Uma semana após lançar Green Light, a cantora neo-zelandeza Ella Yellion-O’Connor, de nome artístico Lorde, disponibilizou mais uma canção do seu próximo álbum, Melodrama. Esta chama-se Liability. A minha ideia era analisá-la logo a seguir ao lançamento. No entanto, precisei de alguns dias para decifrar esta canção. Como, entretanto, os Linkin Park lançaram hoje Battle Symphony – o novo single do seu próximo álbum, One More Light – resolvi analisar ambas as canções no mesmo texto.
Primeiro as senhoras...
“I’m a little much for everyone”
Acho que nunca tínhamos ouvido Lorde soando tão triste. Fiquei de coração partido depois de ouvir esta faixa pela primeira vez. Liability é só piano e voz. Como acontece com as melhores canções de Lorde, a voz faz o trabalho todo – transmitindo na perfeição toda a dor, vulnerabilidade e autocomiseração da narradora.
Tal como acontece com Green Light, a letra de Liability tem várias camadas e múltiplas interpretações possíveis. Das primeiras vezes que ouvi Liability, pensei que esta se referia ao fim de uma relação amorosa – alguém que se tinha envolvido com a narradora, tratando-a como um mero divertimento temporário, abandonando-a quando se fartou dela ou ela pediu mais.
Não que esta interpretação não seja legítima, mas Lorde revelou que não compôs Liability pensando em relações amorosas. Em várias entrevistas, Ella disse que se inspirou naquelas situações, em que tentamos fazer amizades, mas receamos que os outros nos achem um fardo. Também se terá inspirado nas consequências negativas da sua fama – por ela ser uma celebridade, as pessoas próximas de si, por contágio, são obrigadas a lidar com a perda de privacidade, o escrutínio por parte do público.
É de admirar que Ella sinta que só atrapalha a vida das pessoas à sua volta?
Perante tudo isto, é natural que Lorde acabe por se virar para si mesma, por se tornar a sua própria melhor amiga.
Confesso que me identifico com a letra de Liability. Já referi várias vezes aqui no blogue que sou introvertida e não faço amigos facilmente. Também já tive situações em que me senti indesejada. Ou que senti que não sou assim tão cativante para que as pessoas se interessem por mim a longo prazo, que sou demasiado estranha para a maior parte das pessoas.
É claro que isto é apenas a minha perceção, pode nem sequer corresponder à verdade.
De qualquer forma, também prefiro, muitas vezes, fazer companhia a mim mesma, tal como Lorde refere. Eu, porém, se tivesse oportunidade de dar um conselho a Ella, sugerir-lhe-ia uma alternativa ao isolamento: um cão. Conforme tenho vindo a aprender com a minha cadela, Jane, os cães estão sempre felizes por nos verem, não tecem juízos de valor, não se fartam de nós. São uma ótima companhia.
Por norma, é muito fácil esquecermo-nos que Ella é ainda muito nova. Em Liability, no entanto, nota-se essa juventude. Creio que uma pessoa mais velha não escreveria de uma forma tão crua e emotiva, com um pouco de autocomiseração à mistura. A própria Lorde admite que compôs esta canção numa altura em que sentia pena de si própria.
A ideia com que fico é que esta deverá ser a regra para este álbum: emoções cruas, exageradas, que poderão não corresponder cem por cento à realidade, tipicamente adolescentes. Talvez seja essa a explicação para o título Melodrama. Lembra-me, um pouco, Under My Skin, de Avril Lavigne. Este álbum também teve momentos melodramáticos que, conforme se veio a descobrir, foram apenas uma fase.
Em todo o caso, estou a gostar muito do que conhecemos, até agora, de Melodrama: duas músicas muito complexas, com diversas camadas e significados que se vão multiplicando com o tempo. Que inspiram testamentos aqui no meu blogue. Mal posso esperar por ouvir o resto.
Mas antes ouviremos One More Light, dos Linkin Park, que incluirá Battle Symphony.
“All the world in front of me”
Conforme escrevi anteriormente, o primeiro single de One More Light, Heavy, desiludiu-me. Battle Symphony tem várias semelhanças com Heavy – a sonoridade suave, eletropop, radiofónica, os vocais melodiosos de Chester – mas, na minha opinião, está uns quantos furos acima do primeiro single de One More Light.
