Álbum de Testamentos

Música 2022 #3: O romance do futebol

Alerta: Este texto contém spoilers para as duas primeiras temporadas de Ted Lasso. Leia por sua conta e risco.

Esta é a parte do meu balanço musical em que escrevo sobre uma única canção, isolada de tudo o resto, marcante por um motivo muito específico. Trata-se de She’s A Rainbow, dos Rolling Stones.

Esta é uma banda que dispensa apresentações. Não tenho nada a dizer sobre eles que não tenha sido dito antes. Dizem que She’s a Rainbow é um exemplo do rock psicadélico dos anos 70 – aquela introdução no piano é icónica e define do mood da música toda. Acho-a muito primaveril. É possível que seja por a ter ouvido muito na primavera do ano passado – mais sobre isso adiante. Mas também a primavera é a estação mais colorida, o que condiz com a letra – e mesmo com o movimento da altura, o “flower power” e tal.

Ora, fiquei a conhecer She’s a Rainbow na série Ted Lasso – a minha série preferida neste momento Uma das melhores coisas de 2022 para mim foi ter tido a oportunidade de ver filmes e séries novas. Várias estavam na minha lista há algum tempo, mas ia adiando-as porque tinha de rever Fronteira para estes textos – por exemplo, Ducktales 2017 e o filme Spiderman: Into the Spiderverse. Outras foram espontâneas, foram capricho – por exemplo, Spy x Family. Já nem me lembro o motivo por que comecei a ver, mas estou a adorar.

É algo que pretendo continuar a fazer em 2023… quando conseguir publicar o balanço de 2022, terminar Scarlet e, no geral, meter a ordem na minha vida.

Regressando a Ted Lasso, esta é uma série que eu já sabia que ia gostar mesmo antes de começar a ver. A internet já despejou todos os elogios a Ted Lasso, não vou estar repeti-los – mas vou abordar um ângulo que, tanto quanto sei, ainda ninguém abordou. 

Praticamente toda a gente que fala sobre Ted Lasso diz algo do género: 

– Ah e tal, é a história de um treinador de futebol americano que vem treinar uma equipa da Premier League, mas não se preocupem! A série quase não é sobre futebol!

Não vou dizer o contrário, mas a verdade é que uma das coisas que eu gosto em Ted Lasso é da parte do futebol, mesmo que seja relativamente pouco.

Alguns de vocês desse lado já saberão que eu adoro futebol – tenho um segundo blogue dedicado ao meu clube. Devem haver por aí exemplos de ficção desportiva que explorem melhor esse aspeto, mas uma das minhas partes preferidas do futebol foi sempre o lado humano. As interações entre os jogadores (quando são amigáveis, claro), as celebrações dos golos e das vitórias, vídeos e fotografias de bastidores. Momentos como os jogadores desenhando caricaturas uns dos outros, Cristiano Ronaldo consolando Diogo Costa depois da sua quase-asneira, provocações a Gonçalo Ramos após o seu hat-trick perante a Suíça – e isto são apenas os exemplos mais recentes.

O futebol é um dos poucos meios onde homens podem abraçar-se uns aos outros, serem afetuosos uns com os outros, sem que lhes seja questionada a sua masculinidade. Isso é uma das melhores coisas deste desporto. 

Ted Lasso também tem exemplos disso, mesmo que a maior parte dos jogadores desempenhe um papel secundário na narrativa. Por exemplo, a fogueira no episódio “Two Aces”, a equipa toda fazendo claque a Sam Obisanya durante o seu namoro online, o Natal na casa dos Higgins. 

Também gosto da relação entre a equipa técnica e os jogadores. Ted obviamente fazendo de pai de todos, mas também Roy Kent, a partir de meio da temporada: quando ajudou o capitão Isaac a ultrapassar o seu bloqueio mental e, sobretudo, o abraço a Jamie no final de “Man City”.

Nate, claro, é a exceção.

Aliás, Ted Lasso tem momentos que podiam ter sido escritos por mim quando tinha quinze anos: a coreografia dos jogadores para Bye Bye Bye, o que quer que eles andavam a fazer durante o aquecimento em “Rainbow”. É uma delícia.

Já que falo nisso, confesso que, quando era mais nova, durante uns anos imaginei-me desempenhando um papel semelhante ao de Keeley para a Seleção Portuguesa, o meu clube. Não necessariamente como WAG/mulher-ou-namorada (bem… só mesmo no início), mas como alguém que, não sendo jogadora ou técnica, faz parte da equipa, é colega e amiga de toda a gente. 

Ted Lasso celebra, assim, o lado humano do futebol, o romance do futebol. E um dos melhores exemplos disso é precisamente a cena que usa She’s A Rainbow como banda sonora. 

Todo o episódio – intitulado Rainbow – é uma homenagem a comédias românticas. Pelo meio, Higgins fala do momento em que conheceu a, agora, esposa – She’s A Rainbow é a música deles – e vemos casais amorosos nas bancadas do Nelson Road. O enredo principal foca-se em Ted tentando conquistar Roy Kent (nesta altura a trabalhar como comentador desportivo) para a equipa técnica do Richmond. É também neste episódio que Roy ajuda Isaac – por sinal, com uma variante a um dos meus lemas de vida, “Lembra-te porque é que começaste”. 

Roy, naturalmente, começa por dizer que não. No entanto, acaba por perceber que sente saudades, lá está, do lado humano do futebol, da proximidade com os jogadores. Descobre que é essa a sua vocação.

A cena com She’s a Rainbow é, então, Roy deixando o estúdio televisivo e dirigindo-se a Nelson Road para se reunir à equipa. Lá está, como um protagonista de uma comédia romântica indo atrás do seu amor. Afeiçoei-me a She’s a Rainbow precisamente ao ouvi-la enquanto ia a pé para o trabalho, em passo acelerado, na Primavera. Sentia-me como Roy. 

E depois os outros pormenores. Higgins encontrando-se com a esposa, vestida de azul (“Have you seen her dressed in blue?”). O momento em que Roy entra no relvado – todos os amantes de futebol sabem como é, quando vamos à bola e vemos o campo pela primeira vez. Os adeptos cantando “He’s here, he’s there, he’s every-fuckin-where” ao verem-no – outra coisa que adoro em futebol: os cânticos (quando são favoráveis, claro). As notas dissonantes de She’s a Rainbow quando a câmara se fora na reação de Nate à chegada de Roy – indício trágico para o que acontecerá mais tarde. Por fim, Roy citando Jerry Maguire como forma de aceitar o convite de Ted. 

É uma das cenas preferidas de toda a série e o motivo pelo qual She’s a Rainbow é uma das minhas músicas de 2022.

Uma das coisas pelas quais anseio em 2023 é a terceira temporada de Ted Lasso que, por sinal, acabou de ser anunciada para a primavera – mais ou menos um ano depois de ter visto as primeiras duas temporadas. A vantagem de ter chegado tarde ao fenómeno foi não precisar de esperar tanto – o último episódio da segunda temporada saiu há quase um ano e meio. Consta que a demora se deveu a perfeccionismo da parte de Jason Sudeikis e dos outros produtores, o que poderá ser mau sinal – pode ter ficado pior a emenda que o soneto. 

Houveram alguns aspetos de que não gostei na reta final da segunda temporada. Alguns foram intencionais, como a descida de Nate à vilania. Outros não sei se eram. A direção que estão a tomar com o relacionamento de Keeley e Roy, ninguém ter reconhecido o assédio de Nate a Keeley. 

Mesmo a relação entre Sam e Rebecca deixa-me ambivalente. Por um lado, eles ficam bem juntos. Depois de tudo por que passou, Rebecca merece alguém que lhe mostre uma dose saudável de devoção. Por outro… ela tem o dobro da idade dele, é dona do clube onde ele joga… No mínimo questionável.

Em todo o caso, está tudo em aberto. Como se diz em futebol, ainda há muito campeonato para se jogar. Vou dar o benefício da dúvida. A imagem que eles divulgaram na semana passada parece dizer muito do que acontecerá na terceira temporada. Sinto que há ali uma referência a Star Wars mas, como nunca vi Star Wars… terá de ser outra pessoa a descortinar.

Obrigada pela vossa visita, como sempre. Ficam a faltar dois textos neste balanço musical do ano. Estes deverão ser mais longos. A ver se consigo publicá-los antes do fim de fevereiro. Continuem por aí.

publicado às 08:22

Música 2022 #2: Justiça para as B-sides de Let Go (e para as outras também)

Primeira publicação de 2023! Bom ano, minha gente!

Como já terão concluído por vocês mesmos, estes textos vêm com um longo atraso, ainda maior do que previ. Estou numa altura da minha vida em que está a acontecer muita coisa, tenho imenso que gerir. Primeiro foi o Mundial 2022, depois foram as festas. Mesmo agora tenho assuntos pessoais e de trabalho que me roubam tempo de escrita.

De escrita e não só. Ainda não acabei Pokémon Scarlet, apesar de ter comprado o jogo no dia em que saiu, há dois meses.

Mas pronto, já consegui publicar esta parte. Por acaso, estou bastante entusiasmada por escrever este balanço. 2022 foi um ano bastante rico, musicalmente e não só. Se só conseguir terminá-los em meados fevereiro… quem se rala?

Adiante. Nesta parte do balanço musical de 2022, vamos falar sobre Avril Lavigne. Alguns de vocês poderão ter estranhado não ter dedicado um texto inteiro a Love Sux. Não cheguei a escrever esse texto porque, bem, Love Sux quase literalmente entrou a cem e saiu a duzentas. É até agora o álbum de Avril que menos gosto. Não o odeio, apenas me é indiferente – o que pode ser pior que de facto odiar. É esquecível, não tem uma única música que eu adore a sério – ao contrário de todos os outros trabalhos de Avril. Estive meses e meses sem ouvi-lo, só voltei a fazê-lo há pouco tempo – e apenas em preparação para este texto.

Como já se sabia que iria acontecer – e como foi referido neste texto – em Love Sux, Avril abraçou a fundo o estilo pop punk. Infelizmente, o resultado final tem várias das falhas que têm sido apontadas a todos estes músicos apadrinhados por Travis Barker. Nomeadamente o facto de o som ser pouco original, quase um copy-paste do estilo típico dos Blink-182. 

Love Sux em particular é demasiado homogéneo, com músicas que se confundem umas com as outras. Como sempre gostei da diversidade dos álbuns da Avril anteriores a este, isto para mim é um problema. As faixas são demasiado curtas – só três delas têm mais de três minutos – sem pausas instrumentais, em ritmo acelerado (tirando Dare to Love Me e Avalanche). Todos os intervalos são preenchidos com “Whoa!” ou “Na na na” ou monossílabos do género – daqueles incluídos para tentar cativar o público num concerto. Quando o álbum saiu, um outro sobrevivente do Fórum Avril Portugal comentou comigo que não sabia como é que Avril ia cantar estas músicas em palco. Ela sempre foi inconsistente em palco e, agora, este é um álbum acelerado que quase não lhe dá um momento para respirar.

A verdade é que já lá vai quase um ano e uma data de concertos. Não sei se ela tem incluído muitas músicas do Love Sux nas setlists. Não quero ir ao Google para evitar spoilers para o concerto de Zurique.

O pior são as letras. Love Sux é basicamente uma extensão de I Can Do Better com letras mais elaboradas – na forma, não no conteúdo. Uma série de break up songs imaturas, movidas a mesquinhez e espírito vingativo (e nem sequer com a piada de C’est Comme Ça). “Ex”s que lhe dão vontade de vomitar, insultos, ameaças de atropelamento, entre outras coisas super dignificantes. 

Isto era uma coisa aquando de The Best Damn Thing, quando eu tinha dezassete anos e Avril vinte e dois (e mesmo assim cansei-me relativamente depressa de I Can Do Better). Outra coisa é agora, que estamos ambas na casa dos trinta – e Avril está próximo dos quarenta. Nenhuma de nós é adolescente há muito tempo – e eu pelo menos não quero voltar a sê-lo. Porque se porta Avril como uma? Quem acha piada a isso?

