 

Cá estão: três das minhas aplicações ou sites preferidos neste momento. Talvez um dia escreva outro texto deste género – tenho um ou dois sites sobre os quais poderei escrever, mas não para já.

 

Obrigada pela vossa visita, de qualquer forma.

Era Uma Vez/Once Upon a Time - Sexta temporada #2

Segunda parte da minha análise a Once Upon a Time. Podem ler a primeira parte aqui. Hoje, queria começar por falar dos enredos mais secundários nesta temporada.

 

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Um deles disse respeito à morte do pai de David, quando este era pequeno. Descobre-se que, em vez de ter sido uma morte acidental, o pai, Robert, morreu tentando recuperar James, o irmão gémeo de David, que fora levado por Rumplestilskin para ser adotado pelo rei George.

 

De início, pensa-se que Robert fora assasinado pelos guardas do rei. Mas, no fim, descobrimos que quem desferiu o golpe fatal foi... Hook.

 

Esta história é interessante, mas teria sido perfeita se tivesse sido integrada no arco do Submundo, da temporada anterior. Podiam manter os mesmos flashbacks. No presente, David reencontrava o pai e o irmão no Submundo. Haveria uma dose saudável de drama e conflito, motivados por traumas de abandono e, no fim do episódio, Robert e James seguiriam para a luz.

 

Sempre era uma maneira de dar mais profundidade a James, que sempre foi muito unidimensional – além de que a sua história no Submundo foi uma seca, conforme referi na altura.

 

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Podiam, também, manter Hook como o verdadeiro assassino de Robert. Juntando isso às coisas que este fizera enquanto Dark One, podíamos ter uns quantos episódios com o pirata sentindo-se culpado, indigno de ser salvo.

 

Da forma como fizeram, o envolvimento de Hook e consequente espiral de culpa, que demorou vários episódios a ser resolvida, não fez sentido nenhum. Depois de Zeus ter considerado Hook digno de ser ressuscitado, que mais redenção é necessária?

 

É óbvio que esta história só foi incluída para que houvesse algum drama entre Emma e Hook antes de estes se casarem.

 

Regressando à Maldição do Sono, a sua quebra tardou mas foi bem feita, na minha opinião. No episódio em que ocorre, descobrimos que, dez anos após o início da primeira Maldição, Snow e David recuperaram as memórias durante algumas horas. Tiveram a oportunidade de ir ter com Emma (uma criança, na altura), mas escolheram não fazê-lo. Se o tivessem feito, a Maldição podia nunca ter sido quebrada e os habitantes de Storybrooke nunca seriam libertados (bem, tecnicamente seriam sempre libertados quando Emma morresse, mas não sei se Snow e David sabiam desse pormenor).

 

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Gostei que, ao fim de quase seis anos de série, tivessem abordado uma questão, até ao momento, mal resolvida. Snow podia dizer tanto quanto quisesse que abandonara Emma “para lhe dar a sua melhor hipótese” (a tradução não soa tão bem como o original “give you your best chance”), mas a verdade é que ela sacrificou a felicidade da filha para salvar outras pessoas. Não que fosse líquido que Emma estivesse melhor amaldiçoada, mas ao menos estaria junto da mãe.

 

Fez, assim, sentido que, no presente, Snow tenha escolhido trocar a cura para a Maldição do Sono pela possibilidade de Emma resgatar Hook – que estava preso na Terra do Nunca. E que, no fim, a Maldição do Sono tenha sido quebrada com a ajuda dos outros habitantes de Storybrooke.

 

Com Hook de regresso e os Charmings livres da Maldição, a série pôde finalmente avançar para o casório de Emma e Hook – que decorreu no muito antecipado episódio musical. Muitos fãs aguardavam-no ansiosamente, alguns deles há anos, e, na minha opinião, a série não desiludiu. As músicas originais (com uma única exceção) são perfeitas para as personagens que as cantam e… são giríssimas. Têm sido regulares nas minhas playlists desde a exibição do episódio – e, tirando quando era pequena, nunca fui do género de ouvir músicas da Disney no meu Mp3 (a única exceção é Let it Go).

 

Once Upon a Time deixa, assim, de ser uma das minha poucas paixonetas (daquelas sobre as quais escrevo) que não tem uma componente musical. Não vou, por isso, deixar de falar sobre estas canções.

 

  

Eu não fazia ideia que o elenco de Once Upon a Time tinha vozes como estas. Penso que alguns deles, como Josh Dallas e Jennifer Morrison, já tinham participado em musicais e Colin O’Donoghue tem uma banda. Os actores também deram a entender que tiveram treinadores vocais, que os ajudaram a encontrar o tom adequado para cada um.

 

Se este foi o resultado… será que me podem ensinar também?

 

O motivo para toda a gente ter começado a cantar foi um desejo que Snow pediu, quando estava grávida de Emma e à espera da Maldição: algo que garantisse que a filha teria o seu final feliz. Vemos os primeiros resultados em Powerful Magic, o dueto entre Snow e David.

 

Esta é a música mais Disney de todas. Tanto Ginnifer Goodwin como Josh Dallas dão espetáculo. Têm vozes lindas, sobretudo Josh (a sua entrada é hilariante, a propósito), e parecem, mais do que nunca, saídos de um filme da Disney – chega a ser caricato. Powerful Magic em si personifica lindamente o casal: alegre, esperançosa e saudavelmente lamechas.

 

  

As músicas de Regina, The Queen Sings e, sobretudo, Love Doesn’t Stand a Chance, por sua vez, são cantadas em tom grave. A segunda, aliás, é conduzida por acordes de guitarra e notas de piano, e Lana Parrilla canta e dança, personificando a Evil Queen em toda a sua glória.

 

Da mesma maneira, o tema de Hook, Revenge is Gonna Be Mine, mistura rock com elementos que recordam a banda sonora dos Piratas das Caraíbas. Colin O’Donoghue, aliás, domina a atuação sem esforço, com o carisma que todos lhe reconhecem.

 

O tema de Zelena, por sua vez, deixou-me dividida. Rebecca Mader tem uma voz fabulosa – o meu queixo caiu quando ela começou a cantar. E a música é linda, não o nego. O meu problema é que a melodia é demasiado… luminosa para uma música de vilã – lembrar que, na altura dos flashbacks, Zelena ainda não fazia parte dos heróis.

 

Suponho que esse seja um problema semelhante ao que os criadores de Frozen tiveram, no início da conceção do filme. A ideia inicial era fazer de Elsa uma vilã mas, quando compuseram Let it Go, a música revelou-se demasiado positiva e inspiradora para ser vilanesca.

 

  

Os criadores de Frozen puderam reescrever o filme para que se adequasse à canção. Os guionistas de Once Upon a Time não iam fazer o mesmo, por motivos óbvios. Mas também não eram necessárias muitas alterações à música para que esta se adequasse melhor a Zelena.