Para começar, o instrumental, sem ser nada de extraordinário ou mesmo original, é mais rico que o de Heavy. A minha parte preferida é o início do primeiro refrão, quando a bateria imita uma marcha militar – o que condiz com a letra. Gostava de tê-la ouvido mais vezes ao longo de Battle Symphony.
Mesmo assim, continuam a faltar guitarras elétricas.
Devo dizer, também, que, apesar de pop, a melodia é cativante. Depois de ouvir várias vezes a música, dei por mim a cantarolar o refrão. A minha parte preferida, contudo, é a terceira estância.
A letra, infelizmente, deita um pouco a canção abaixo. Não que seja má. No entanto, tal como acontece em Heavy, é demasiado vaga, perde-se em clichés. Battle Symphony é a típica “fight song”, não traz nada de novo a um tema já muito batido.
Continuo insatisfeita com o estilo mais pop, mais comercial, contra o carácter da banda, que, ao que parece, os Linkin Park adotaram para este álbum. Dito isto, não me queixarei... muito... se o resto de One More Light for semelhante a Battle Symphony, desde que com letras melhorzinhas. De qualquer forma, prognósticos só depois de o álbum sair.
Não devemos ficar por aqui em termos de música dos meus artistas preferidos – longe disso. A foto acima parece mostrar que os Paramore estão a filmar um videoclipe. O que quererá dizer que teremos um single muito em breve (máximo dos máximos daqui a um mês, juntamente com o videoclipe... acho eu).
Somando a isso o possível sexto álbum de Avril Lavigne, que mudou de gravadora e tudo (apesar de, por norma, estas coisas demorarem muito mais com a Avril), esperam-nos muitas mais entradas de Músicas Não Tão Ao Calhas nos próximos tempos. Por um lado, é excitante voltar a escrever regularmente sobre música. Por outro, tenho medo de não conseguir dar conta do recado. Durante os últimos dois anos tivemos muitos poucos lançamentos novos por parte deste pessoal. Agora, está tudo a lançar música ao mesmo tempo. Vão ser muitos textos para escrever... quando existem outros sem ser sobre música na minha lista de prioridades.
Vou tentar despachar esses textos nas próximas semanas, nesse caso – incluindo um sobre um assunto que não abordo há imenso tempo. Continuem por aí, então.
A banda de punk rock canadiana, Sum 41, atuou recentemente em Lisboa, no Coliseu dos Recreios e eu estive lá. A banda, liderada por Deryck Whibley, veio apresentar o seu mais recente álbum de estúdio, 13 Voices, editado em outubro do ano passado. Está na altura de, finalmente, falarmos sobre isso.
Não tenho um único álbum preferido bem definido dos Sum 41. A verdade é que não oiço a discografia completa deles há muito tempo, só aquelas músicas de que gosto mesmo e que fui incluindo nas minhas playlists. Os álbuns de All Killer No Filler a Underclass Hero contribuem com mais ou menos o mesmo número de músicas para essas playlists. Dito isto, considero que as melhores, de uma maneira geral pertencem ao álbum Chuck – títulos como No Reason, Open Your Eyes, We’re All to Blame, There’s No Solution e Pieces.
De qualquer forma, talvez um dia destes escreva Críticas Retrospetivas a alguns desses álbuns. Não nos próximos meses, mas um dia.
Screaming Bloody Murder é, infelizmente, o álbum de que menos gosto neles. Essa é uma opinião comum a muitos fãs, eu sei, mas garanto-vos que tentei, várias vezes. As únicas de que gosto são Reason to Believe (gostei quando o Deryck tocou a conclusão dessa música ao piano, durante o concerto), Crash, Exit Song e, um pouco, Blood in My Eyes (que chegou a estar nomeada para os Grammy).
13 Voices até se assemelha um pouco a Screaming Bloody Murder mas, na minha opinião, está uns quantos furos acima. Acho que ninguém ficou surpreendido quando se veio a saber que este álbum foi fortemente influenciado pela quase-morte por alcoolismo de Deryck e consequente recuperação. Deryck afirmou mesmo que a tracklist segue quase uma ordem cronológica. Assim, A Murder of Crows foi a primeira música a ser composta por Deryck após sair do hospital.