Já que falo disso, permitam que me estique, que faça especulações e tece juízos de valor sobre a vida amorosa alheia. Uma coisa que me tem incomodado nos últimos anos é que, pelo menos no que toca ao seu cânone musical, Avril nunca admite culpas pelas suas relações falhadas – a única exceção é I Will Be, que de resto é uma B-side. Avril já teve vários parceiros, já foi casada duas vezes, mas aparentemente nunca lhe ocorreu que ela poderá ser pelo menos parte do problema. Até Taylor Swift, de todas as pessoas, admite culpas desde pelo menos Reputation. Às tantas não é o amor que não presta, é ela. Avril precisa de olhar para si mesma e perceber o que está errado ou continuará a ter azar no amor.

Mas, lá está, isto é apenas especulação à mistura com psicologia barata. Nada me garante que as letras de Love Sux sejam um reflexo fidedigno dos valores de Avril – pode ser apenas uma imagem que ela projeta. Ela neste momento está noiva de Mod Sun, que me parece um bom rapaz q.b. Pode ser que eu esteja enganada e que o casamento resulte. Eu pelo menos não desejo outra coisa. 

Regressamos a Love Sux. Olhemos mais de perto. Já escrevi sobre Bite Me antes e, na minha opinião, é das melhores. Ainda pensei que isso fosse por a ter ouvido antes de todas as outras – aliás, pelo menos algumas faixas em Love Sux funcionam melhor fora do contexto do álbum. No entanto, Love it When You Hate Me também foi lançada antes e dessa não gosto. A melodia na primeira estância até é agradável ao ouvido mas esse é o único ponto a favor da música. Meu Deus, que letra mais vazia!

Cannonball é das poucas neste álbum de que gosto. É possível que seja por ser a primeira do alinhamento – ainda não dá tempo para me fartar do estilo. Por outro lado, na minha opinião, Cannonball tem elementos que a elevam acima das demais: aquela introdução explosiva com uns vocais impressionantes, aquela espécie de rap que combina bem com o ritmo acelerado. Também gosto dos “Whoa! Whoa!” na terceira parte, mas acho que deviam ter sido repetidos pelo menos uma vez. 

É o problema das músicas demasiado curtas. Quando estamos a gostar, sabem a pouco. 

Outra de que até não desgosto é All I Wanted, o dueto com Mark Hoppus. Sempre foge à fórmula do resto do álbum e as vozes dos dois casam bem. A letra aborda velhos tropos do pop punk – nostalgia, desejo de fugir à terra natal – mas sempre tem mais substância que noventa por cento de Love Sux. 

Queria agora falar sobre as duas músicas que fogem um pouco à fórmula: Avalanche e Dare to Love Me. A sonoridade da primeira até é interessante, o híbrido de balada rock com o pop punk do resto do álbum mas… outra vez… A letra é tão. Má. Vaga, cheia de clichés, é tão frustrante. 

Sim mulher, estás com problemas, a vida é difícil, mas explica porquê, caramba! Dá-nos pormenores!

Da mesma maneira, antes da edição de Love Sux, estava curiosa em relação a Dare to Love Me. Esta até tinha potencial. Acho que nunca cheguei a escrevê-lo em nenhum lado, mas há anos que desejava que Avril voltasse a incorporar guitarras elétricas nas baladas. Ela fazia-o nos seus primeiros álbuns – em músicas como I’m With You, Naked, My Happy Ending, Fall to Pieces, Slipped Away – mas, a partir de The Best Damn Thing deixou de fazê-lo. 

Uma vez mais, o instrumental de Dare to Love Me não é mau, o problema é a letra. Uma vez mais, Avril perde-se em lugares-comuns, não verte o seu carácter na música. Medo de ser abrir ao amor é assunto de inúmeras canções e quase todas – incluindo duas de que falarei mais à frente neste balanço – exploram melhor o tema. 

Love Sux teve uma edição Deluxe, lançada agora no fim de 2022. Acho que não ouvi Pity Party nem Mercury in Retrograde segunda vez, mas I’m a Mess é um caso à parte. Este dueto com Yungblud não se encaixa super bem no álbum. Começa guiada pela guitarra acústica, à qual se junta o piano até evoluir para uma grandiosa balada pop rock. A letra fala sobre saudade – é a terceira música, não, o terceiro single de Avril sobre este tema.

Ou seja, é mais uma canção que não traz nada de novo, quer em termos de letra, quer em termos de sonoridade. No entanto, na minha opinião, sempre tem um bocadinho mais de carácter e emoção que o resto de Love Sux. Gosto da imagem inicial da letra, das ruas vazias de Londres (suspeito que essa parte da letra tenha vindo de Yungblud, infelizmente). Nesta altura da carreira de Avril, eu aceito. 

O pior é que, na divulgação do single, Yungblud cortou o cabelo de Avril. Fica-lhe agora pouco acima dos ombros. Pela primeira vez na minha vida tenho o cabelo mais comprido do que Avril e… não gosto! O cabelo comprido era a imagem de marca dela!

No fundo, muitos dos problemas de Love Sux são uma continuação dos de Head Above Water: falta de profundidade, de originalidade, até mesmo os refrões circulares. Misturem isso com imaturidade, um som demasiado homogéneo e temos Love Sux. Este é o primeiro álbum em que nem uma única música me agarrou pelo coração – nem sequer posso dizer que gosto da maioria. Admito dar alguma rotação a Cannonball, Bite Me, All I Wanted no futuro, mas não vou incluir nenhuma música da edição-padrão de Love Sux na minha habitual playlist do ano. Não seria honesto. 

Eu compreendo o que alguns de vocês quererão dizer. Nunca estou satisfeita com nada. Aquando de Head Above Water disse que preferia que Avril não tentasse ser séria ou profunda e agora, que não está a fazê-lo, continuo a queixar-me. Talvez tenham razão. Talvez Avril já não me consiga agradar. A expressão que me ocorre não tem boa tradução em português: “I’ve outgrown her”.

Basicamente, tornei-me naquilo que nunca pensaria ser há uma década: um daqueles fãs que só gostam dos primeiros álbuns de Avril e das B-sides.

E por falar nisso…

Em 2022 assinalaram-se vinte anos desde a edição de Let Go, o primeiro álbum de Avril e ainda hoje o meu preferido dela. A propósito disso, o álbum foi re-editado e eu por acaso gostei muito do que fizeram nessa edição especial – ainda que com alguns asteriscos. Foi uma tarde de folga engraçada, a de 3 de junho – dia em que saiu a re-edição – tentando ouvir o álbum no carro, na versão gratuita do Spotify, enquanto andava de um lado para o outro fazendo recados.

Esta re-edição conseguiu captar o melhor de dois mundos. As músicas não foram regravadas, como fizeram Taylor Swift e Bryan Adams. São os mesmos vocais deliciosos do tempo de Let Go: mais graves, menos polidos, mais frágeis, com mais nuances. Avril nunca conseguiria recriá-los hoje em dia.

Ao mesmo tempo, à semelhança das regravações, estas novas versões têm pormenores novos em número suficiente para dar uma nova vida às músicas. Os instrumentais e os vocais têm melhor qualidade, para começar. Além disso, incluíram elementos de algumas versões demo, o que é um bónus simpático para fãs mais hardcore como eu. Mobile e Tomorrow são os exemplos mais óbvios.

Infelizmente, não fizeram o mesmo com Naked, o que é uma pena. Teria adorado se o instrumental fosse mais parecido com o da versão demo. 

A re-edição também inclui conteúdo extra… mas não em quantidade suficiente, na minha opinião. 

Let Go tem uma data de B-sides que estão disponíveis na Internet há muitos anos – ainda que não nas plataformas oficiais. Segundo consta – as fontes não são super fidedignas – elas terão sido editadas num álbum promocional que terá sido enviado para as rádios no final de 2001. Esta edição de vigésimo aniversário teria sido a oportunidade ideal para lançar estas faixas oficialmente e em boa qualidade… e eles desperdiçaram-na.  

Tirando Make Up, cada uma das faixas-extra já tinha sido lançada oficialmente de uma forma ou de outra. I Don’t Give foi incluída nalgumas versões do single de Complicated (lembram-se de quando os singles incluíam faixas-extra?), teve apresentação ao vivo no DVD My World e faz parte da banda sonora do segundo filme do American Pie. Why (com uma roupagem diferente da edição de aniversário) também foi lançada com Complicated na Austrália e na Europa, em algumas versões de Let Go e no EP que acompanhou o DVD My World. Get Over It sai nalgumas versões do single de Sk8er Boi. Falling Down faz parte da banda sonora do filme Sweet Home Alabama. Finalmente, como será do conhecimento geral, Breakaway foi gravada e lançada por Kelly Clarkson.

Mas aproveito para falar sobre essas músicas. Como já escrevi antes, gosto da versão oficial de I Don’t Give, mas prefiro a versão ao vivo – a tal incluída no DVD My World. A faixa editada oficialmente é “limpa”, mas a que foi incluída no CD B-sides inclui o termo “shit” e era assim que Avril a cantava. A ideia que eu tenho é que I Don’t Give esteve quase quase a ser incluída na edição padrão de Let Go. Não chegou a sê-lo porque a mãe de Avril a terá vetado. Numa entrevista de 2006 que agora não consigo encontrar agora, lembro-me de ler Avril dizendo que a mãe não a deixara lançar uma música com os termos “damn” e “shit” em Let Go. Mas agora já não era adolescente e o seu próximo álbum – The Best Damn Thing – seria mais explícito. 

Avril não refere nenhum título, mas tenho quase a certeza que estava a falar de I Don’t Give.

Eu diria que a dona Judy não se devia ter metido. Por outro lado, se era para incluir I Don’t Give, teria de ser a versão mais pop punk – não sei se os produtores deixariam. 

Falling Down e Get Over It são OK. Gosto mais da primeira, um número acústico charmoso. A segunda tem uma letra demasiado estranha para o meu gosto. Também esta tem uma versão explícita, mas não da maneira convencional. Apenas trocaram “don’t turn around, ‘cause you’ll get punched in the face” por “don’t turn around, I’m sick and I’m tired of your face” – a primeira, se calhar, era demasiado violenta para as sensibilidades dos produtores.

Make Up também é OK. Não percebo porque, de todas as B-sides, escolheram esta para editar. Nada contra, claro, apenas gostava de saber o motivo.

Talvez seja pela ironia. Uma música sobre não usar maquilhagem quando o smokey eye se tornou rapidamente a sua imagem de marca, quando a própria Avril confessou ser viciada no eyeliner preto. Claro que Make Up é sobre maquilhagem metafórica. No início da sua carreira, um dos lemas de Avril era ser ela mesma, ser honesta com a sua música. Algo que ela perdeu pelo caminho, como assinalámos antes.

Uma palavra para Breakaway – a única que Avril gravou recentemente para esta reedição. Já tinha escrito sobre a música em 2014, quando apareceu na Internet uma demo na voz de Avril, gravada aquando dos trabalhos para Let Go.

Depois disso, Avril pareceu querer recuperar Breakaway – em 2019 cantou-a na digressão de Head Above Water. Na altura isso não me agradou muito: é uma versão muito mais leve de reclamar um filho que se deu para adoção. No entanto, Kelly Clarkson entrevistou Avril no seu programa e ambas fartaram-se de trocar elogios em relação a Breakaway – vale a pena ver, é bonito.

Se Kelly não se importa que Avril a cante, eu não tenho o direito de me importar. E fico à espera do dueto.

Quanto à versão de 2022 da Avril, não tenho muito a dizer. O instrumental tem um toque rock agradável e o desempenho vocal de Avril é irrepreensível. Gosto em particular dos backvocals no último refrão. 

No entanto, mantenho o que escrevi em 2014: Breakaway soa melhor na voz de uma menina de quinze ou dezasseis anos dando os primeiros passos no mundo da música. Definitivamente não na voz de uma mulher celebrando vinte anos de carreira. Continuo a preferir a versão demo. 

Por fim, temos Why. Esta em si não é inédita, mas esta versão é. Foi a grande surpresa desta edição de aniversário. Depois de anos e anos com uma versão só com guitarra em voz, temos Why com instrumentação completa.

Esta nova roupagem de Why teve um significado especial para mim pois tenho um histórico curioso com a música. Não sei se já o referi cá no blogue, mas adquiri o DVD My World antes de ter o Let Go. Recebi-o juntamente com o Under My Skin no Natal de 2004 – pensava que o My World era o primeiro álbum de Avril. Como ainda não tínhamos leitor de DVD na altura, dei mais atenção ao CD que o acompanhava, onde estava Why. Algures em fevereiro de 2005, andei brevemente obcecada com a música. Eu tinha quinze anos – a mesma idade que Avril tinha quando a compôs. 