 

Snow e David pensam que a música seria uma boa arma contra Regina e, assim, vão confrontá-la. Este confronto musical entre os Charmings e a Evil Queen fazia sentido em teoria mas, na prática, ficou esquisito. Não sei se era essa a intenção dos guionistas, se era suposto ser ridículo. Mas não seria a primeira vez que Once Upon a Time levava uma boa ideia longe de mais, acabando por estragá-la um pouco.

 

O confronto acaba por não dar em nada, para desilusão de Snow e David. A Fada Azul, no entanto, diz-lhes que o objetivo da música não era esse – antes, esta viveria dentro de Emma e, um dia, dar-lhe ia forças para a Batalha Final.

 

  

Esse dia é o da boda dela e de Hook – o mesmo dia em que a Fada Negra lançará uma Maldição sobre Storybrooke. É durante o confronto com essa vilã que a música surge de dentro de Emma. Esta canção foi composto a partir do tema principal da série – um tema que esteve sempre lá desde o início de Once Upon a Time, o que era consistente com a ideia de que esteve sempre no coração da protagonista. A voz de Jennifer Morrison não é tão consistente como a dos outros membros do elenco, mas também acho que esta canção é mais difícil de cantar que as restantes.

 

Não deixa de ser uma bela música, que começa melancólica, mas que rapidamente ganha um carácter épico – muito graças à secção de metais.

 

Por fim, temos A Happy Beginning – a canção de casamento de Emma e Hook (e estou a pensar seriamente incluí-la no meu). Acaba por ser a típica canção final num musical: alegre, vitoriosa, com o elenco todo a dançar e a cantar. Uma canção de final feliz.

 

 

Isto é, antes de o sino tocar e a Maldição ser ativada.

 

Esta é a terceira vez na série que o episódio duplo de final de temporada se centra numa qualquer variante à realidade/cronologia habitual. Desta feita, temos a Batalha Final, que consiste numa Maldição em moldes semelhantes à da primeira temporada. Ou melhor, vemos o que poderia ter acontecido se essa primeira Maldição não tivesse sido quebrada. As únicas diferenças são que Fiona é a Presidente e mãe adotiva de Henry, em vez de Regina, e que a família direta de Emma, tirando Henry, é banida para a Floresta Encantada. Emma encontra-se internada num hospício por ter acreditado nas histórias de Henry.

 

Henry é o único em Storybrooke que manteve as suas recordações… por algum motivo. O miúdo é imune a estas coisas, ao que parece – provavelmente por causa daquela história do “coração do maior crente”. A missão de Henry é, mais uma vez, fazer a mãe acreditar em magia e nas histórias do seu livro.

 

Até porque, à medida que Emma vai deixando de acreditar, os diferentes mundos dos contos de fadas, onde os Charmings e os outros estão presos, vão sendo destruídos.

 

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Não que as personagens tenham ficado de braços cruzados, enquanto o mundo se desfazia literalmente em pó à volta deles. Pelo contrário, Hook e David trepam um pé de feijão (não sei se é o mesmo onde Emma e Hook se conheceram mas, pelo menos, é muito parecido) à procura de um feijão mágico que os leve de volta a Storybrooke.

 

Esta pequena aventura sempre rendeu alguns bons momentos de interação entre sogro e genro (David e Hook sempre tiveram boa química), alguns momentos parvos (David caiu do pé de feijão e recuperou dos eventuais ferimentos com o Beijo do Verdadeiro Amor… #fucklogic) mas, no fim, acabou por não resolver nada.

 

Entretanto, em Storybrooke, todas as tentativas de Henry para fazer a mãe acreditar falham. Fiona convence mesmo Emma a queimar o livro de histórias e a regressar a Boston.

 

Quando chega, no entanto, Emma descobre na sua mala um caderno onde Henry escreveu a história dela: a história de uma mulher solitária, um patinho feio, que encontrou a sua família, o seu lugar, que se transformou num cisne, numa heroína. Assim, Emma decide regressar. Não porque se recorde da história contada por Henry, mas porque quer ser a pessoa que o filho acredita que seja.

 

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Adorei esse pormenor – foi uma das minhas partes preferidas deste final de temporada. À primeira vista, parecia que esta Maldição fizera Emma regredir à sua personalidade na primeira temporada. Mas não era verdade. Se bem se recordam, nos últimos episódios desse ano, quando Emma teve as primeiras indicações de que as histórias de Henry poderiam ser verdade, que ela nascera para ser a Salvadora, ela entrou em pânico e tentou fugir de Storybrooke. Desta feita, ao descobrir que Henry a via como a Salvadora, Emma não fugiu – pelo contrário, abraçou esse papel.

 

Só mostra que, lá porque Emma perdera as memórias das últimas cinco temporadas da série, não perdera a sua transformação em heroína.

 

Mas não foi ela a quebrar esta Maldição. Foi Rumple. Este passara a meia temporada igual a si próprio, com um pé na Luz e outro na Escuridão, sem que saibamos ao certo a qual dos lados ele é leal. Nos últimos episódios da temporada, antes da Maldição, Fiona tinha, aparentemente, conseguido seduzir o filho para o seu lado.

 

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Contudo, cometeu um erro de amadora: separar Belle de Rumple. Qualquer um podia ter-lhe dito que Rumple nunca abriria mão da esposa sem protesto – para o melhor e para o pior, como víramos na primeira metade da temporada. Acabou por ser essa a ruína de Fiona – depois de o filho ter visto o estado em que Belle se encontrava, sob o efeito da Maldição, Rumple vira-se contra ela. Fiona morre às mãos do próprio filho, tal como já acontecera com o marido.

 

Fiona continuava, no entanto, na posse do coração de Gideon. Ao descobrir que Emma regressara de Boston, ordenara ao neto que matasse a Salvadora. A morte dela não anulava a ordem – apesar de isso ir contra o que a série estabelecera antes (mais uma vez, #fucklogic). Assim, poucos segundos após a Maldição ser quebrada e Emma recuperar as memórias, começa o muito antecipado confronto entre a Salvadora e Gideon.

 

O Dark One vai à procura do coração do filho para travá-lo. Rumple sendo Rumple tem um último momento de hesitação, contemplando a hipótese de deixar a Salvadora morrer – consta que isso eliminaria várias das limitações da magia… mais alguma vez, por algum motivo. Supostamente, Rumple ficaria capaz de obrigar Belle e Gideon a amá-lo, sem ter de abdicar do seu lado negro.