À semelhança de Reason to Believe em Screaming Bloody Murder, A Murder of Crows é uma abertura épica para 13 Voices. Para além das guitarras e da bateria, noto também alguns elementos sinfónicos – tanto quanto sei, uma novidade na discografia dos Sum 41 e voltarão a aparecer no álbum. Deryck afirmou, neste vídeo, que compôs A Murder of Crows pensando em pessoas na sua vida, que considerava amigas, que tinham estado lá para as festas e para a bebida, mas que, no pior período da vida de Deryck, voltaram-lhe costas.
Não que isso seja uma grande surpresa. Pelo contrário, é um denominador comum a muitos casos semelhantes. Pessoas tóxicas, abutres. Não é por acaso que esta canção se chama A Murder of Crows, “um assassino de corvos”. Já Grow Up dos Paramore faz referências a pessoas desse género. Não é de surpreender que uma das primeiras coisas que Deryck tenha feito depois de sair do hospital tenha sido cortar essas pessoas da sua vida.
Outro tema fortemente influenciado por aquilo que aconteceu a Deryck foi War, o primeiro single oficial de 13 Voices (apesar de Fake My Own Death ter sido revelada algumas semanas antes). War tem sido descrita como a Pieces deste álbum e, de facto, as semelhanças são evidentes. Porém, enquanto Pieces é guiada pela guitarra elétrica e possui um tom depressivo, War é guiada pelo piano e tem um tom mais determinado e esperançoso.
War vale sobretudo pela sua letra, no entanto. Costumo falar muito em música que salva vidas – segundo Deryck, War foi quase literalmente o caso. Recordar que, devido aos danos que o álcool provocou nos seus nervos, Deryck teve de começar quase do zero. Teve de aprender de novo a andar, a tocar guitarra, mesmo a viver. Não é um percurso fácil para ninguém e, naturalmente, existem dias maus. Num desses dias, Deryck esteve muito perto de desistir e pegar numa garrafa. Em vez disso, pegou em papel e lápis (ou então caneta, sei lá…) e escreveu aquilo que se tornaria a letra de War.
Depois de escrevê-la, Deryck encarou aquelas palavras como um contrato consigo mesmo, uma promessa de que continuaria a lutar pela sua recuperação. Antes de tocar War, no Coliseu de Lisboa, Deryck disse mesmo que uma das coisas que o motivou nesta luta foi o desejo de gravar um disco e regressar aos palcos para ver os fãs. Chegou mesmo a agradecer-nos por isso, à “família Sum 41” – é muito amor!
Breaking the Chain (uma das minhas preferidas neste álbum) também parece refletir uma fase da sua recuperação. Tem uma sonoridade interessante pois inclui uma orquestra e tudo (algo inédito na discografia de Sum 41, tanto quanto sei), sem dispensar as guitarras elétricas. Na letra, o narrador reflete sobre o seu passado. Assume pela primeira vez, preto no branco, os erros que cometeu e decide mudar, redimir-se. A palavra “chain” pode significar “corrente” ou “sequência de eventos”, “padrão”. No contexto desta música, ambos os significados fazem sentido. A expressão que serve de título à faixa pode, assim, referir-se à quebra das correntes que o prendem à sua vida anterior, ou então à quebra da cadeia de eventos, do ciclo vicioso, que inevitavelmente resultaria na sua morte.
The Fall and the Rise é uma música que tem vindo a… bem, a subir na minha consideração. Esta adota um estilo recorrente na discografia dos Sum 41, com versos cantados quase em rap – como acontece, por exemplo, em Still Waiting e I’m Not the One. O riff de guitarra e aquilo que me parece ser um órgão dramático fazem um crescendo interessante até ao refrão. Gosto, também, da terceira parte da música, em que esta abranda ligeiramente e os vocais se tornam mais melodiosos. Na minha mente, a música pinta a imagem de uma corrida num sítio agreste (uma floresta escura, por exemplo, ou um deserto), o que, de resto, condiz com a letra da música. Tudo isto dá a The Fall and the Rise um carácter desafiador, determinado. Calculo que Deryck tenha escrito estes versos numa altura em que se sentia mais esperançoso, confiante em si mesmo, decidido a recuperar-se e a voltar ao “sítio aonde pertence” – os palcos, assumo eu.