Só anos mais tarde é que descobri a história por detrás de Why. Foi uma das primeiras compostas para Let Go, em parceria com Peter Zizzo, o produtor que a descobriu e a trouxe para Nova Iorque. No ano passado, em entrevista, Avril revelou que escreveu a letra de Why baseando-se em desentendimentos com a sua mãe. Zizzo tê-la-á persuadido a adaptar a letra a uma relação amorosa. 

Pena termos demorado vinte anos a obter esta informação mas, olhando para a letra, faz sentido. Why é claramente sobre falhas de comunicação.

Why foi também a música que Avril cantou para LA Reid na sua apresentação. Conseguiu-lhe o contrato com a Arista, mas também tê-la-á levado a assumir que ela tomaria um rumo mais folk.

A música resultaria bem com um arranjo nesse estilo, não tenho dúvidas. Mas aplicando-lhe o filtro Let Go, como nesta nova versão, ficou perfeita. Estou surpreendida por se ter mantido inédita durante vinte anos quando, lá está, inúmeros outras B-sides e demos vieram parar às internetes. E se tinham esta versão completa na gaveta, porque incluíram a versão só acústica no DVD My World, nos singles, etc? É que nem sequer se limitaram a pegar na versão só acústica e a acrescentar instrumentos. A nova versão tem uma gravação vocal diferente e é provável que tenha sido feita mais tarde, já com este instrumental na ideia. 

É possível que esta versão tenha ficado inacabada por um motivo qualquer durante estes anos todos – e só a concluíram para o vigésimo aniversário. Talvez tenham achado preferível, antes, lançar uma versão só acústica em vez de uma com o instrumental incompleto nos singles e afins. É a única explicação que me ocorre. 

Em todo o caso, esta nova versão de Why reacendeu a minha obsessão pela música, mais de dezassete anos depois. Ficou em quinto lugar no meu top da Last FM e em décimo-terceiro no meu top do Spotify. É uma das minhas preferidas de 2022.

Eu queria mais disto na reedição de Let Go. Queria mais B-sides remasterizadas. Os fãs mais casuais de Avril mereciam ouvi-las nas plataformas oficiais.

Não porque essas B-sides sejam músicas excelentes, nada disso. As músicas da edição-padrão são melhores que a maioria destas B-sides – são pouquíssimas as que editaria em Let Go. As letras são inconsistentes, algumas não fazem sentido e/ou entram em territórios esquisitos. Mas essa bizarria tem o seu charme. Representa uma faceta diferente de Let Go, uma faceta que eu queria que mais fãs conhecessem – tal como eu fiz com a re-edição de Hybrid Theory e as faixas do baú das regravações de Taylor Swift. Além de que algumas destas canções mostram diferentes facetas de Avril, facetas que ela exploraria em trabalhos futuros. O lado mais romântico (Stay (Be the One), Once and For Real), o lado mais sábio (Move Your Little Self On), o lado mais brincalhão (Headset, Take Me Away).

Já que nem Avril nem a sua equipa fizeram justiça pelas B-sides de Let Go, fá-la-ei eu mesma. 

Até porque estas B-sides têm valor nostálgico para mim. Os primeiros vídeos que vi no YouTube, algures nos finais de 2006, foram de algumas destas canções – numa altura em que andava sedenta de música nova de Avril. Acho que na altura ainda usava uma ligação por telefone e vídeos de três minutos levavam eternidades a carregar. Ia ouvindo as canções um segundo ou dois de cada vez. Lembro-me de Headset, que tem uma introdução instrumental de quase trinta segundos, ser particularmente penosa.

Os jovens de hoje não aguentariam.

Claro que, entretanto, obtivemos uma ligação melhor. Fiquei a conhecer todas estas músicas entre 2006 e 2008, 2009. Foi uma alegria quando, finalmente, aprendi a sacá-las. A partir de certa altura comecei a montar vídeos para algumas delas, no Windows Movie Maker – claro que envelheceram pessimamente, mas hoje têm valor sentimental para mim.

Dito isto… modéstia à parte, a que fiz para Let Go continua boa.

Mas falemos sobre as músicas em si. All You Will Never Know é um tema agradável cuja letra parece uma precursora de Stop Standing There. A narradora está à espera que a pessoa de quem gosta retribua os seus sentimentos, tome a iniciativa, antes que ela perca o interesse. Ao mesmo tempo, Move Your Little Self On tem uma letra menos consistente, mas tem partes que parecem antecipar as mensagens de Everybody Hurts e Darlin’ (embora esta última, tecnicamente, tenha sido composta antes de Avril ter sido descoberta). 

Uma das que mais gosto é de Tomorrow You Didn’t, mais pelo instrumental, embora a letra até seja interessante. O padrão dos acordes de guitarra faz-me recordar Hot. Por outro lado, Take Me Away (sabiam que Avril tem duas músicas com este título? Alguns fãs chamam a esta Pick Me Up para distinguir.) é algo estranha: as estâncias têm uma sonoridade pop, estilo Complicated, o refrão e a terceira parte têm uma sonoridade mais agressiva, estilo Losing Grip. 

Pessoalmente gosto, mas não me choca se for demasiado bizarra para alguns ouvintes. De qualquer forma, o solo de guitarra é muito fixe.

A letra tem o seu quê de WTF – as estâncias encorajando o ouvinte a cometer atos que eu acho que são crimes – mas essencialmente Take Me Away transmite uma mensagem de carpe diem, um tema que Avril tornaria a abordar em músicas posteriores.

You Never Satisfy Meé uma que só comecei a apreciar há pouco tempo. A letra e o desempenho vocal são bons, nada a assinalar, mas este instrumental é mais interessante do que o da maioria das outras B-sides. Começando pelos teclados (ou sintetizadores?) na introdução, o órgão semelhante ao de Unwanted no refrão, o piano no penúltimo refrão e, sobretudo, o solo de guitarra acústica – quase parece guitarra espanhola. Nenhuma outra música de Avril tem algo assim. 

Falling into History é um caso curioso. É diferente de todas as outras em Let Go, B-sides ou não – a que mais se aproxima é Tomorrow e mesmo assim. É uma balada acústica cuja letra fala sobre “desapaixonar-se” (essa palavra existe?). 

Quando tinha dezanove anos passei por uma fase de obsessão com esta música. Quando lhe montei um vídeo (abaixo), o ritmo lento inspirou-me a experimentar outras funcionalidades do Windows Movie Maker – câmaras lentas, transições, fade ins, fade outs – o que me serviu de aprendizagem para vídeos futuros. E a verdade é que não conheceu outra música que aborde este tema – o fim de uma paixão – desta maneira.

Ainda gosto da canção, mas hoje reconheço que é um tudo nada lenta demais e a letra é demasiado madura para uma cantora e um álbum adolescente. A narradora de Falling into History parece uma mulher pós-divórcio, não uma menina de dezasseis ou dezassete anos lidando com as primeiras relações amorosas. 

Assim, não posso dizer que tenha sido uma surpresa descobrir, em pesquisas para este texto, que Avril não a compôs. Não existe muita informação fidedigna sobre os créditos destas B-sides, mas Falling into History é uma exceção – por motivos que explicarei já de seguida. Calculo que Falling into History tenha sido uma das canções, compostas por outros (um dos compositores é, uma vez mais, Peter Zizzo), que tentaram impôr a Avril quando queriam que ela seguisse um rumo mais folk.

Só acho estranho ter sido incluída no tal álbum de B-sides, entre outras músicas bem mais adequadas ao perfil de Avril. Suponho que quisessem mostrar que a jovem também conseguiria agradar a uma audiência mais adulta (como, de resto, I’m With you provaria, ainda que de uma forma mais genuína). 

Falling into History seria regravada uns anos mais tarde por Brie Larson. Sim, a atriz de Room e Capitã Marvel. Ela tentou aventurar-se no mundo da música em adolescente com o álbum Finally Out of P.E., que infelizmente foi um fracasso comercial. 

Consta que Brie passou por dificuldades semelhantes às de Avril. Teve de lutar contra a editora para ter liberdade criativa, para ser menos convencionalmente feminina – "Eu queria compôr todas as minhas canções, eles tinham medo disso. Eu queria calçar ténis e tocar guitarra – eles queriam saltos altos e cabelo esvoaçante."

Seria de esperar que a indústria tivesse aprendido com Avril e Let Go. 

Até gosto desta versão de Falling Into History. Está um bocadinho melhor produzida, com elementos discretos de pop rock. Mas Brie tinha quinze ou dezasseis anos quando gravou isto: continua a ser uma canção demasiado séria para uma adolescente. 

Mas regressemos a Avril. A última B-side sobre a qual quero escrever é a minha preferida (ainda que a nova versão de Why ameace esse título): Let Go, uma música com o mesmo título que o álbum.

A letra é OK, talvez um bocadinho estranha e específica demais nalguns momentos. A musicalidade é o que mais me atrai na canção. O instrumental tem os mesmos teclados (?) que aparecem em Naked. Mas o melhor mesmo são as melodias e a interpretação de Avril – Let Go é uma das melhores músicas para ouvir as forças do timbre de Avril nesta era. 

A minha parte preferida é o final, os backvocals nos últimos refrões e, sobretudo, no outro. Soa algo confuso, como se Avril tivesse decidido improvisar durante a gravação, mas ficou perfeita. 

Regressando à retrospetiva de 2022, tenho de falar de outras B-sides de Avril. De tanto em tanto tempo aparecem faixas rejeitadas de diferentes trabalhos dela – já escrevi sobre algumas aqui no blogue. Posso estar enganada, mas fiquei com a impressão de que apareceram mais do que o costume este ano – talvez por Avril ter lançado um álbum (bem… tecnicamente dois). 

Nem todas são grande coisa. Várias delas foram bem excluídas. Mas existem umas quantas que me agradaram particularmente.

Várias das B-sides que apareceram na net são dos trabalhos de Love Sux (saquem-nas aqui). Como disse antes, algumas delas poderão beneficiar de estarem fora do contexto do álbum. Um exemplo é Too Fast to Live. Outras, no entanto, acho mesmo que são um bocadinho melhores que as canções da edição padrão.

Uma das que mais gosto é Eternally. No que toca a canções de amor neste estilo, prefiro esta a Kiss Me Like the World is Ending. Avril canta esta última da mesma forma que canta todas as break-up songs no álbum – no contexto de Love Sux, se uma pessoa não estiver a prestar muita atenção, nem repara que Avril mudou o chip. Em Eternally, ao menos ela canta num tom diferente, mais semelhante a Dare to Love Me do que a Dejá Vu.

Outra de que gosto é Californyeah!. Antes de a ouvir, não tinha grandes expectativas porque o título é um bocadinho “cringe”. Surpreendeu-me pela positiva. 

Californyeah! é um dueto de Avril com Mod Sun. Tem uma sonoridade um bocadinho diferente do resto do cânone de Love Sux e a letra não é má. Fala sobre o início de um romance em, lá está, Califórnia. Eles deram-se ao trabalho de descrever cenários, mesmo não sendo super originais: ambos no carro (um cliché na discografia de Avril) pela Pacific Coast Highway à beira-mar, passeando na praia e enchendo a cama de areia (não sou muito obcecada por limpezas, mas isso faz-me imensa confusão). 

Esta definitivamente devia ter sido incluída na edição-padrão de Love Sux. É um dueto com o noivo dela, provavelmente sobre o início da relação deles! Porque é que a deixou de fora?

Teenage Nightmare também devia ter sido incluída em Love Sux – ou mesmo na re-edição de Let Go, por motivos que explicarei já de seguida. A sonoridade obedece à fórmula do álbum. A letra, no entanto, é a mais autobiográfica desta era: é literalmente uma autobiografia de Avril, um relato da sua chegada ao mundo da música. A sua jornada de adolescente rebelde a super-estrela.

Uma pessoa pergunta-se porque é que Avril não lançou oficialmente esta música, em ano de vigésimo aniversário da sua carreira – parece uma decisão óbvia. Pensando melhor, no entanto, talvez seja esse o problema: é demasiado óbvio, rasa a gabarolice. Compreende-se.