 

Depois de tantas ocasiões em que Rumple fez a escolha errada, algum dia este teria de fazer a escolha certa. Por outro lado, toda esta confusão só começara porque ele tentara usar magia para ter o filho e a esposa junto de si – e Gideon fora quem mais sofrera com isso. Porque haveria Rumple de ir por essa via outra vez?

 

  

Assim, ignorando os conselhos da mãe e da própria essência do Dark One, Rumple ordena a Gideon, através do coração do filho, que não mate Emma.

 

Ao mesmo tempo, Emma e Gideon duelam-se nas ruas de Storybrooke. Emma, a certa altura, percebe que está a lidar com uma espada de dois gumes. Se ela morrer, a Luz perde, obviamente. Mas se ela matar Gideon, comete um acto maligno, ou seja, a Escuridão vence.

 

Desse modo, a meio do duelo, Emma atira a espada para o lado.

 

Pelos visto, o facto de tanto o maior representante da Luz – a Salvadora – como o maior representante da Escuridão – o Dark One – terem tomado as decisões corretas foi o suficiente para o dia ser salvo. Emma morre mas regressa à vida depois de Henry lhe dar o Beijo do Verdadeiro Amor. Por sua vez, Gideon transforma-se num bebé, de novo, como se nunca tivesse sido levado pela Fada Negra – acho que todos concordamos que este era o único final feliz possível para ele.

 

 

Temos, aliás, tempo para ver os finais felizes (ou melhor, “começos felizes”) de toda a gente. Snow continua a ser professora, David torna-se dono-de-casa, Emma e Hook continuam a ser os xerifes de Storybrook – até aqui, tudo bem.

 

Regina continua a ser Presidente e a dividir a custódia de Henry com Emma. Fico satisfeita por os guionistas não terem sentido a necessidade de emparelharem nem Regina, nem Zelena, com um homem (a propósito, que ficou Zelena a fazer, para além de criar a filha?). É certo que Regina ainda regressa na próxima temporada. Mesmo assim, é bom vermos duas mulheres solteiras e felizes em televisão.

 

Por outro lado, Rumple e Belle voltam a ser um casal. Tenho algumas reservas em relação a isto. Não sei se Rumple merecida ser perdoado de tudo tão depressa. Sim, ele tomou a decisão certa no fim, salvando toda a gente – mas isto foi depois de séculos e séculos de decisões erradas, algumas das quais amplamente comentadas na primeira parte deste texto.

 

Não que eu não quisesse que Rumple e Belle tivessem feito as pazes, pelo contrário. Gosto de pensar, apenas, que Belle não caiu logo nos braços de Rumple, que a reconciliação foi gradual.

 

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A cena final, com o elenco todo na mesma mesa, foi outro dos meus momentos preferidos. Há anos, na segunda temporada, quando o facto de Rumple ser avô de Henry era apenas a ponta do icebergue, David comentou (numa tradução livre):

 

- Ainda bem que não há Dia de Ação de Graças na nossa terra, que esse jantar seria horrível.

 

Pois bem, mostrarem precisamente esse jantar não sendo horrível foi a maneira perfeita de encerrarem esta parte da história.

 

Eu dispensava a comparação com a Última Ceia, no entanto. A série nunca soube ser subtil.

 

 

O episódio, no entanto, não termina aqui. Antes disso, saltamos no tempo (Quinze anos? Vinte?) e vemos Henry em adulto. Este é visitado por uma menina chamada Lucy, que diz ser sua filha e que vem buscá-lo para que ajude a sua família – recorda-vos alguma coisa?

 

Este ano de Once Upon a Time deixou muito, mas mesmo muito a desejar. No entanto, tal como já aconteceu antes, o final bem conseguido ajuda a redimir, tanto a temporada como a própria série. Pelo menos em parte.

 

E talvez este reinício/salto no tempo ajude a disfarçar o desgaste. Não quero falar muito sobre a sétima temporada, até porque este texto já vai longo – mais longo do que tinha previsto. Recordo apenas que Rumple, Regina e Hook regressam, com novas identidades nesta nova Maldição. É uma premissa interessante – mas quero ver como irão justificar as ausências de Emma, dos Charmings e de todos os outros que saíram.

 

Estou disposta, assim, a dar o benefício da dúvida a OUaT – embora vá ter saudades de Emma e das suas interações com Henry, Regina e Hook. Não sei, no entanto, se voltarei a escrever sobre esta série. Na altura decidirei.

 

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Antes de terminarmos, quero falar sobre os meus planos para este blogue. Falta pouco mais de uma semana para a estreia do quinto filme de Digimon Adventure Tri, Kyousei. Como tal, uma das próximas publicações será a análise a esse filme. Desta vez, vou tentar não me demorar tanto, que o meu atraso com Soshitsu foi uma vergonha.

 

Não vai ser fácil porque o filme estreia mesmo antes da próxima jornada da Seleção – ou seja, durante as primeiras duas semanas depois de Kyousei terei de dar prioridade ao meu outro blogue.

 

Depois de tratar de Tri, quero continuar a minha rubrica Pokémon através das gerações”. Já cheguei ao fim de Pokémon Sun (quase dez meses após o seu lançamento…) e quero, um dia destes, escrever sobre esse jogo.

 

No entanto, ainda me faltam três textos até chegar a Sun&Moon: um sobre a quinta geração, um sobre a sexta e um sobre Pokémon Go. Pelo meio, dia 17 de novembro saem mais dois jogos da sétima geração: Ultra Sun e Ultra Moon. Como duvido que consiga despachar estre três textos que me faltam (ah ah, terei sorte se conseguir despachar um), em princípio falarei sobre todos os jogos da sétima geração no mesmo texto.

 

Ainda tenho outro texto nos meus planos: uma coisa curtinha. Já comecei a escrevê-lo e tudo. Talvez consiga terminá-lo e publicá-lo nestes dias que faltam até Kyousei mas, se não conseguir, não há crise. Tentarei terminá-lo nos intervalos dos outros textos.

 

Não levem estes planos muito a sério, no entanto. Posso não conseguir cumpri-los à risca. Vou tentar, mas não posso prometer nada. Em todo o caso, obrigada pela vossa paciência.

 

 

Era Uma Vez/Once Upon a Time - Sexta temporada #1

Tenho uma confissão a fazer: não tinha muita vontade de escrever este texto. Filo-o quase por obrigação: porque escrevo sobre Once Upon a Time pelo menos uma ou duas vezes por ano desde os primeiros meses deste blogue. Se não tivesse nada a dizer, ainda punha a hipótese de não escrever. Mas não era o caso, logo, aqui estou. 

 

Pelos vistos, tinha muito a dizer, pois este texto ficou bem mais comprido do que estava à espera. Tão comprido que tive de dividi-lo em duas partes – publicarei a segunda amanhã.