Goddamn I’m Dead Again também faz referências ao que aconteceu a Deryck. A letra é essencialmente Deryck ralhando consigo mesmo por quase ter dado cabo de si próprio. A música destaca-se, também, pelo seu excelente solo de guitarra (embora algumas partes se assemelhem, suspeitamente, ao solo de Hotel California), da autoria de Dave “Brownsound” Baksh. Deryck afirmou que Goddamn I’m Dead Again é, de resto, a canção que assinala o regresso de Dave à banda.
Se Goddamn I’m Dead Again é a canção de Dave, There Will Be Blood será a música de Frank Zummo, o novo baterista da banda. Segundo Deryck, There Will Be Blodd partiu de uma composição antiga de Frank, que Deryck concluiu. Esta música volta a ter alguns elementos sinfónicos, dramáticos, soa-me muito parecia à sonoridade habitual dos Within Temptation. Até a letra aborda temas semelhantes. Fugindo um pouco ao que aconteceu com Deryck, parece falar de anjos severos, prontos a castigar os pecadores. No entanto, a cena dos “the little ones” torna-se repetitiva e um pouco irritante. Não sou a única a pensar assim, de reste, tenho encontrado opiniões semelhantes na Internet. There Will Be Blood não é uma música má, recebe pontos pelos elementos sinfónicos, mas é a faixa de que menos gosto em 13 Voices.
Fake My Own Death foi a primeira música que conhecemos de 13 Voices, mas não me diz por aí além. A letra não é nada de especial, na minha opinião – aborda temas costumeiros na discografia da banda (o videoclipe dá a entender que se refere à cultura de Internet). Dito isto, gosto da terceira parte da música e gosto ainda mais do refrão.
Nesse aspeto, gosto muito mais de God Save Us All, apesar de “roubar” elementos a The Catalyst dos Linkin Park (ou talvez graças a isso). O próprio título remete para “God save us everyone”. A verdade é que esta nem sequer é a primeira vez que os Sum 41 imitam os Linkin Park (acidentalmente ou não). A terceira parte de I’m Not the One faz lembrar a terceira parte de A Place For My Head. O verso “How can we fake this anymore” de No Reason é muito parecido, tanto na escolha de palavras como na melodia, ao verso “I cannot take this anymore” de One Step Closer. Finalmente - esta pode ser só eu - There’s No Solution soa-me muito parecida com Crawling.
Li, também, na Internet que God Save Us All é muito parecida com Throne, dos Bring Me the Horizon. Já ouvi essa música e tenho de concordar que as semelhanças são claras.
Eventuais acusações de plágio à parte, God Save Us All tem um ritmo acelerado, bem à punk rock, fazendo lembrar os momentos mais loucos, selvagens, do concerto deles, o que até condiz com a letra. Como é do conhecimento geral, a música rock já foi mais popular e, provavelmente, terão tentado persuadir os Sum 41 a adotar um som mais pop, mais mainstream. Deryck escreveu a letra de God Save Us All (Death to Pop) a protestar contra isso, por achar a música pop, sobretudo dos dias de hoje, vazia de sentido e de emoção – algo com que concordo.
Twisted By Design é a música que encerra 13 Voices. Esta volta a apresentar elementos sinfónicos e possui um certo carácter épico e grandioso - o que se adequa a uma canção que funciona como um epílogo para 13 Voices. Deryck descreve-a como a sua canção de vitória – a letra reflete sobre tudo por que o narrador passou, tudo aquilo a que sobreviveu. Por um lado, admite que é melhor pessoa agora. Ao mesmo tempo, sabe que está longe de ser uma pessoa perfeita e aceita que essas partes menos bonitas de si provavelmente nunca irão desaparecer. Twisted By Design marca, também, a transição da fase em que Deryck apenas sobrevive para a fase assustadora em que Deryck faz mais do que isso: vive.