Deixemos o cânone de Love Sux e entremos em territórios menos definidos. Fall into the Sky é um caso estranho dentro destas B-sides. O título já circulava na Internet há uns bons anos e, finalmente, no verão passado, tivemos acesso a ela. O pessoal do avrilmidia garante a pés juntos que esta é uma B-side de Let Go, mas eu não acredito neles. Este é claramente o timbre da era Under My Skin. Menos frágil, mais consistente que o de Let Go, mas ainda mais grave do que em álbuns posteriores. 

Em defesa deste pequeno desacordo, Fall into the Sky não se encaixa perfeitamente em nenhum álbum de Avril. A canção é conduzida por acordes rápidos de guitarra acústica, acompanhada por notas de guitarra elétrica e uma batida algo dançante. Lembra-me um pouco Tonight, dos Reamonn. Tem também um solo de guitarra muito fixe. 

Porque é que ninguém se lembrou de incluir solos de guitarra em Love Sux?

Em termos de letra, Fall into the Sky é uma precursora de Hot: sobre um parceiro que satisfaz a narradora. É erótica, mas de uma forma muito discreta, muito adolescente – Avril usa a expressão “when we’re making out”, “quando estamos a curtir”. Pode-se dizer a ouvintes mais puritanos que estamos apenas a falar de beijos, mas o resto de nós sabe que é mais do que isso.

De notar que já nesta altura Avril espera que o parceiro lhe dê prazer. Isto vários anos antes de ser considerado fixe, numa altura em que a comunicação social a pintava como mais púdica que as Britney Spears desta vida. Daquelas coisas dos anos 2000 que não deixaram saudades.

Esta não levo a mal não ter sido editada oficialmente. Como disse antes, parece ter sido composta e gravada durante os trabalhos de Under My Skin, mas não se encaixaria de todo neste álbum – é demasiado leve, demasiado pop. Mesmo não sendo demasiado sexy,  continua a ser demais para Let Go. Em relação a álbuns posteriores, é demasiado adolescente. 

Além disso, se tivesse sido editada antes do The Best Damn Thing, teria estragado o impacto de Hot – que continua a ser a melhor canção. 

Ainda assim, podia ter sido cedida a outro cantor. Só para não desperdiçar. 

Queria agora referir duas B-sides de Head Above Water. Lights Out é uma balada agradável, ao estilo de Warrior ou da própria Head Above Water. Gosto mas, lá está, é demasiado parecida com essas duas músicas, ainda que a letra seja um bocadinho menos cliché. Continuo a preferir Bright. 

E, de qualquer forma, mantenho o que escrevi antes: preferia que a redundância temática de Head Above Water fosse com músicas como esta.

Por sua vez, Lucky Ones é uma balada acústica razoavelmente interessante em termos de letra. É uma break up song, possivelmente sobre o seu divórcio de Chad Kroeger, o seu segundo marido. Uma vez mais, a letra não é super original, mas tem algum carácter. Pintam-se cenários de solidão, para começar – “Now it’s just me getting take out for one”. Além disso, se for um reflexo honesto dos sentimentos de Avril, sempre revela a sua perspetiva sobre o amor: não dura para sempre, mas ela pensava que aquilo seria a exceção. 

E isto é mais interessante que a totalidade de Love Sux.

Agora vamos inverter a coisa e passar de uma música que poderá ser sobre o fim do casamento Chavril, para uma sobre o início do casamento Chavril. Durante a era do álbum homónimo, altura em que se casaram, tanto Avril como Chad falaram dela nalgumas entrevistas: If I Said I Loved You, uma canção que compuseram depois de terem começado a namorar. Ou se calhar depois do noivado, que, recordemo-nos, ocorreu ao fim de um mês de relação. Acabou por ser a música do casamento deles. 

Na altura, Avril disse que planeava lançar oficialmente If I Said I Loved You no futuro. No entanto, o casamento terminou antes que houvesse oportunidade para isso. E agora, mais ou menos uma década depois de ter sido gravada, apareceu nas internetes. 

If I Said I Loved You é mais ou menos o que eu esperava. É uma música bonita, uma balada com discretos traços de rock que encaixa bem no cânone de ambos. Nem a musicalidade nem a letra desafiam convenções, mas têm emoção e personalidade q.b. Sabem como sou, não resisto a uma canção de amor com um bocadinho de sentimento e honestidade.

Mas fico triste por só a termos conhecido agora, dez anos depois, quando eles se divorciaram há muito e ela está noiva de outro homem.

E, apesar de tudo, não diria que If I Said I Loved You é melhor que Let Me Go – o dueto entre Avril e Chad que foi de facto publicado. A primeira está um degrau acima em termos de letra, mas a segunda é mais interessante em termos de sonoridade. Representou um território diferente para Avril na altura.

As duas estão mais ou menos ao mesmo nível.

E era sobre isto que queria falar no que toca a Avril Lavigne em 2022. É um bocadinho triste ter falado mais sobre B-sides num balanço anual, mas é o que temos. Apesar de tudo, mesmo que Avril já não seja a minha número um, não conheço mais nenhuma carreira tão a fundo como a dela. 

E provavelmente nunca conhecerei. Já não tenho a disponibilidade que tinha há dez ou quinze anos para procurar cada música inédita, ver cada vídeo de má qualidade no YouTube, consultar arquivos de entrevistas antigas, de outro artista ou banda. Mesmo as B-sides de Avril que vazaram este ano vieram de contas de redes sociais que já sigo – não foram músicas que eu tenha procurado ativamente. Mas que já acumulei todo este conhecimento secreto, mais vale partilhá-lo. 

Por estes dias, Avril tem falado em lançar um novo álbum em 2023. Conhecendo-a como conheço, acho mais sensato contarmos com ele lá para 2024, com sorte – e já seria mais rápido do que o costume com ela. Para ser sincera, depois de dois álbuns que não me entusiasmaram, Love Sux em particular, não tenho pressa.

Claro que, como minha mãe musical, irei sempre dar-lhe o benefício da dúvida. É a única obrigação de qualquer fã. 

Tenho ainda o concerto dela em Zurique, parte da digressão europeia. Este é o quarto balanço anual seguido em que o refiro. A incapacidade de nós, fãs portugueses, vermos um concerto desta mulher vai muito além de caricata. 

Este último adiamento foi desnecessário, na minha opinião. Eu tinha acabado de ver Bryan Adams, usara máscara, e correra tudo bem. Podia-se perfeitamente ter feito o mesmo com os concertos da Avril. Para quê adiar outra vez?

Em princípio deverá ser desta, que já vivemos em quase normalidade. Quando virmos Avril subindo ao palco com os nossos próprios olhos até acharemos que é mentira. Mas há de valer a pena – nem que seja apenas para cantar os velhos êxitos em coro com milhares de outras pessoas.

E foi esta a segunda parte deste balanço musical. A próxima parte será mais curta e será também um desvio ligeiro à fórmula habitual. A boa notícia é que já terminei o primeiro rascunho, será só passá-la a computador, o que não deverá demorar muito. Obrigada pela vossa paciência. Continuem por aí. 

publicado às 21:31

Música 2022 #1: Bryan Adams ou porque preciso de música feliz

Hoje quebro uma regra não escrita aqui do blogue e começo a minha retrospetiva musical do ano… em novembro. Como já tinha explicado antes, o meu plano inicial foi sempre escrever um texto nesse estilo sobre a música que Bryan Adams lançou em 2022. Como já estamos perto do fim do ano, o próximo texto terá uma estrutura semelhante e os textos que publicarei a seguir farão parte da retrospetiva, mais vale incluir já estes dois na série. 

Agora só espero que o meu velho não me troque as voltas e não me lance música nova antes do fim do ano.

Até calha bem começar hoje pois Bryan completa sessenta e três anos hoje. Que este texto sirva de mensagem de parabéns.

A retrospetiva deste ano será interessante pois 2022 está a ser um ano louco para mim em termos musicais – quero ver o que irão dizer os relatórios anuais do Spotify e do Last FM. Este é apenas o começo. Infelizmente, como vamos entrar em modo Mundial daqui a poucos dias, os próximos textos ainda vão demorar. 

Na verdade, vou começar este texto sobre Bryan Adams falando sobre uma canção de Lionel Ritchie. Foi durante a contagem decrescente para o início do concerto de 30 de janeiro. Como habitual, havia música a tocar nos altifalantes do Pavilhão Atlântico, para ir entretendo o público à espera que Bryan subisse ao palco. A certa altura, tocou All Night Long (All Night) e toda a gente se pôs a cantar, a bater palmas, a dar uns passinhos de dança. Foi o primeiro momento da noite em que a audiência se uniu pela música.

(Obrigada Elisabete Branco, do Bryan Adams Group do Facebook, pelo vídeo)

Estes são momentos subvalorizados da experiência de ir a concertos e que eu mesma aprendi a apreciar nos últimos tempos. Já tinha acontecido em 2017, antes do concerto dos Sum 41, com o público cantando One Step Closer dos Linkin Park. Voltou a acontecer em força no concerto mais recente dos Sum 41 com os Simple Plan ​​– a produção conhecia a audiência e pôs a tocar vários êxitos do emo/pop punk dos anos 2000. All the Small Things, Sugar, We’re Going Down, Misery Business (poucos dias antes de ser oficialmente “descancelada”), Basket Case (OK, esta era dos anos 90, mas pronto…).

Da mesma forma, acredito que a equipa do Pavilhão Atlântico tenha posto All Night Long a tocar pelos eventuais fãs cruzados – Ritchie também foi um cantor de sucesso nos anos 80 e 90. Mas eu gosto de pensar que o público aderiu não só por isso, também pela mensagem da canção: “Well, my friends, the time has come, to raise the roof and have some fun”. Depois de quase dois anos de pandemia, dez mil almas vinham finalmente a um concerto a sério. 

Nas semanas seguintes fiquei obcecada pela música e apercebi-me de algo: eu preciso de música alegre para sobreviver, sobretudo em momentos menos felizes da minha vida. Aconteceu em 2017 com Loucos, de Matias Damásio, que me fez chorar na manhã a seguir ao concerto de homenagem a Chester Bennington. Aconteceu no ano passado com o single Solar Power, num verão em que não pude ir de férias. Acontecia agora com All Night Long, num período em que estava menos feliz do que tenho estado ultimamente. 

Música alegre tem má reputação nalguns círculos. Alguns argumentos até fazem sentido. Em pesquisas para este texto, dei com um par de artigos descrevendo a maneira como a música alegre pode ser usada para controlar a população, tornando-a mais complacente, agressiva, mesmo mais racista e xenófoba. Vejam-se as marchas militares, hinos nacionais, cânticos de claques desportivas. 

Confesso que estes artigos me fizeram questionar muita coisa, mas isso foge ao âmbito do texto. Passemos à frente. 

Assim, manipulação de massas à parte, há quem acredite que a música alegre é por defeito mais fútil, inferior a música triste ou zangada. Por exemplo, um dos motivos pelos quais muitos criticaram precisamente o álbum Solar Power foi por ser demasiado alegre – como poderão ler aqui, na minha opinião, os problemas do álbum são outros. Noutro exemplo, durante os trabalhos do Self-Titled dos Paramore, Hayley Williams tinha algumas dúvidas em relação a Still Into You – receava que fosse demasiado alegre. Em oposição, alguns géneros de música fazem quase uma romantização da tristeza – o “emo” é o exemplo óbvio, mas também a estética da “sad girl”. 

Isto acaba por entrar na questão do idealismo versos cinismo – a felicidade e o otimismo são infantis, a infelicidade e o pessimismo são adultos. A cena do génio torturado. Citando Ursula K. Le Guin, “temos um mau hábito, encorajado por pedantes e sofisticados, de considerar a felicidade como algo um tanto estúpido. Só a dor é intelectual, só o mal é interessante. Essa é a traição do artista: uma recusa em admitir a banalidade do mal e o tédio terrível da dor.”

Não concordo a cem por cento com esta citação, no entanto, sobretudo com a última frase. Não acho que ninguém considere a dor “entediante”. Pelo contrário, a expressão artística poderá ser uma maneira saudável, num ambiente controlado, de sentir e lidar com sentimentos negativos. Essa é a própria definição de catarse – havemos de regressar a essa ideia. Mas definitivamente concordo que existe a ideia de que a felicidade é anti-intelectual. 

Mesmo eu, há dez anos, nunca viria para aqui dizer tão bem de uma música “de festa” como All Night Long. Claro que me tornei mais flexível nessas coisas com os anos – mas ainda não gosto do Pitbull nem de música semelhante à dele. 