 

Alerta Spoiler: este texto contém revelações sobre o enredo, pelo que só é aconselhável lê-lo caso tenha visto todos os episódios da sexta temporada de Era Uma Vez/Once Upon a Time, até para a própria compreensão desta entrada.

 

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A verdade é que uma boa parte deste desinteresse deve-se a uma sexta temporada muito irregular. Claros sinais de desgaste, reutilização de ideias já antes exploradas até à exaustão, a ausência de uma linha narrativa coerente, enredos enfiados a martelo, entre outras falhas. Como tal, passei este ano quase todo meio esperando, meio desejando que a série fosse cancelada – sobretudo quando se descobriu que Jennifer Morrison, Ginnifer Goodwin, Josh Dallas, Rebecca Mader e Emilie de Ravin (que fazem, respetivamente, de Emma, Snow, David, Zelena e Belle) não renovaram o contrato. De início, fiquei chateada com a notícia de uma sétima temporada – agora que sabemos que a série dará um salto no tempo e sofrerá uma espécie de Reinício (tenho um certo trauma com esta palavra…), não estou tanto.

 

Mas já lá vamos.

 

O primeiro episódio deixou-me logo com poucas esperanças para o resto da temporada – por causa da história envolvendo a protagonista, Emma. Depois de, na época anterior, se ter tornado no Dark One, ter visto o amante morrer e ter ido resgatá-lo ao mundo dos mortos, Emma descobria agora que estava prestes a morrer, às mãos de uma figura encapuçada. Porque, ao que parecia, era esse o destino de todos os Salvadores.

 

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Durante cinco temporadas – em particular, durante a segunda metade da quarta – OUaT martelou-nos com o dogma “Vilões não têm finais felizes”. Agora diziam que os Salvadores – o supra-sumo dos heróis – também não os têm? Em que é que ficamos?

 

Chamo a isto Síndrome Meredith Grey: aquilo que acontece quando uma série já dura há muito tempo e os guionistas não sabem o que fazer com o protagonista. Assim, vão atirando desgraças para cima dele(a), até já não fazer sentido ou não ser de todo realista.

 

Apesar de não ter gostado muito da premissa inicial, a execução até foi boa, tirando um pormenor ou outro, conforme veremos adiante.

 

Os episódios que se seguiram ao primeiro foram bem melhores. Tal como tinha referido no ano passado, o conceito das Histórias Por Contar era interessante – os episódios que exploraram esse conceito corresponderam a essas expetativas. O problema é que… essa linha narrativa só durou seis episódios – e estou a incluir a história de Aladdin e Jasmine.

 

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Este arco terminou tão depressa porque as duas personagens centrais – Dr. Jekyll e Mr. Hyde – morreram logo no sexto episódio. Por sinal, a história deles foi a minha preferida das Histórias Por Contar. Por um lado, por apresentar o twist de Jekyll ser o verdadeiro vilão; por outro, por desconstruir o irritante princípio de que as mulheres preferem os homens maus.

 

Mas isso daria azo a um texto à parte.

 

Depois da morte de Hyde, pensou-se que Jafar tomaria o seu lugar como vilão. Isto porque a história de Aladdin e Jasmine fora uma das mais promovidas antes do início da temporada. No entanto – de uma forma muito típica em OUaT, diga-se de passagem  – a execução não correspondeu ao hype. Aladdin e Jasmine só foram centrais em dois episódios. Numa mão-cheia de outros, foram apenas secundários. Jafar, esse, tirando uns quantos flashbacks, só apareceu durante uns dez minutos. Os paralelismos entre Emma e Aladdin até tiveram o seu interesse. Tirando isso, esta parte da história não me aqueceu nem arrefeceu.

 

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A Evil Queen foi a primeira vilã da primeira meia temporada, mas não fui grande fã. Para além de ter sido uma repetição da Regina das primeiras temporadas, sobretudo nos flashbacks, a partir de certa altura tornou-se demasiado poderosa, demasiado invulnerável. Teve de vir outro vilão – falaremos sobre ele mais à frente – para a travar, ainda que durante apenas alguns episódios.

 

Uma coisa de que ninguém – ninguém, nem mesmo as próprias personagens – gostou foi do envolvimento entre a Evil Queen e Rumple. Não nego que sempre existiu alguma tensão sexual, sobretudo nos flashbacks – mas também, o sex appeal sempre foi uma parte significativa do modo Evil Queen de Regina. Ela agia assim com praticamente todos os homens com quem se cruzava, David e Hook incluídos. A sua interação com Rumple não era assim tão diferente das demais. Passar das insinuações à prática foi uma péssima ideia.

 

Já que falamos em Rumple, este atingiu o seu ponto mais baixo nesta meia temporada. Se já na época anterior tinha notado contornos de relação abusiva no seu casamento com Belle, estes, agora, foram inconfundíveis. Prendeu Belle no Jolly Roger e, mais tarde, colocou-lhe a versão mágica de um localizador, dizendo que a ama e ao filho por nascer para se justificar; ameaça-lhe acelerar-lhe a gravidez e tirar-lhe o filho à força.

 

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É, na verdade, o que acaba por acontecer, embora seja obra da Evil Queen e não de Rumple (não que Belle o saiba). A recente mãe acaba por decidir entregar o filho (a quem dá o nome Gideon) à Fada Azul, para que o proteja do próprio pai.

 

Houve alguma controvérsia entre os fãs sobre se Belle tinha o direito de negar Gideon a Rumple. Alguns argumentam que Rumple nunca faria mal ao filho e talvez até tenham razão. Eu, no entanto, se estivesse no lugar de Belle, também não quereria um homem como Rumple – que não aceita rejeição, que recorre a atalhos para obrigar pessoas a amá-lo em vez que estabelecer relações genuínas, que tem um histórico bem conhecido de abandono de crianças – perto do meu filho. Fazendo comparações com o “mundo real”, a lei é ambígua, mas eu pessoalmente acho que um agressor nunca poderá ser um bom pai – quanto mais não seja pelos exemplos que dá aos filhos.

 

Um aparte só para comentar que nunca esperei ter de pesquisar sobre violência doméstica enquanto escrevia sobre uma série baseada em contos de fadas… Mas também é verdade que os contos de fadas tem origens bastante sombrias.

 

Ainda que a decisão de Belle seja compreensível, entregar Gideon à Fada Azul acabou por ser pior a emenda que o soneto… mas já aí vamos.

 

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Regressando à Evil Queen, a sua maior façanha de longe enquanto vilã foi a maldição que lançou a Snow e David: uma variante da Maldição do Sono em que, quando um está acordado, o outro está inconsciente.

 

É certo que existem uma série de incoerências nisto. Supostamente, ambos seriam já imunes a este tipo de maldições. Na segunda temporada, a Maldição do Sono implicava sonharem com um quarto em chamas – nesta, contudo, as vítimas mergulham num sono normal.