13 Voices não é um álbum que me tenha entusiasmado por aí além, mas é bastante sólido, sem nenhuma falha significativa a apontar. A sua grande força é o seu carácter autobiográfico, conforme temos vindo a assinalar ao longo deste texto. Tal como costumo dizer várias vezes neste blogue, uma música que se baseie em experiências reais, sentimentos reais, eleva-se logo acima da mediania. O facto de 13 Voices ser um álbum de esperança, sobrevivência e redenção, à semelhança de um certo outro álbum que me marcou fortemente.
Antes de acabarmos, quero falar, então, sobre o concerto no Coliseu dos Recreios. Cheguei ao Coliseu quase uma hora antes da abertura de portas e já havia uma fila generosa para o concerto. Confesso que não estava à espera - depois de ter conseguido ficar na fila da frente do concerto de Bryan Adams com relativa facilidade (também são públicos bem diferentes...). Já sabendo que ia haver moche, não fiquei na plateia (não sou assim tão hardcore, pessoal…), mas fiquei nas bancadas junto ao palco. Apesar de ser demasiado betinha para andar ao moche, foi refrescante ver o pessoal curtindo à séria, numa altura em que, na maior parte dos concertos, metade do público está o tempo todo de telemóvel no ar.
Eu sabia que os Sum 41 eram bons ao vivo e não saí de lá desiludida. Deryck faz-me lembrar Chester Bennington – são ambos muito magrinhos, mas possuem uma energia inesgotável em palco (e ambos se debateram com adições em certas alturas das suas vidas...). Eu procurei retribuir com headbangs, cantando em altos berros.
A setlist incluiu todos, ou quase todos, os singles de cada um dos álbuns. Isso funcionou bem comigo pois muitos desses singles incluem as minhas músicas preferidas deles. Alguns dos pontos altos do concerto, para mim, foram Walking Disaster (com as luzes dos telemóveis ligadas, no início), In Too Deep, With Me (com Deryck num palco no meio da plateia e toda a gente cantando em coro), Pieces e o cover de We Will Rock You – adoro esta versão!
Tal como é costume quando aproveito bem um concerto, saí de lá mal me conseguindo mexer e fiquei de bangover durante dois ou três dias. Os Sum 41 não estão entre as minhas bandas absolutamente preferidas, pelo menos não neste momento, mas têm um lugar no meu coração, sobretudo depois da noite de 20 de janeiro. Faço parte da família Sum 41.
Mais do que tudo, estou grata por Deryck ter conseguido vencer esta batalha, por ter sido capaz de voltar a Lisboa, com o resto da banda, celebrar comigo e com milhares de outros fãs portugueses. No mundo da música, sobretudo da música rock, ainda existe muito a cultura do “live fast, die young” – o que acho uma treta. Com o devido respeito para lendas como Kurt Cobain, eu prefiro que os meus artistas preferidos vivos, criando música, dando concertos até não poderem mais. Que cresçam ao mesmo tempo que eu e (quando tal se aplica) que vão documentando esse crescimento sob a forma de música
Deryck sobreviveu porque concorda com este princípio. Um dos motivos pelos quais ele não voltou a beber foi porque, como já dissemos antes, não queria morrer, queria continuar a fazer música e regressar aos palcos. A música foi mais forte que o álcool. Que isso sirva de inspiração a outros que estejam a passar por situações semelhantes. 13 Voices contou a história dessa luta. Estaremos de volta daqui a uns anos (não tantos como os cinco que separaram este álbum do anterior, espero) com o próximo capítulo musical da história dos Sum 41.
A cantora neo-zelandeza Ella Yelich-O’Connor, de nome artístico Lorde, lançou no passado dia 2 de março o single Green Light – o primeiro do seu segundo álbum de estúdio, Melodrama, que sairá dia 15 de junho.
“Did it frighten you? How we kissed when we danced on the light-up floor?”