E de qualquer forma acho que, a certa altura, se foi demasiado na direção contrária. Penso que não é a primeira vez que refiro aqui que, apesar de ter gostado de folklore e evermore de Taylor Swift, a partir de certa altura estes começaram a pesar. 

Além disso, recordo-me de estar de férias no verão de 2020 e na rádio tocavam músicas como everything i wanted, de Billie Eilish, e uma literalmente intitulada Death Bed, leito de morte. E eu pensava: “As coisas já estão suficientemente difíceis, com a pandemia e tal. Estou aqui a tentar aproveitar as minhas férias. Não podia tocar algo menos deprimente?”.

Não me interpretem mal. Não quero insinuar que não gosto de música que não seja “feel good” ou que não reconheço a sua importância. Afinal de contas, os Linkin Park são uma das minhas bandas preferidas e eles não têm uma única música propriamente alegre – apenas esperançosa ou reconfortante. Da mesma forma, este ano tenho explorado o meu lado “emo”/pop punk e tal, graças ao programa Everything is Emo de Hayley Williams e ao concerto dos Simple Plan e dos Sum 41. 

Música que os nossos artistas ou bandas preferidas criaram para exorcizar os seus próprios demónios. Música que nos dá força, que nos dá esperança ou que, pura e simplesmente, dá voz, instrumental e melodia ao que estamos a sentir, que não nos deixa sozinhos no escuro. De maneira paradoxal, alguns dos melhores momentos da minha vida foram em concertos dessas bandas, sentindo essa raiva coletiva, revolta coletiva, tristeza coletiva. Já falei disso antes, mas Mike Shinoda chegou a dizer que um dos objetivos dos Linkin Park fora criar um sítio onde as pessoas experimentassem uma sensação de pertença enquanto gritavam que o mundo era horrível, um lugar seguro para exprimirem estas emoções mais negativas. 

Isto tudo para dizer que todas as emoções musicais são válidas e importantes. Eu preciso de todas, não consigo limitar-me a apenas uma parte do espectro. Nunca me senti muito muito confortável com tristeza – o que, admito, poderá não ser muito saudável. Algumas pessoas se calhar estranhariam – já aconteceu, sobretudo quando era mais nova, considerarem-me mais triste e mais séria do que realmente sou. 

Ou talvez tenha uma “resting bitch face”.

Como referi antes, nestes dias não estou tão infeliz como noutras alturas, mas ainda me recordo de sentir frases como “Life is good, wild and sweet” e “Forget all of the tears that you’ve cried, it’s over” batendo mais forte do que, se calhar, mereciam. Talvez fosse escapismo, talvez fosse enterrar a cabeça na areia. Ou talvez quisesse agarrar o momento de alegria possível, ser feliz nem que fosse apenas durante os cinco minutos ou menos de uma canção.

E a verdade é que é isso que a maior parte da música de Bryan Adams representa para mim. Música feel good para cantar no carro, sobre amor, sexo, aproveitar a vida, ser-se jovem, livre e feliz.

Aliás, acho que é essa a intenção de Bryan, sobretudo nos últimos anos. De que outra forma se explica que ele tenha lançado um álbum intitulado So Happy it Hurts depois de dois anos de pandemia? Não que ele não seja interventivo, antes pelo contrário. Conforme ele explicou nesta excelente entrevista, ele apoia causas discretamente. Bryan levantou mesmo a hipótese de, em vez de simplesmente boicotar ou “cancelar”, um concerto de música feel good num país reprimido ser por si mesmo um acto de ativismo. 

Merece a reflexão, pelo menos. Em todo o caso, esse intervencionismo raramente é vertido para a música de Bryan em si. E, sinceramente? É melhor assim. Das poucas vezes em que isso aconteceu, não resultou, na minha opinião. E o espírito feel good da música de Bryan também tem o seu impacto em tempos tão difíceis como os atuais.

Um bom reflexo dessa atitude é o tema Never Gonna Rain, um dos singles de So Happy it Hurts. Bryan será sempre o otimista, o sonhador, a pessoa que tentará ver o lado positivo e focar-se menos no negativo. Esse espírito tem as suas limitações, claro, como Rose Colored Boy dos Paramore tão bem nos recorda, mas o cinismo também não é resposta para tudo. A virtude estará algures no meio. 

Precisamos de música de intervenção, que denuncie o que está errado no nosso mundo. Precisamos de música que dê voz à nossa dor, à nossa raiva. Mas também precisamos de música que nos recorde que há mundo para além disso tudo, que a vida também pode ser boa.

O concerto dele em janeiro serviu para isso. Como referi antes, foi o meu primeiro concerto a sério após a pandemia – para mim e, acredito, para o resto da plateia – e celebrámos adequadamente. O próprio Bryan sentiu o nosso alívio, a nossa euforia. Orgulho-me em particular de ter aguentado o concerto todo sem tirar a máscara – sempre cantando, dançando, saltando, dando headbangs como se a música fosse mais pesada do que realmente é. 

Como desenvolvido acima, a música de Bryan é perfeita para ilustrar este espírito. músicas como Here I Am, Back to You e Cloud Number 9 bateram particularmente forte – as duas últimas em particular, pois não lhes dera muita rotação nos meses anteriores.

O único motivo de queixa que não chega a sê-lo é que o concerto em si não foi muito diferente do de 2019. Só se tinham passado dois anos e cerca de mês e meio, logo, ainda nos recordamos de muitos dos truques de palco. Sou capaz de apostar que a montagem de fotografias que Bryan mostrou da sua vida em Birre, quando era miúdo, era exatamente a mesma. 

Não que possamos censurar Bryan por isso. Quase não houveram concertos entre dezembro de 2019 e janeiro de 2022. Não houve tempo para Bryan e os seus colegas de banda se cansarem dos truques atuais e sentirem a necessidade de inovar. E, de resto, é uma queixa menor. Dez em dez, repetia a experiência.

Falemos agora sobre o álbum So Happy it Hurts. Este é outro trabalho cuja concepção foi condicionada pela pandemia. Tal como Hayley Williams fez com o seu segundo álbum a solo, Flowers For Vases, Bryan gravou todos os instrumentos (ou quase todos). Ao contrário do que aconteceu com FFV, em So Happy it Hurts não se nota. Não surpreende: Bryan tem muito mais experiência como instrumentista. Só precisou de reaprender a tocar bateria. 

So Happy it Hurts assemelha-se a Shine a Light no sentido em que não tem nenhum conceito particular, são apenas músicas que Bryan foi compondo. Ainda assim, coloco o álbum mais recente um pouco acima porque, na minha opinião, tem músicas melhores. Pelo menos os singles saem um bocadinho mais da caixa habitual para Bryan – veja-se On the Road e Kick Ass, como discutimos no ano passado, e Never Gonna Rain, lançado uns dias antes dos concertos em Portugal. 

Esta última é uma das minhas preferidas neste álbum. Foca-se mais no baixo do que o costume para Bryan e gosto dos vocais no pós-refrão, sobretudo no último. Por outro lado, o título da música é irónico num ano de seca. 

A minha preferida, no entanto, é These Are the Moments that Make up my Life. 

Esta foi uma das primeiras que ouvi quando o álbum saiu – as músicas foram publicadas no YouTube, calhou clicar primeiro nesta. Cativou-me logo, sobretudo por causa da letra. 

Musicalmente é interessante – suave no início, guiada por um riff de guitarra, ganhando mais intensidade quando se juntam os outros instrumentos. 

Não sei se esta não será uma das letras mais pessoais de Bryan em anos. These Are the Moments that Make Up my Life fala sobre a felicidade das pequenas coisas da vida doméstica e familiar: o som da chuva a cair, os beijos da pessoa que se ama, o riso das crianças.

Regressando ao tema de abertura deste texto, These Are the Moments that Make up My Life é um exemplo claro de música feliz que ninguém pode acusar de futilidade. Não que seja propriamente profunda, mas é uma maneira mais realista, mais terra-a-terra, de salientar o lado bom da vida. Nem sempre conseguimos ir a um concerto, à discoteca, à praia ou numa longa viagem, mas podemos ir colhendo felicidade nas pequenas coisas do quotidiano.

Foi de resto uma das lições da pandemia. Fomos privados de muito, mas serviu para nos recordarmos que, no fim de tudo, o mais importante são as pessoas que amamos. Nesse aspeto, These Are the Moments that Make Up My Life recorda-me World’s On Fire – uma das que melhor envelheceu do álbum Post Traumatic de Mike Shinoda. 

Por estes motivos, de início pensei que Bryan tinha composto esta música durante a pandemia. Não foi o caso. Em entrevista, Bryan disse que These Are the Moments that Make Up My Life era uma ideia com uma década de idade que ele só conseguiu concluir durante os trabalhos para So Happy it Hurts. 

Faz-me todo o sentido que os primeiros rascunhos desta canção tenham sido criados há dez anos – foi quando as filhas dele nasceram. Acredito que These Are the Moments that Make Up My Life tenha sido uma lição que Bryan aprendeu na última década. 

Como adulto (e mesmo antes), ele nunca teve uma vida “normal”. Em entrevistas recentes, Bryan admite que não se recorda de grande parte dos anos 90, tirando fotografias, porque estava sempre a trabalhar. Fazia duzentos concertos por ano, chegou a estar quatro anos seguidos em digressão. 

Vou agora falar de coisas que li em entrevistas antigas a Bryan algures entre 2008 e 2010. Agora não consigo encontrá-las e linká-las aqui, pois foi há mais de dez anos. Assim, não tomem o que vou referir a seguir como verdade absoluta. Segundo o que me recordo, Bryan confessou que, quando começou a haver uma epidemia de divórcios na sua equipa nos anos 90, percebeu que estava a exagerar. Entrando em território de fofocas, uma ex-namorada de Bryan terá dito que a relação não resultou porque a carreira dele tinha prioridade sobre tudo. 

Não creio que Bryan se arrependa da maneira como passou os anos 90. Afinal de contas, foi o que o colocou onde está hoje. Mas a partir dos anos 2000 terá começado a moderar-se – indo em digressão apenas dez a catorze dias por mês. E depois dos cinquenta anos, depois de já ter atingido o pico, assentou com uma companheira (esposa?) vinte anos mais nova e teve duas filhas. (Inveja eu, por ele ser homem e capaz de se reproduzir depois dos cinquenta anos? Não! Que ideia…) Aí, terá aprendido o valor de uma existência mais tradicional. Daí These Are the Moments that Make Up My Life. (“I’ve taken some wrong roads, but I know this one's right”)

É claro que isto sou apenas eu a especular. 

Gosto imenso do videoclipe desta música. Nesta era os vídeos de Bryan têm sido todos muito simples e este não é exceção. É apenas Bryan numa praia qualquer no Canadá, atirando paus ao cão do irmão. Este vídeo parece ter sido feito de propósito para mim. Como tenho referido várias vezes aqui no blogue, um dos meus lugares felizes nos últimos anos, um dos meus sítios perfeitos, é a Meia Praia de Lagos, passeando a pé com a minha Jane. A diferença é que ela prefere bolas em vez de paus. 

O que condiz na perfeição com o tema da música. 

These Are the Moments that Make Up My Life é, assim, a minha canção preferida de Bryan nos últimos anos – desde Brand New Day, pelo menos, ou talvez antes. Tenho alguma pena de os concertos de janeiro se terem realizado antes da edição do álbum – queria que ele tivesse tocado esta. 

So Happy it Hurts não foi a única coisa que Bryan lançou este ano. Longe disso, o homem lançou-me quatro álbuns inteiros em 2022! 

Já referi aqui no blogue que, há uns anos, Bryan compôs a banda sonora do musical Pretty Woman da Broadway, baseado no filme de Richard Gere e Julia Roberts. Durante a pandemia, em parte por aborrecimento, em parte por precisar de lançar música (mais sobre isso já a seguir), Bryan gravou a sua própria versão dos temas do musical e lançou-os em álbum.

Não tenho muito a dizer sobre estas músicas. São uma audição agradável, dentro do estilo de Bryan – ele foi um bom casting para um conto de fadas do mundo moderno. Diria que a minha preferida é On a Night Like Tonight – em parte porque emparelha com a On A Day Like Today, outra de que sempre gostei. Por outro lado, gosto imenso de Something About Her – clássico Bryan.