 

Nesta altura do campeonato é mesmo escusado esperar consistência em Once Upon a Time.

 

De início até foi interessante – e devo dizer que já era altura de a série explorar as consequências de Snow e David partilharem um coração. No entanto, foi um arco narrativo que se prolongou demasiado tempo – e não se percebe, por exemplo, por que motivo Emma não tentou dar-lhes o Beijo do Verdadeiro Amor.

 

Conforme veremos mais à frente, no entanto, gostei da maneira como encerraram essa história.

 

  

Um dos episódios mais interessantes foi o final da primeira meia temporada. Neste, a Evil Queen envia Emma para uma realidade alternativa – aqui, a primeira Maldição nunca ocorreu e Emma cresceu com os pais. Regina consegue, mais tarde, entrar nesta realidade. No momento em que esta encontra Emma em modo cem por cento princesa Disney – apanhando flores e cantando Someday My Prince Will Come/O Meu Amor Virá – eu tive de carregar no “pausa” para me rir.

 

A piada não durou muito. Passou a ser triste, mesmo patético, quando Regina tentou apelar ao lado heróico de Emma – inexistente, nesta realidade. A mim, custa-me a acreditar que Snow e David não tivessem educado Emma, pelo menos um bocadinho, para ser lutadora – sobretudo tendo em conta o passado guerreiro de Snow.

 

Emma, na verdade, só “desperta” quando a versão alternativa de Henry tenta matar Regina e esta não faz nada para se defender.

 

Gostei do regresso, ainda que breve, de August – bem como do pequeno flashback que conta as origens do apelido Swan. Outra pérola desta realidade alternativa foi Hook – trinta anos mais velho, barrigudo, hilariantemente alcóolico. A própria Jennifer Morrison parecia estar a esforçar-se por não se rir.

 

  

Por sua vez, Regina “reencontra” Robin nesta realidade alternativa. Reencontra entre aspas pois este, como todos os habitantes deste mundo, é uma versão diferente do seu antigo amante – um Robin que nada tem de heróico, que rouba para proveito próprio. Regina, como seria de esperar, trá-lo para Storybrooke.

 

Não acredito que houvesse uma única pessoa na audiência que acreditasse que aquilo ia resultar. E, de facto, Robin não se consegue integrar em Storybrooke, na sombra deixada pela versão mais heróica de si. A sua partida torna-se inevitável.

 

Para onde vai ele? Para explicar, temos de saltar alguns episódios. No final da primeira meia temporada, a Evil Queen tinha sido transformada numa serpente e aprisionada por uma figura encapuçada, acabada de chegar a Storybrooke – a mesma figura destinada a matar Emma. Alguns episódios mais tarde regressa à sua forma habitual e confronta Regina com o intuito de matá-la.

 

É durante esse confronto que, conforme todos sabíamos que iria acontecer mais cedo ou mais tarde, Regina percebe que deve aceitar o seu lado mau – ou seja, aceitar-se a si mesma, amar-se a si mesma. Não foi muito diferente da história de Emma, durante o arco de Frozen, sem parecer repetição.

 

 

E a verdade é que, mais do que nas maldições, nos duelos grandiosos, nas figuras da Disney feitas carne, é nestes momentos de crescimento das personagens, de humanidade, que Once Upon a Time brilha verdadeiramente, ofuscando os seus defeitos.

 

Ao contrário do que muitos esperavam, Regina não reabsorve a Evil Queen. Em vez disso, Regina mistura os corações de ambas, de modo a ficarem com a mesma proporção de luz e sombra. A Evil Queen (chateia-me um bocadinho que não tenham arranjado outro nome para ela) vai, depois, viver com Robin na realidade alternativa que ela mesma criara.

 

Já na altura me perguntei se fora boa ideia enviarem a Evil Queen  para um reino em que ela era procurada por regicídio e rapto da princesa. Não foi surpresa, por isso, quando se descobriu que ambos fugiram para a Floresta Encantada original, onde acabaram por ficar noivos.

 

Sempre consola um bocadinho que uma versão de Regina e uma versão de Robin tenham tido um final feliz juntos.

  

Recuemos alguns episódios. Depois de Emma regressar a Storybrooke, encontra a figura encapuçada que estava destinada a matá-la. Nada mais nada menos que… Gideon, o filho de Belle e Rumplestilskin.

 

 

Eu passo a explicar.

 

Tínhamos visto que Belle deixara o filho recém-nascido à guarda da Fada Azul. Infelizmente, esta não foi capaz de proteger a criança durante mais do que um dia, se tanto: esta acabararia por ser raptada pela Fada Negra (que, segundo o que descobríramos no episódio anterior, era a mãe de Rumple e o abandonara pouco depois de ele nascer).

 

Dá vontade de citar o meu meme preferido: “You had one job!”. Se já antes não gostava da Fada Azul, depois desta gosto ainda menos.

 

Havemos de falar melhor sobre a Fada Negra, também conhecida por Fiona. Para já, só é necessário saber que esta aprisionou o neto no seu reino, onde o tempo passa mais depressa. Em suma, Gideon envelheceu vinte e oito anos do dia para a noite, essencialmente.

 

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Por esta altura já contávamos cinco anos e meio de #OUaTlogic. Pais e filhos com as mesmas idades biológicas; Leopold noivo e mãe e filha; Rumple envolvendo-se com mãe e filhas; Emma envolvendo-se com enteado e padrasto; Regina adotando o neto da sua enteada; uma cidade quase sempre isolada do resto do mundo mas que se sustém sem problemas.

 

Mas uma criança crescer até à idade adulta antes de o corpo da mãe recuperar totalmente do parto (assumo eu…)? Já é demais.

 

Gideon diz que quer matar Emma para lhe roubar os poderes de Salvadora, de modo a derrotar a sua avó. O que obviamente não faz sentido nenhum – ao que parecia, ele estava a confundir a Salvadora com o Dark One.

 

Não foi, portanto, grande surpresa quando se descobriu que Gideon estava a ser controlado pela Fada Negra. Foi-nos revelado, também, que esta era a grande opositora de Emma, que a “Batalha Final” de que Rumple falava na profecia do episódio-piloto seria entre a Fada Negra e a Salvadora. Isto por ter sido Fiona a criar a primeira Maldição, a Maldição que Emma nasceu para quebrar.

 

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O que não me convenceu. Se os guionistas queriam vender a Fada Negra como a principal vilã até agora em Once Upon a Time, a Némesis de Emma, deviam ter dado pistas sobre isso antes. Tanto quanto me lembro, só se fala dela em Snow Falls, na primeira temporada, e Snow Drifts/No Place Like Home (que, de qualquer forma, é uma espécie de remake de Snow Falls). Mesmo que fosse esta desde o início (coff coff, dúvido), sem os devidos indícios, esta parte parece enfiada a martelo.