Green Light representa um desvio significativo relativamente ao estilo de Pure Heroine – mas não um desvio assim tão grande como uma parte dos fãs parece acreditar. A música de Lorde sempre incorporou elementos discretos de dance music – temas como Ribs, A World Alone e Bravado têm um certo carácter dançante. Esse carácter é ainda mais pronunciado em temas como Yellow Flicker Beat (da banda sonora dos filmes dos Jogos da Fome) e Magnets (a colaboração com Disclosure). Tendo tudo isto em conta, não, não me chocou particularmente que Lorde tivesse querido abraçar a dance music no seu segundo álbum – em Green Light, pelo menos.
Não se deixem enganar pela sonoridade à primeira vista radiofónica. Green Light está longe de ser um tema EDM de consumo rápido, daqueles que povoam a rádio dos dias de hoje. Pelo contrário, esta é uma daquelas músicas que precisam de ser ouvidas várias vezes para serem devidamente apreciadas.
Green Light é uma canção muito complexa, com muitos elementos. O piano é o instrumento predominante (consta que Ella e o seu produtor, Jack Antonoff, se inspiraram num concerto a que assistiram na véspera da composição de Green Light). A música começa calma e misteriosa, acelerando ligeiramente após alguns versos. A certa altura, no pré-refrão, o tom muda e o riff do piano, no fundo, vai criando um crescendo até ao explosivo refrão.
Lorde sempre se destacou pela sua voz grave e luxuriante, sem se tornar sonolenta (um feito de que Lana del Rey não é capaz). Em Green Light, Ella exibe todo o potencial da sua voz: ora acelerando ora abrandando a melodia, alternando sem dificuldade entre agudos e graves. O refrão torna-se um pouco repetitivo, mas os backvocals gritando “I’m wating for it That green light! I want it!” são irresistíveis.
Lorde afirmou, em entrevista, que Green Light foi inspirada pelo seu primeiro grande desgosto amoroso (recordemo-nos que ela ainda é novinha, só tem 20 anos). A letra, de facto, parece referir-se a uma fase ainda precoce de uma separação, em que a narradora está a tentar desesperadamente seguir em frente, sem grande sucesso. Temos referências a casos de uma noite única, “visões” do antigo amado em sítios inesperados, raiva. Lorde chegou mesmo a referir que a imagem que tem da narradora é a de uma rapariga embriagada, que se esforça por se divertir e não se ralar mas que, no fundo, chora pelo ex-namorado – de facto, por vezes, as pessoas que parecem mais alegres, mais exuberantes, são aquelas que mais sofrem em silêncio. Esta música, com uma sonoridade alegre mas letra amarga, exemplifica bem esta contradição. A narradora de Green Light está à espera do “sinal verde”, do momento em que poderá libertar-se de tudo, seguir em frente.
Como podem ver, Green Light possui diversas camadas, emoções contraditórias, sem perder a consistência. É possível, até, que vá ganhando novos significados com o tempo. Depois da desilusão que foi Heavy, é um alívio receber uma canção como Green Light, sinceramente.
À semelhança do recente single dos Linkin Park, Green Light é uma mudança significativa relativamente ao estilo anterior. Como seria de esperar, nem todos os fãs estão a reagir bem a isso. Mesmo eu não sei se me agrada completamente que Lorde entre em território mais dance pop. A diferença é que Green Light tem qualidade, está bem trabalhada, tem muito para oferecer. Quando é assim, sabe bem escrever sobre música!
O álbum Melodrama estará disponível para pré-venda no próximo dia 10. Consta que, nessa altura, publicarão mais uma faixa do álbum. Depois de Green Light, estou ansiosa por mais música de Lorde. Tentarei analisá-la aqui no blogue, mas não estou em condições de prometer nada.
Porquê? Porque, com tudo o que tem acontecido e com a minha falta de organização, estou neste momento a trabalhar em três textos diferentes (quatro, se contarmos com este). Um deles é, obviamente, a análise ao último filme de Digimon Adventure Tri, mas esse ainda está em fase de planeamento. Vou tentar ir publicando estes textos ao longo das próximas semanas. A análise a Soshitsu deverá vir dividida em duas partes, à semelhança do que aconteceu com os dois filmes anteriores de Tri. Outro dos textos em que estou a trabalhar neste momento terá três partes, em princípio. Somando a isso a análise a uma possível música de Lorde e o blogue estará bastante ativo nos próximos tempos.