Falemos agora sobre as regravações que Bryan lançou de algumas músicas suas – as versões Clássicas. Basicamente, Bryan mudou de editora há um par de anos e a editora antiga terá ficado com os direitos da sua looooonga discografia. Assim, Bryan resolveu dar uma de Taylor Swift e regravou os seus maiores êxitos. Estes foram lançados em duas tranches – Classic e Classic Part II.

Antes de mais nada… isto não devia ser permitido. Seria de esperar que os autores de uma propriedade intelectual tivessem sempre direitos sobre o seu trabalho. Estas músicas só existem por causa do trabalho de Bryan e dos seus colaboradores. É triste que isto tenha acontecido a Bryan ao fim de mais de quatro décadas de carreira.

Dito isto… não percebo o que Bryan quer fazer ao certo ou o que ele quer que nós façamos. Estamos a falar de quarenta anos de música: catorze álbuns de estúdio, incluindo a banda sonora de um filme, uns quantos Best Of’s, múltiplos discos ao vivo. Mesmo que ele quisesse regravar toda a sua discografia – aquela que pudesse – provavelmente não faria mais nada com a sua carreira.

Nesse aspeto, faz sentido que Bryan tenha começado pelos seus êxitos. Talvez ele até queira ficar por aí. Por outro lado, ele não o fez com a pompa e circunstância com que Taylor Swift tem re-lançado os seus álbuns. Muitos fãs casuais poderão nem sequer ter reparado. E, tanto quanto sei (posso estar enganada), as rádios não receberam o recado e não estão a substituir as versões antigas pelas novas. Eu até estou disposta a abdicar das versões antigas, pelo menos em termos de música digital e pelo menos em termos de versões de estúdio (versões como as do Bare Bones e do MTV Unplugged são um caso à parte). Com um par de exceções de que falarei já a seguir. Mas não sei se todos os fãs estarão dispostos a fazer o mesmo.

Uma diferença entre os casos de Taylor Swift e Bryan é, aparentemente, o caso do segundo não ser pessoal. Sublinhe-se o “aparentemente”. Com Taylor, o tipo que ficou com os direitos da música dela foi alguém que conspirara contra ela (mais detalhes aqui). Tendo isto em conta, os fãs e o público em geral têm aderido às regravações de boa vontade – tarefa facilitada pela maneira como ela relançou Fearless e Red, este último em particular. Com Bryan não existe nenhum drama deste género, que se saiba. Não existe o mesmo imperativo moral para cortarmos com as versões antigas.

Pelo menos é isso que digo a mim mesma.

Além disso, se Taylor consegue recriar canções antigas com bastante fidelidade, para Bryan isso é quase impossível. Para começar, as músicas mais antigas de Taylor têm dezasseis anos – as de Bryan têm mais de quarenta. Não sei muito do assunto, mas assumo que as tecnologias de captação de áudio e produção musical tenham evoluído significativamente desde os anos 80.

Em segundo lugar, a voz de Bryan mudou. Os seus vocais nos dois primeiros álbuns são quase irreconhecíveis comparada com os dias de hoje, sem o seu icónico timbre rouco. Este começou a aparecer em Cuts Like a Knife e foi-se desenvolvendo nos álbuns seguintes até estabilizar, mais ou menos, em Waking Up the Neighbours, em 1991. Ele nunca poderia recriar os vocais das versões dos anos 80 de Summer of 69’, Heaven ou Cuts Like a Knife em 2022.

Talvez por isso Bryan não se tenha preocupado demasiado com a fidelidade. Ainda assim, as novas versões são bastante fiéis às antigas, com algumas exceções. Uma diferença marcante, que Bryan tem assinalado, é o facto de as músicas agora terem finais em vez de fade outs. Não tenho nada contra fade outs em música por princípio, mas sempre calculei que fossem complicadas de tocar ao vivo. Não me choca que Bryan tenha querido corrigi-lo.

Fiquei contente por Bryan ter regravado Hidin’ From Love e Teacher Teacher – duas canções que precisavam. Ainda este ano falámos sobre a primeira – ele já tinha publicado uma versão de Hidin’ From Love com este novo instrumental. E se há álbum que merecia uma regravação é o primeiro de Bryan.

Por seu lado, já tinha escrito aqui no blogue, a propósito dos 30 anos de Reckless, que o demo de Teacher Teacher tinha algumas arestas por limar, apesar de gostar da canção. Bryan fez exatamente o que eu queria.

Não desgosto desta versão de Back to You. Esta foi sempre uma das minhas canções preferidas dele – foi a primeira música “a sério” que aprendi a tocar na guitarra. Antes de Classic, Back to You não tinha nenhuma versão de estúdio – foi um original do álbum MTV Unplugged. Fica um amargo de boca por a versão Clássica não ter a orquestra da Julliard. 

Na verdade, a única regravação em que me quero focar é a de Here I Am – a minha canção preferida de todos os tempos, como poderão ler aqui.

Esta era outra em que Bryan muito dificilmente poderia fazer copy/paste. Como vimos antes, foram os produtores da banda sonora do filme Spirit a dar um estilo mais R & B à versão original de Here I Am. No entanto, eles não estavam lá para as regravações.

A versão Clássica não difere radicalmente da versão de 2002 mas, de todas as regravações, será a mais diferente. Penso que esta é mais parecida com o que Bryan teria criado com os seus colaboradores habituais. A instrumentação é mais “orgânica”, mais rock. Os sintetizadores e produção eletrónica foram substituídos pelo piano e bateria.

Por outro lado, aplaudo o facto de Bryan ter resistido à tentação de encurtar a duração da música. 

Here I Am, de resto, é daquelas canções que soa bem em praticamente qualquer arranjo. Ainda assim, de todos os temas regravados, este será o único em que me recuso a abdicar da versão original. Estou demasiado afeiçoada a ela. Aos backvocals na parte final (nos créditos diz que é Bryan a cantar, mas não me parece que seja ele), às batidas – sobretudo por causa da minha velhinha montagem de vídeos da Seleção.

Aliás, se eu tivesse tempo e software, faria uma montagem de vídeos para a versão Clássica – incluindo imagens de, entre outras coisas, o Euro 2016 e a Liga das Nações de 2019. 

A grande vantagem de regravações como estas é que os temas ganham uma nova vida anos – ou décadas – depois de as ouvirmos pela primeira vez. Here I Am completou vinte primaveras este ano, é a minha preferida de sempre. E no entanto, duas décadas depois, continua a surpreender-me. 

Nem tudo tem a ver com esta regravação, sequer. No início deste ano descobri Me Voilà, a versão francesa da música. E agora, há um par de semanas, descobri um cover feminino lindíssimo de Me Voilà: uma instrumentação bastante diferente, folk, mas que resulta.

E é tudo o que tinha para dizer. Que Bryan esteja a ter um dia muito feliz. Agradeço-lhe por tudo o que a sua música tem feito por mim. Não sei ao certo o que ele fará nos próximos tempos – estou curiosa. Em todo o caso, como acho que já o referi antes, enquanto ele cá estiver, eu estarei lá, dentro das minhas possibilidades. E, como já disse antes, não haverá nenhum outro sítio na Terra onde preferiria estar.

publicado às 08:07

Músicas Não Tão Ao Calhas – This is Why

Hoje completa-se mais um ciclo aqui no blogue. Inaugurei a rubrica Música Não Tão Ao Calhas – onde analiso singles (ou leaks) recentes dos meus músicos preferidos – há quase dez anos com Now, o primeiro avanço do quarto álbum dos Paramore, homónimo. Agora, analiso o primeiro avanço de This is Why, o sexto álbum deles. Isto depois de já ter feito o mesmo com Hard Times, o primeiro avanço de After Laughter e com Simmer, o primeiro avanço de Petals For Armor, o primeiro álbum a solo da vocalista Hayley Williams (se vocês acharem que conta). 

Hei de brindar a isso com a minha próxima chávena de café. 

This Is Why, primeiro single do álbum com o mesmo nome, é a primeira música dos Paramore em quase cinco anos e meio – precisamente desde a edição de After Laughter. Foi muito tempo mas, pela parte que me toca, não me custou muito, tirando estes últimos meses. Sobretudo porque os álbuns a solo de Hayley, Petals For Armor e Flowers For Vases, serviram de metadona. Mesmo este ano, quando já estava ansiosa por algo mais, Hayley foi-nos entretendo com o programa de rádio Everything is Emo – que me fez adicionar imensa música às minhas playlists. 

Hei de escrever sobre isso nos meus textos de fim de ano. 

Os Paramore estavam a precisar de uma pausa. Hayley já tinha referido, a propósito de Petals For Armor, que o ciclo de After Laughter não tinha sido fácil. Taylor abriu-se um pouco mais do que o costume para o The Guardian: falando sobre a perda de um amigo de família durante as filmagens do vídeo de Rose Colored Boy, revelando que deixou de beber, que, a certa altura, sofreu com ansiedade e agorafobia. Zac não se arrepende de ter deixado os Paramore – sente que os anos afastado da banda o rejuvenesceram. Suponho que estes últimos quatro anos tenham tido um efeito semelhante. 

Nada disto surpreende. Lorde falava mais ou menos do mesmo no ano passado, quando regressou com Solar Power também após uns anos de pausa. Se há coisa que aprendemos com a pandemia é que há coisas que não valem a pena. Saúde física e mental vêm antes do trabalho. 

Esses anos de pausa e a oportunidade de trabalharem em projetos laterais podem ter ajudado os três a desenvolverem uma relação mais saudável com a banda. Talvez seja por isso que This Is Why é o primeiro álbum dos Paramore em que o alinhamento da banda é o mesmo que o do álbum anterior. 

Há uns anos atrás, diria que tinha esperanças num regresso de Josh e Jeremy a médio/longo prazo. Hoje já não faço questão. Só faz falta quem lá está. E como consta que Josh é homofóbico e, no geral, não grande coisa como pessoa… 

After Laughter e os próprios Paramore enquanto banda ganharam um culto de seguidores fiéis nos últimos anos. Em parte porque os três – Hayley em particular, a mais mediática – são figuras simpáticas, terra-a-terra, "não problemáticas" (embora já tenham cometido os seus deslizes). Têm fãs de várias idades, raças e expressões de sexualidade e género e uma boa relação com eles. 

Por outro lado, After Laughter – um álbum que explora "tempos difíceis" e questões de saúde mental – envelheceu muito bem, num mundo que se tem degradado cada vez mais desde 2017 (que já foi suficientemente mau). 

Já calculava há algum tempo que os Paramore iriam entrar em territórios políticos/sociais no seu sexto álbum, por vários motivos. Em primeiro lugar, não faria sentido focarem-se em questões pessoais. Como referido acima, a banda está finalmente estável. Hayley, ainda por cima, teve dois álbuns a solo para exorcizar os demónios pessoais que já tinham dado sinais de vida em After Laughter. 

E agora Hayley está numa relação feliz com… o Taylor! Sim, aquilo que se suspeitava desde Petals For Armor – e houve quem suspeitasse há mais tempo ainda – foi confirmado no artigo do The Guardian. Apenas uma frase entre parêntesis no texto, consta que nem Hayley nem Taylor quiseram dizer mais nada. 

Durante muito tempo tive medo da reação dos fãs, depois do que aconteceu entre Hayley e Josh. Mesmo a minha primeira reação aos rumores, há mais de dois anos, não foi muito favorável. Mas, tanto quanto tenho visto, está toda a gente contente – eu incluída, que já tive tempo para me habituar à ideia (sobretudo depois de Flowers For Vases). 

Agora espero que as pessoas não os destabilizem, que lhes dêem privacidade. O facto de, aparentemente, já terem namorado em segredo durante pelo menos três anos deve ajudar. E, claro, espero que sejam muito felizes. 

Mas fechando este parêntesis, duvido que Hayley tenha algo a acrescentar a Petals For Armor e Flowers For Vases, no que toca à sua vida amorosa. Talvez This is Why tenha uma canção de amor só pela graça, mas não mais do que isso. 

Por outro lado, falando por mim, os Paramore sempre foram muito bons a captar e/ou prever o estado de espírito de pessoas da minha geração. O que não surpreende, os três têm a minha idade, mais ano menos ano. Isso às vezes implica entrarem em territórios políticos/sociais. Hello Cold World é um bom exemplo, mas também há quem detecte mensagens políticas em After Laughter, como explicado neste artigo. Pelo menos nesse álbum, Hayley disse que não era essa a intenção, mas o próprio artigo refere que, nestes últimos tempos, é difícil saber onde acaba o pessoal e começa o político/social. 