 

Para ser sincera, modéstia à parte, a minha teoria de há um par de anos faria mais sentido –  aquela segundo a qual o grande vilão da série seria a essência do Dark One. Mesmo o próprio Rumplestilskin ou a Evil Queen fariam mais sentido.

 

Uma coisa tenho de reconhecer, contudo: em termos de carisma, Fiona não fica nada atrás de outros vilões icónicos da série, como Rumple, Cora ou Regina em modo Evil Queen.

 

Perto do fim da temporada, é revelado o motivo pelo qual Fiona abdicou do filho, ainda antes de lhe dar um nome. No dia em que Rumple nasceu, a Fada Azul e Tiger Lilly profetizam que ele seria um Salvador, destinado a confrontar uma grande força da Escuridão, nascida na mesma altura, na Batalha Final.

 

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Esta cena de Rumple ter estado destinado a ser um Salvador, de início, pareceu-me vinda do nada. Mas, entretanto, lembrei-me da realidade alternativa do final da quarta temporada, em que Rumple é o Light One. Se, nessa realidade, Rumple nunca tiver sido abandonado por nenhum dos pais, nunca tiver ganho fama de cobarde, faz sentido que se tenha tornado um Salvador – mesmo que não seja esse o título que usa.

 

Infelizmente, nesta realidade, Fiona decide tornar-se uma fada para proteger o filho. Quando, a certa altura, fica disposta a matar Tiger Lilly, a sua magia torna-se negra – um pouco à semelhança do que tinha acontecido com Nimue, conforme vimos na quinta temporada. A própria Fiona torna-se, assim, a tal força da Escuridão destinada a matar Rumple.

 

Um caso clássico que profecia que se cumpre a si mesma. O que, de resto, faz a Fada Azul descer ainda mais na minha consideração: mais valia que tivesse ficado calada!

 

A certa altura, a Fada Azul dá a Fiona a hipótese de abdicar do seu poder, de modo a não ter de enfrentar Rumple na Batalha Final. À semelhança do que o filho faria inúmeras vezes, Fiona recusa. Em vez disso, separa Rumple do seu destino como Salvador. Depois disto, a Fada Azul bane Fiona para outro mundo – o tal onde o tempo corre mais depressa.

 

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A ideia com que fiquei foi que, já que Rumple não chegou a ser o Salvador, Emma substituiu-o, ficando ela com a tarefa de enfrentar a Fada Negra, na Batalha Final.

 

Voltaremos a falar sobre essa parte da história e sobre outras partes na próxima entrada, amanhã. Fiquem por aí!

Lorde - Melodrama (2017)

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A cantora neozelandesa Ella Yelich-O’Connor, mais conhecida por Lorde, lançou o seu segundo de estúdio, Melodrama, no passado dia 16 de junho. Se acompanham o meu blogue, saberão que só no ano passado é que ouvi o seu primeiro álbum, Pure Heroine – no entanto, cativou-me logo. Quando se soube que vinha aí Melodrama, fiquei, naturalmente, interessada – sobretudo depois de ouvirmos Green Light e Liability. Pure Heroine é um álbum excelente a todos os níveis, sem falhas significativas. Será que Melodrama consegue atingir a fasquia deixada pelo seu antecessor?

 

Bem, sim. Lorde tem apenas vinte anos de idade, mas já conseguiu a proeza de ter dois álbuns excelentes no seu currículo. A miúda não é deste planeta!

 

É muito difícil dizer qual dos dois álbuns é o melhor. No entanto, uma das coisas que prefiro em Melodrama é a instrumentação. Pure Heroine caracteriza-se pela produção minimalista. As músicas são conduzidas pela voz, só com batidas e um ou outro instrumento ou sintetizador, tudo muito discreto.

 

Não estou a dizer que isso seja defeito ou que as músicas pedissem mais instrumentos – pelo contrário, faz parte do carácter do álbum. Eu, no entanto, sempre gostei de instrumentos em música. Como tal, fiquei feliz por instrumentos como, por exemplo, o piano (em várias canções), o clarinete (em Sober), os violinos (em Sober II/Melodrama e Writer in the Dark), participarem em Melodrama – e de forma inteligente, como veremos a seguir.

 

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Tínhamos comentado, a propósito de Green Light, que a narradora desta faixa parecia ser uma miúda embriagada, acabada de se separar, que sai à noite para esquecer o ex-namorado; que se esforça desesperadamente por se divertir e mostrar que está a seguir em frente, mas que sofre em silêncio. Na verdade, o mesmo parece acontecer com o resto de Melodrama. O álbum reflete as diferentes fases, as diferentes emoções, pelas quais uma pessoa passa enquanto recorre ao estilo de vida festeiro – sexo, álcool, drogas, as chamadas party-bangers – para ultrapassar uma separação. Lorde referiu mesmo, em entrevista, que todas as canções decorrem na mesma noite.

 

Ora, quem me conheça minimamente saberá que esse estilo de vida pouco ou nada me diz. Contam-se pelos dedos das mãos as vezes que fui a uma discoteca – das vezes que me diverti, foi por causa da companhia e não do ambiente. Se é para chegar trôpega a casa a altas horas da noite, prefiro que seja após um concerto ou festival de música.

 

Além disso, nunca fui grande fã de party bangers.

 

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No entanto, sei perfeitamente que muitos apreciam este estilo de vida – ou, pelo menos, passam por uma fase em que o apreciam. Aos dezanove/vinte anos, como a Lorde, às vezes antes, às vezes mais tarde. Como tal, não me vou armar em moralista nesta análise – até porque o álbum Melodrama acaba por desmistificar este estilo de vida, obriga-nos a olhar além do glamour, dos filtros do Instagram.

 

Uma das características de Melodrama, aliás, é a auto-consciencialização: a noção de que nada daquilo é real e/ou duradouro. Nem a festa, nem os romances mais ou menos sérios. É tudo melodrama: um exagero, mesmo uma paródia da realidade.

 

Falemos, então, das canções em si. Green Light funciona bem como introdução a Melodrama. Na tracklist seguem-se duas músicas que se centram no ponto alto da festa. Das duas, a minha preferida é Sober.

 

 

Esta, de início, segue o estilo típico de Lorde, com batidas e instrumentação mínima. Ressaltar a repetição de “Night, midnight, lose my mind”, marcando o ritmo. Quando chega o refrão, a partir do meio, os versos são pontuados por notas de clarinete (ou de corneta? Não sei, é um instrumento de sopro de metal) – um dos exemplos da instrumentação inteligente em Melodrama.

 

Faz-me desejar, aliás, que tivéssemos mais clarinetes ou instrumentos do género na música pop.

 

A letra de Sober parece falar sobre um caso de uma noite só – ou, pelo menos, um caso que se limita à parte física, à euforia. A narradora compara-o a um delírio febril, ao efeito de uma droga. Na verdade, é dado a entender que a outra parte parece mais investida na relação que a narradora – que, por sua vez, parece ter perfeita noção de que aquilo não sobreviverá à ressaca: “But what will we do when we’re sober?”.

 

Essa pergunta será, aliás, respondida mais à frente no álbum. Antes, temos Homemade Dynamite. Esta é a música de que menos gosto em Melodrama. Não que seja uma música má – este álbum, ou melhor, Lorde não tem músicas más – ou mesmo que não goste de todo. Apenas não a acho tão interessante como o resto de Melodrama.

 

 

Segundo terá dito a própria Lorde, Homemade Dynamite marca, essencialmente, o momento na festa em que as drogas começam a fazer efeito. Em termos de letra e tema, acaba por não ser muito diferente de Sober, visto que até fala de um possível caso de uma noite só. Musicalmente, não difere muito da típica sonoridade de Lorde, embora com um ritmo mais dançante. Consta que deverá ser single a certa altura. Não é de surpreender – composta com Tove Lo, Homemade Dynamite é a mais parecida em Melodrama com a típica party banger.

 

No entanto, preferia Sober como single. Ou então Supercut.

 

The Louvre é o mais parecido que temos em Melodrama com uma canção de amor. A letra supostamente descreve a relação de Lorde com o, agora, ex-namorado. Ao contrário de uma típica canção de amor, a descrição que esta faz do romance não é propriamente idílica: temos referências a ilusão, obsessão, vício, mesmo estupidificação. A narradora admite mesmo que negligencia os amigos a favor do amante. Ao mesmo tempo, descreve aquela fase em que o casal se considera superior aos simples mortais, dignos de figurar no Louvre (na parte de trás, mas o Louvre é o Louvre). Amam, assim, perdidamente e dizem-no cantando a toda a gente (“Broadcast the boom boom boom boom and make’em all dance to it”).

 

Musicalmente, The Louvre é conduzida por acordes de guitarra graves e discretos, aos quais vão sendo acrescentados elementos deliciosos aqui e ali: como as batidas no refrão e as notas de guitarra elétrica (ou órgão? Não consigo perceber ao certo…) no fim.

 

  

 

No entanto, Melodrama também mostra o lado menos bonito, tanto das festas como dos romances. Sober II (Melodrama) é uma das minhas músicas preferidas neste álbum e também uma das mais interessantes. Funciona bem como sequela a Sober pois as melodias são parecidas e a letra responde à pergunta deixada pela prequela: o que acontece depois das drogas. Naturalmente, em Sober II (Melodrama) temos referências a arrependimento, censura, consequências inesperadas – gosto particularmente dos versos “They’ll talk about us and discover how we kissed and killed each other”. Repete-se muito a frase “We told you this was melodrama” – não foi falta de aviso, eles sabiam no que se estavam a meter.

 

A instrumentação nesta música é perfeita. A abertura com os violinos frios, dolorosos, implacáveis, evocam na perfeição as dores de cabeça e fotofobia típicas de uma manhã de ressaca. Não será por acaso que a música quase homónima da P!nk, Sober, usa violinos de maneira semelhante, sobretudo no final da faixa.

 

Passemos, então, às chamadas break up songs, para além de Green Light. Uma delas é uma faixa com duas partes: Hard Feelings/Loveless. Em termos de sonoridade, não divergem muito do estilo habitual de Lorde. A primeira parte é lenta, suave, conduzida por batidas leves e um sintetizador discreto, que se vão tornando mais intensos. A segunda parte, por sua vez, é bem mais dançante, conduzida por batidas, com notas de piano apimentando os vocais.

 

Em termos de letra, Hard Feelings parece começar no rescaldo imediato da separação, num momento de grande vulnerabilidade, em que a ferida é ainda recente. Lorde referiu mesmo que esta música é a calma após a grande discussão, a grande separação. Em consonância com o tema geral do álbum, temos referências a ressaca, a pós-melodrama.

 

  

Há uma ideia de passagem do tempo à medida que a canção decorre. Na segunda estância, assim, a narradora procura manter-se ocupada, aprender a estar sem o ex-namorado. A dor permanece, mas a narradora está determinada a esquecê-lo, a ultrapassar a separação.

 

É tão eficaz, na verdade, que a segunda parte da canção, L.O.V.E.L.E.S.S. é a completa antítese de Hard Feelings. Aqui temos uma Lorde em modo vingativo, anti-romântico, troçando abertamente do ex-namorado e do amor em geral. Lorde chama mesmo ao seu grupo “A geração sem amor”, que gozam com os respetivos amantes (ela descreve-o de forma mais colorida…). Nesse aspeto, a versão do vídeo acima, que ela filmou com um grupo coral e uma boombox à anos 90, faz todo o sentido.

 

E é muito fixe!

 

  

Writer in the Dark, por sua vez, é uma balada de piano, à semelhança de Liability, acompanhada por violinos no refrão e no final da música. Não posso deixar de assinalar os vocais agudos de Lorde, no refrão: meu. Deus. Como é que ela faz aquilo?

 

Em termos de tema, Writer in the Dark é muito parecida com Hard Feelings: ambas exprimem amargura e ressentimento pela separação e, ao mesmo tempo, manifesta o desejo de seguir em frente com a sua vida. Assumindo que a letra é verídica, descobrimos que o ex-namorado não era homem suficiente para aceitar o sucesso de Lorde. Esta, assim, sentiu-se obrigada a diminuir-se, a tirar pedaços de si mesma, para não ferir o orgulho dele.

 

Não nego que o facto de a música ter “escritora” no título me agrada particularmente. No entanto, neste contexto, acho que significa mais “artista” do que outra coisa qualquer. Alguém que, se calhar, sente as coisas com demasiada intensidade e que imortaliza as suas emoções na sua arte.

 

  

Consta que Supercut é uma favorita entre os fãs. Não é difícil perceber porquê. Musicalmente, é como se Green Light e Ribs se juntassem e tivessem um filho: riffs de piano parecidos com os da primeira, batidas parecidas com as da segunda, o ritmo dançante de ambas.

 

O termo “Supercut” refere-se a uma montagem de vídeos que, geralmente, se focam num elemento único – tipo isto. É isto que passa na mente da narradora: um greatest hits da relação que terminou, sem as partes menos boas, em constante repetição. O verso “In my head I do everything right” soa-me particularmente triste – é muita mágoa e arrependimento numa única frase.