E se já era assim em 2017, em 2022 ainda mais o é, entre pandemia, tensões raciais, guerras culturais, guerra propriamente dita, inflação, alterações climáticas. 

A juntar a isso, os Paramore têm estado muito interventivos nos últimos anos. Em parte porque, por estes dias, não dá para nos mantermos neutros – direitos humanos não são para debate. Mas também porque, como referido acima, a banda tem fãs muito diversos e eles procuram usar a sua posição privilegiada para retribuir. Entre outras coisas, apoiaram o Black Lives Matter e, mais recentemente, agora que o Roe vs. Wade foi revogado nos Estados Unidos, vão doar parte dos lucros dos concertos a organizações que dão acesso a interrupções voluntárias da gravidez a pessoas que não têm possibilidades. 

Eu adoro-os por isso. 

Consta, aliás, que uma grande parte do álbum This is Why terá sido inspirada por conversas que os membros dos Paramore foram tendo nos últimos anos acerca destas questões. Afinal de contas, os três foram nados e criados no sul dos Estados Unidos, que se caracteriza pelo extremismo cristão, pelo ultraconservadorismo, que faz as nossas avós beatas parecerem progressivas e modernas. A gente que elegeu Donald Trump, essencialmente. 

Aliás, apesar de os Paramore sempre terem recusado o rótulo de "Christian Rock", a música deles, sobretudo nos primeiros álbuns, está cheia de referências religiosas. Hoje em dia, os fãs culpam o antigo guitarrista e co-compositor Josh Farro por isso. São capazes de ter razão mas, para sermos justos, eles compuseram Part II após a saída dele. 

A relação dos três com o cristianismo será um dos aspetos que eles reavaliaram – já o sabíamos desde o ano passado. Pergunto-me se alguma das músicas novas abordará esse tema – seria interessante. 

Teremos de esperar para ver – ou melhor, para ouvir. Aliás, ainda temos de esperar quatro meses para ouvir o álbum todo – este só será editado a 10 de fevereiro. Sim, é um bocadinho chato – já lá vão cinco anos e meio, que diabo! No entanto, aqui entre nós, até me dá jeito em termos de gestão dos meus blogues. Ia ser complicado se saísse durante o Mundial. 

A data tardia do lançamento é o menos, para ser sincera, porque não gostei muito deste início de ciclo (e acho que não fui a única). O festival When We Were Young foi anunciado para agora, dia 22, 23 e 29 de outubro, no início deste ano. Mais tarde foram saindo outras datas para este outono, sendo que a maioria foi anunciada em julho. Todos sabíamos que era pouco provável os Paramore irem em digressão sem lançarem pelo menos um single. 

Pois bem, eles lançaram-me This is Why a 28 de setembro, nas vésperas do primeiro concerto. Pareciam portugueses, deixando tudo para a última hora. 

Ainda assim, não me importaria com isso se eles não tivessem começado tão cedo com os indícios. – Quase três semanas antes, na altura em que a Rainha morreu, enchendo-nos de falsas esperanças de um lançamento daí a poucos dias. Quando foi propriamente anunciado, uma semana mais tarde, ainda faltavam quase duas semanas para o dia 28.

Mais incompreensível, para além da partidinha que nos pregaram com o "wr0ng" (ah ah, ainda não era desta que os Paramore recebiam o dinheiro das reproduções e do iTunes, hilariante), foi terem partilhado excertos de uma música que, conforme se veio a descobrir, não era This is Why. Com alguma pena minha pois gosto muito do que ouço nesses vídeos. E, sinceramente, não percebo a lógica – terá sido engano? 

Provavelmente será o segundo single – aposto que será The News. E talvez saia no dia 3 de novembro, como aparece no site oficial neste momento. Se sair, ou se sair mais algum single antes de sair o álbum (pelo menos mais um, quase de certeza), só devo escrever sobre isso num dos textos de fim de ano. 

E depois do já expectável milhar e meio de palavras de introdução, falemos sobre This is Why. 

Nem Now nem Hard Times me deixaram de joelhos quando saíram. Foram-se entranhando com o tempo, sim, mas ainda hoje não se encontram entre as minhas preferidas. Com This is Why está a acontecer mais ou menos o mesmo: precisei de ouvir algumas vezes para lhe tomar o gosto e mesmo agora não está entre as minhas preferidas dos Paramore ou mesmo deste ano. 

Ainda assim, acho que gosto mais de This is Why do que gostei de Now e Hard Times. Não tenho a certeza – já lá vão uns aninhos. 

Musicalmente, This is Why tem sido descrita como uma combinação do estilo de After Laughter e, um pouco, de Petals For Armor, com as sonoridades mais antigas dos Paramore. Não é uma música pesada – é dançante, rítmica, baseada mais em riffs e menos em acordes – mas é mais áspera, menos pop, que After Laughter. Nesse sentido, foi bem escolhida como primeiro avanço. 

Aliás, ouço imensas semelhanças com Hard Times: o ritmo, o tom falsamente animado, a letra curta, as metáforas com quedas na terceira parte, os acordes que pontuam os versos do refrão (fazem-me lembrar os que soam no final de Hard Times, entre "Makes you wonder why you even try" e "Still don't know how I even survive"). 

O refrão é mesmo a minha parte preferida de This is Why. Adoro as múltiplas vozes. 

Outro aspecto de que gosto é a longa introdução instrumental – dando tempo a Zac e a Taylor para fazerem a cena deles antes de Hayley entrar. Gosto dos padrões da bateria e das notas de baixo e guitarra. Em suma, um instrumental irrepreensível. 

Agora falemos sobre a letra. De uma maneira geral, This is Why fala sobre instintos misantrópicos, isolacionistas. Sobre estar-se farto de pessoas. O ponto de vista de Hayley é semelhante ao meu: no início da pandemia tinha algumas esperanças de que as dificuldades trouxessem ao de cima o melhor da Humanidade.

Nalguns casos terá trazido… mas na maior parte das vezes foi o contrário. 

Nem é preciso olharmos para o Mundo em geral. Olhemos só para o microcosmos do futebol, por exemplo, para o último mês, mês e meio. Tivemos crianças apanhadas no fogo cruzado das rivalidades clubísticas cá em Portugal. Em Java, na Indonésia, morreram cento e setenta e quatro pessoas e outras tantas ficaram feridas durante uma invasão de campo. Na Argentina morreu uma pessoa num incidente parecido, que envolveu confrontos entre polícia e adeptos. 

Pegando no argumento acima, seria de esperar que, após meses de futebol em estádios vazios ou de lotação limitada, quando os adeptos voltassem à bola fariam por serem civilizados. 

Ainda há pouco tempo saiu um estudo demonstrando que a maior parte das pessoas, sobretudo jovens adultos, sofreu desenvolvimento carácter negativo com os eventos dos últimos anos. Este artigo fala em "declínios na extroversão, abertura, amabilidade e consciência". No que toca a este género de ciência pop, é sempre necessário dar um desconto, claro. Mas a verdade é que o estudo condiz com a nossa percepção: estamos todos piores e tornamo-nos uns aos outros piores. 

A letra de This is Why reflete essa diminuição da extroversão: "This is why I don't leave the house". Hayley faz logo uma entrada a pés juntos: "If you have an opinion, maybe you should shove it". 

Temos aqui um problema semelhante a Hard Times: a letra é um pouco curta demais e, fora do contexto, pode ser mal interpretada. Pode parecer intolerância, recusa em aceitar opiniões diferentes das suas – precisamente um dos comportamentos que a banda diz criticar. É interessante compararmos This is Why com Ain't it Fun: "It's easy to ignore trouble when you're living in a bubble". Uma das mensagens de Ain't it Fun e do Self-titled em geral diz respeito à necessidade de sairmos das nossas zonas de conforto, das nossas casas, de modo a podermos crescer, expandir o nosso mundo. 

Dito isto… eu percebo. Em teoria sim, temos de ter mentes abertas, conversar com o outro lado, ouvir o que eles nos têm para dizer. Na prática, é difícil. É preciso que o outro lado esteja disposto a fazer o mesmo e isso nem sempre acontece. Além de que este tipo de conversas exige tempo e energia que nem todas as pessoas têm. 

E sobretudo, pelo menos no que toca às redes sociais, o jogo está viciado. Conforme explicado aqui na vizinhança, os algoritmos tendem a favorecer polarização, opiniões instantâneas e inflamadas, "da boca para fora", que suscitem likes, partilhas, guerras nas caixas de comentários ("Dare to have conviction 'cause we want crimes of passion"). João Ferreira Dias só refere o Facebook mas o mais certo é o mesmo passar-se com o Twitter, o Tik Tok, o YouTube e companhia. Em resposta – e eu mesma sou culpada disso – agarramo-nos aos nossos pontos de vista. Caímos nas chamadas "câmaras de eco", em que só recebemos notícias que confirmem as nossas convicções. Encaramos opiniões contrárias como ameaças, como ataques pessoais ("You're either with us or you can keep it to yourself"). 

Quando é assim, o melhor é não jogarmos ou arriscam-nos a fazer parte do problema. Os membros dos Paramore abandonaram o jogo há algum tempo – é raro eles mesmos usarem as redes sociais. 

Quanto a mim, faço por jogar segundo as minhas próprias regras. No meu "feed" do Twitter, os tweets aparecem por ordem cronológica e não por destaques – nem imaginam a diferença que faz, recomendo fortemente. Procuro evitar dar "opiniões instantâneas" – não é raro sair uma notícia qualquer que nos suscita uma reação, apenas para serem divulgados pormenores horas mais tarde, que mudam o contexto do caso. Tento usar as redes sociais quase só a propósito dos meus interesses e para contactar com família e amigos. 

Não tenho tido sempre um comportamento exemplar nas internetes, admito. Mas, por estes dias, tento ter. Ajuda muito não ser uma figura pública, não ter uma data de pessoas à espera que eu cometa um deslize para me cancelarem, e nunca ter sido alvo de cyber bullying até agora. 

Em todo o caso, agora quero ouvir o resto do álbum, para ver como é que este primeiro avanço se encaixa. Sobretudo tendo em conta que foi a última a ser composta e, segundo Hayley, traduzir a mensagem essencial de This is Why enquanto álbum. 

Aliás, adoro a maneira como a tracklist foi divulgada: escondida nas t-shirts que vendem nos concertos, estilo caça ao tesouro. Nem a Taylor Swift alguma vez se lembrou desta! 

E é tudo o que tenho a dizer sobre This is Why, pelo menos para já. Agora, nos próximos parágrafos, vou virar os holofotes para mim mesma, isto vai assemelhar-se a uma página do meu diário. Se não estiverem interessados, podem clicar noutro sítio, não levo a mal. 

O lançamento deste single marcou o fim de um setembro muito intenso para mim, sobretudo nos dias imediatamente antes. Aconteceu muita coisa na minha vida: estive uma semana de férias no Algarve, publiquei um texto novo aqui no blogue, tivemos dois jogos da Seleção, tive um "sunset", um concerto dos Simple Plan e dos Sum 41 (com Cassyette a abrir), vi Digimon Adventure Last Evolution Kizuna dobrado em português… duas vezes. 

Já que falo nisso, rever Kizuna um ano e meio depois não doeu, pelo menos não tanto como as primeiras vezes, mas foi outra vez uma catrefada de emoções, tive de passar de novo pelo processo de digestão e ainda não terminei. 

Acho que este filme irá sempre mexer comigo, mesmo depois de sair The Beginning. 

Quanto à dobragem em si? Adorei. O elenco português fez um excelente trabalho. A minha voz preferida é a da Menoa, por Vera Lima. Deixo uma amostra acima (sem Menoa, infelizmente).

Muitas das coisas que listei acima ocorreram em menos de uma semana. Atrasei-me com o meu texto sobre música portuguesa e passei um par de dias em stress para publicar no meu outro blogue antes dos jogos da Seleção. No sábado dia 24 de manhã, publiquei a crónica pré-jogos. À noite tive o tal sunset enquanto decorria a vitória de Portugal sobre a Chéquia. No domingo de manhã vi Kizuna nos cinemas pela segunda vez. Na segunda-feira tive o concerto. Na terça-feira Portugal perdeu com a Espanha e falhou a final four da Liga das Nações. Finalmente, na quarta-feira saiu This is Why. 