 

Gostava de chamar a atenção para o verso “In your car, the radio up”. É um tema recorrente que Lorde e Avril Lavigne têm em comum: no carro com os interesses românticos. No caso da Avril, o exemplo mais flagrante é Complicated: “I like you the way you are, when we’re driving in your car”. Carros voltam a aparecer, em contexto semelhante, no quinto álbum, com as músicas 17 (“My favorite place was sitting in his car”) e You Ain’t Seen Nothin’ Yet (“Your car, I’m sitting right beside you”).

 

É possível, no entanto, que estas sejam referências propositadas a Complicated.

 

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Por sua vez, Lorde já explorara esse tema em 400 Lux. Em Melodrama, para além de Supercut, Green Light aborda-o de passagem (ao falar do “carro de outro”) e, em Hard Feelings, serve de metáfora à relação que tem os dias contados.

 

Já falámos sobre Liability antes. Ouvindo-a no contexto do resto do álbum, encaixa-se bem no contexto de Melodrama. Existem, mesmo, várias interpretações possíveis que se encaixariam. Para além de poder referir-se à relação que terminou, poderia referir-se a alguém que não gostou da festa e culpa a narradora por o(a) ter arrastado para a mesma. Ou então o contrário: alguém que se aproveitou do espírito festeiro da narradora e a descartou na manhã seguinte, depois de obter o que queria.

 

Liability tem, no entanto, uma reprise, mais à frente em Melodrama. Não sei ao certo qual é a diferença entre uma reprise e uma sequela ou segunda parte. Esta, no entanto, parece funcionar como uma correção à música original. Ao contrário de Liability propriamente dita, que é uma balada de piano, Liability (Reprise) aproxima-se mais do som habitual de Lorde, ao limitar-se a batida e vocais.

 

  

Na letra, a narradora percebe que ela não é um risco, não é o problema, nem no que toca a relação que terminou nem no que toca à desta. Começa, aliás, a aperceber-se nos efeitos nocivos deste estilo de vida. Que a rapariga embriagada na festa, tentando esquecer o namorado, não é a sua verdadeira identidade. Que aquilo é tudo melodrama, como referimos acima: não é real.

 

E assim se abre caminho para o epílogo do álbum: Perfect Places.

 

Esta é a minha música preferida em Melodrama e talvez mesmo em 2017, até agora. Em termos de sonoridade, de início, não difere muito do estilo habitual de Lorde, com a batida e o sintetizador discreto. Entretanto, ouvem-se algumas notas de piano, o sintetizador ganha intensidade. Por fim, Lorde faz “tch-tch”, como quem engatilha uma arma ou ativa uma bomba, e a música explode com um dos melhores refrões dos últimos anos – um híbrido do refrão de Team com Midnight City, dos M83, com notas de piano e sintetizadores à anos 80.

 

  

A letra de Perfect Places faz um resumo dos temas recorrentes em Melodrama e ainda acrescenta coisas. Vemos a narradora recorrendo às festas como escapismo: não apenas no que toca à separação, esmiuçada no resto do álbum, mas também à atualidade, ao clima, ao desaparecimento de heróis, ao controlo excessivo por parte dos demais. A própria Lorde admitiu que era esse o caso para si e para os amigos, sobretudo durante o verão do ano passado – que procurava uma fuga à realidade, que tinha medo de estar a sós com os seus pensamentos (“Now I can’t stand to be alone”).

 

Este verão tenho percebido um pouco de que Lorde fala em Perfect Places. O verso “I hate the headlines and the weather”, por exemplo, faz-me pensar na tragédia dos incêndios. E o verso “All of our heroes fading”, que Lorde admitiu referir-se às mortes de David Bowie e Prince, no ano passado, faz-me pensar no Chester.

 

Por outro lado, a perda de ídolos, a humanização das pessoas e instituições que venerávamos em miúdos, é uma das etapas do crescimento. Eu, pelo menos, passei por uma fase assim quando tinha aproximadamente a idade da Lorde.

 

Posso não me identificar com o estilo de vida descrito em Melodrama, mas identifico-me definitivamente com o desejo de um escape, a procura de um sentido, de algo que transcenda a realidade. Mas procuro esses sítios perfeitos noutros lugares: na praia onde passo férias desde miúda, num concerto, num jogo da Seleção, num encontro do Pokémon Go ou do Odaiba Memorial Day ou, pura e simplesmente, numa jantarada com familiares e/ou amigos.

 

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Curiosamente, no outro dia, o modo aleatório do Spotify tocou Innocence, de Avril Lavigne, a seguir a Perfect Places. E, de facto, parece que Lorde estava à procura daquilo que Avril encontrou em Innocence.

 

Perfect Places, de resto, faz-me lembrar I Still Haven’t found What I’m Looking For, dos U2, e See the Light, dos Green Day. Não só por funcionar bem como um epílogo para Melodrama, mas também por transmitir aquela sensação agridoce de quem está à espera e/ou à procura de uma resposta. Ao longo de Melodrama, Lorde procurou-a numa pista de dança, no fundo de um copo, numa droga qualquer, nos braços de um estranho. Até perceber, em Perfect Places, que a resposta não está ali.

 

Onde a procurará a seguir? Descobriremos no próximo álbum, suponho eu.

 

Melodrama é prova de que é possível fazer música pop, música de festa/party bangers que não seja vazia de sentido ou de qualidade duvidosa. Não que isso seja de surpreender: Pure Heroine já tinha provado mais ou menos o mesmo. Lorde, pura e simplesmente, joga num campeonato diferente em relação aos simples mortais, não há comparação possível.

 

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Gostava que Melodrama estivesse a ter mais rotação, no entanto. Ainda não ouvi nem Green Light nem Perfect Places nas rádios portuguesas. Também não me parece que, lá por fora, Melodrama esteja a ter o mesmo impacto que Pure Heroine teve, na altura (posso estar enganada). Acho que será uma questão de tempo, contudo.

 

Quanto a mim, gosto imenso de Melodrama. Acho que vou passar muito tempo, ainda, a decifrar estas canções – tal como ainda acontece com Pure Heroine. Talvez até escreva uma análise ao primeiro álbum de Lorde – não para lá, antes a médio/longo prazo.

 

Apesar de reconhecer que Ella é uma excelente cantora e compositora, ainda não tenho um vínculo emocional com ela como os que tenho com outros artistas de quem gosto. Mas também isso é uma questão de tempo – sobretudo se ela vier em digressão a Portugal, em breve.

 

Quanto a nós, vou fazer uma pausa nos textos sobre música aqui no blogue. A única exceção será quando Bryan Adams lançar duas músicas novas no outono, juntamente com um álbum Best Of, tal como anunciou aqui (pensava que já ninguém lançava álbuns Best Of...). Tenciono escrever sobre Once Upon a Time a seguir – mas deverá ser um texto mais curto que o último. Até lá...

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