Foram muitas emoções diferentes em poucos dias: alegria, tristeza, stress, frustração, comunhão, desilusão, Kizuna. Houveram dias em que bebi café a mais, tive insónias a meio da noite e escrevi em modelos desatualizados de receitas manuais. Ainda não sei se irei partilhar o que escrevi – a minha versão de Midnights? 

Já não estava habituada a isto – sobretudo depois de dois anos e meio de pandemia. Terá acontecido mais naquela meia semana do que num ano ou dois. Coisas que não puderam acontecer durante muito tempo porque Covid. Foi bom. 

E não acabou aqui, na verdade. Este texto foi quase todo escrito durante uma viagem a Paris e a Zurique. Foi a primeira vez que vim ao estrangeiro desde antes da pandemia, tirando uma visita rápida a Salamanca há um ano. Não foi tão intenso como aqueles dias no final de setembro, mas foi ótimo. 

This is Why veio, assim, num momento feliz da minha vida. Aliás, Setembro foi um mês em que me fartei de descobrir ou redescobrir música, de diferentes formas e por diferentes motivos. Assim, compilei a playlist abaixo para captar, pelo menos em parte, a montanha-russa de emoções que foram aqueles dias. Deem uma espreitadela.

Entretanto vou ganhar vergonha na cara e tentar publicar pelo menos um dos textos que tenho em atraso antes do Mundial. 

Como sempre, obrigada pela vossa visita. Continuem desse lado.

publicado às 10:23

Top 10 música portuguesa #2

Segunda parte do meu top 10 de música portuguesa. Podem ler a primeira parte aqui.

Chegámos ao pódio da tabela. O bronze foi para...

3) João Pedro Pais – Louco Por Ti

Acho que nunca ouvi um álbum dele do princípio ao fim, só os singles, mas João Pedro Pais sempre foi um dos meus cantores portugues preferidos. As minhas primeiras recordações dele são de vê-lo cantando na televisão, no final dos anos 90. Depois disso, João foi sempre uma presença assídua nas rádios, nas bandas sonoras de telenovelas, nas compilações que ia comprando.

Um aspeto curioso em relação a João é a sua ligação a Bryan Adams (que, como vocês saberão, é o meu cantor preferido). Bryan convidou-o para abrir os seus concertos na Península Ibérica na digressão de 2003. Um gesto simpático… mas João teve de pagar as viagens do seu próprio bolso (que forreta, senhor Bryan!). Em todo o caso, João acabou por fazer amizades na banda dele. Mais tarde, voltou a abrir para Bryan em 2005 (e chegou a dar um saltinho à entrevista à RFM, incluída no DVD Live in Lisbon) e, ainda melhor, o próprio Keith Scott tocou nalguns álbuns de João. Ambos ficaram bons amigos. 

Pode-se argumentar que João e Bryan têm algumas semelhanças – ambos são cantores masculinos que tocam pop rock e cantam sobre amor. Eu definitivamente tenho preferência por este estilo.

A minha música preferida de João Pedro Pais é Louco por Ti, do seu álbum de estreia, Segredos. Em termos puramente musicais, gosto do crescendo no início – começa com um acompanhamento e uma melodia relativamente graves, apenas sintetizadores, bateria e o baixo. A certa altura soa um acorde de guitarra elétrica, a melodia sobe de tom e culmina no excelente refrão. 

Outro pormenor de que gosto é do facto de, ao contrário do costume, o solo de guitarra soar depois do terceiro refrão e não antes.

Esta canção foi reeditada no álbum 20 anos, que João lançou em 2017 para celebrar duas décadas de carreira. Neste álbum, ele regravou os seus êxitos e eu definitivamente prefiro esta versão de Louco Por Ti.

Também gosto muito da letra. Um dos motivos pelos quais me afeiçoei à música foi por se aplicar bem à uma história que escrevi quando era adolescente. Da maneira como a interpreto, Louco por Ti fala sobre o início de uma relação (vamos assumir que é um casal heterossexual). Ambas as partes estão interessadas, mas ela é mais atrevida, mais "prá frentex" (ainda se usa essa expressão?), enquanto ele – o narrador – é mais retraído, em parte por causa de pressões de terceiros. No fundo é um conflito entre o desejo e a timidez. 

Não digo que Louco Por Ti esteja objectivamente entre as melhores canções portuguesas, mas é uma das minhas preferidas. Agora espero voltar a ter uma oportunidade de ver João Pedro Pais ao vivo, tocando esta e muitas outras. 

2) António Variações – Canção do Engate

Nem toda a gente concordará com algumas das minhas escolhas nesta lista de melhores canções portuguesas, mas acho que esta será bastante consensual. Não preciso de apresentar António Variações, toda a gente sabe quem foi. Uma das grandes injustiças deste mundo é ele ter tido uma carreira tão curta. O VIH é uma grande besta.

Há quem acredite no “live fast, die young” no que toca a músicos. Há quem romantize artistas como estes, que desaparecem enquanto estão em alta, sem nunca produzirem trabalhos de menor qualidade que os seus antecessores, sem nunca perderem a juventude, a beleza, a energia. E, nos tempos que correm, sem nunca serem “cancelados”.

Eu não alinho nisso. Já tive as minhas perdas e cheguei à conclusão que quero vidas longas para os “meus” músicos. Mesmo que os trabalhos vão perdendo qualidade, mesmo que deixem de fazer música. Ao menos estarão cá para cantarem os velhos êxitos nos concertos ou, na pior das hipóteses, continuarem a ouvir os elogios e as homenagens.

Tenho pena, assim, de não ter vivido ao mesmo tempo que António Variações. Uma coisa que me surpreendeu no filme Variações – corroborada mais tarde, quando pesquisei sobre o assunto – foi o lado mais tradicional de António. A sua paixão pela música tradicional portuguesa, por Amália Rodrigues (com quem fez amizade), e em simultâneo um artista à frente do seu tempo, com um visual arrojado e influências modernas.

Se me permitem o parêntesis, há uns tempos encontrei uma entrevista de Júlio Isidro à dona Deolinda de Jesus, mãe de António Variações, e ao irmão dele, uns anos após a sua morte. Aparentemente foi retirada do YouTube pois agora já não a encontro. O que é uma pena. Gostava que ouvissem a ternura com que D. Deolinda falava sobre o filho. Daquilo que me recordo da entrevista (e posso estar a recordar mal), a música preferida dela era “É P’ra Amanhã” e ia repetindo que o António “era muito amigo da sua mãe”.

Não tenho experiência própria do Portugal dos anos 70 e 80, mas imagino que não tenha sido fácil para D. Deolinda apoiar o filho. Era a obrigação dela como mãe, claro, mas vivia numa aldeia do interior, num Portugal ainda a recuperar da ditadura, e tinha um filho homossexual e exuberante. Imagino o que ela terá ouvido. 

Mas encerremos este aparte. A minha música preferida de António Variações é a Canção do Engate, uma das mais conhecidas dele. 

O título foi uma das últimas coisas que descobri acerca da música. Não me recordo exatamente como descobri, mas lembro-me de ter ficado surpreendida. “Canção do Engate”? A sério? Um título tão prosaico, quase brejeiro, para uma música tão bonita?

A verdade é que esse paradoxo define bem a canção. É uma maneira bonita de tentar seduzir alguém para um caso de uma noite de só, de… bem, engatar alguém. A música procura romantizar algo que não é propriamente romântico, pelo menos não da maneira tradicional. A letra fala de duas pessoas que pretendem usar-se uma à outra para combater a solidão. Uma dela ainda tem esperanças numa ligação romântica, outra – o narrador – tem uma perspetiva mais cínica, quer sexo e mais nada.

Agora que penso nisso, faz-me lembrar Give You What You Like, de Avril Lavigne – é como se fosse a perspetiva da outra pessoa. I’ve got a brand new cure for lonely (“brand new” é como quem diz… Deve ser das curas mais antigas da humanidade). A narradora sente-se sozinha, aceita envolver-se com a outra pessoa desde que esta finja que a ama, nem que seja só por uma noite. 

Por outro lado, não podemos ignorar que a letra terá quase de certeza sido inspirada pelas experiências de Variações como um homem homossexual nos anos 70 e 80, conforme referido neste artigo. Não me vou alongar muito pois não faço parte da comunidade, não tenho direito a isso.

Toda a música, aliás, tem um tom algo melancólico, fruto tanto da letra como do acompanhamento musical e da interpretação de Variações. Não é óbvio à primeira audição, mas quando reparamos nele não dá para ignorar. Uma vez mais, esta melancolia, esta solidão, é uma coisa muito portuguesa. 

Como seria de esperar uma música extraordinária como esta, existem várias versões por outros artistas. Não gosto muito da versão do filme Variações – Sérgio Prata não canta a melodia como deve ser – mas gosto do instrumental e Sérgio tem uma voz fantástica.

Há coisa de uma década, Tiago Bettencourt gravou a sua própria versão – acústica, acompanhada por uma orquestra. Andei obcecada por esta em 2014, altura em que a apanhava muitas vezes na rádio. É uma versão lindíssima: a orquestra dá um tom grandioso à canção.

Essa obsessão arrefeceu, mas ainda gosto muito desse cover. Por estes dias, tenho andado fixada na versão dos Delfins. Já falámos deles na publicação anterior, a propósito de 1 Lugar ao Sol. Por sinal, essa música tem algumas semelhanças com a versão deles de Canção do Engate. É também um tema pop rock cuja produção confere um carácter atmosférico à música. Atentem à secção instrumental depois da segunda estância. 

Outra diferença em relação ao original é o ritmo mais rápido. Isso por um lado é bom: praticamente a única falha da versão do Variações é esta por vezes arrastar-se. Por outro lado… a música original era mais lenta por um motivo. Pode-se argumentar que a versão dos Delfins é um tudo nada demasiado alegre. Mas é uma falha menor, na minha opinião.

António Variações teve uma carreira mais curta do que merecia, mas ainda conseguimos sentir o impacto do seu trabalho nos dias de hoje. Ainda agora Marisa Liz interpretou um inédito de Variações, intitulado Guerra Nuclear. Gosto imenso da música – terá sido composta há coisa de quarenta anos mas é assustadoramente relevante nos dias de hoje. 

Quer-me parecer que a música de António Variações continuará no imaginário colectivo durante muitos anos ainda. Gosto de pensar que estou a contribuir para isso com este texto. Fica aqui. 

1) GNR – Sangue Oculto

Chegámos ao topo da lista. Sangue Oculto é uma canção que descobri quando tinha nove ou dez anos. Se a memória não me falha, foi quando me ofereceram o meu primeiro Discman (quem não saiba o que é, que vá ao Google), juntamente com a compilação Anos 90 Bem Medidos. Esta era a faixa que abria o segundo CD – por causa disso, ainda hoje, de vez em quando, gosto de ouvir Mundo de Aventuras depois de Sangue Oculto. Fiquei muito rapidamente obcecada pelo tema dos GNR e de Javier Andreu. Lembro-me de imaginar os três protagonistas de Sonic Underground (na altura passava no Batatoon) tocando esta música.

Infelizmente, acabei por perder o segundo CD e estive vários anos sem ouvir Sangue Oculto, tirando uma vez ou outra. Por sinal, uma das vezes foi numa das minhas primeiras visitas ao Alvaláxia, no primeiro ano de vida do Estádio Alvalade XXI. Alguns meses mais tarde, no dia em que ia ver o Portugal x Espanha do Euro 2004 – o meu primeiro jogo de futebol – lembrei-me da ocasião e andei a cantarolar a canção para mim mesma. Na altura não me ocorreu o quão adequado era cantar um dueto luso-espanhol no dia de um duelo ibérico. Pouco mais de um ano mais tarde, no dia do meu segundo jogo da Seleção – se não me engano, um jogo com o Luxemburgo, no Estádio do Algarve – apanhei a música na rádio.

Todas estas coincidências fizeram com que começasse a associar a música à Seleção. Anos mais tarde, adicionei-a à respetiva playlist. Adequa-se particularmente a jogos entre Portugal e Espanha, como disse acima. Durante o Mundial 2018, a RTP3 fez uma pequena montagem com imagens do nosso empate com nuestros hermanos e eu adorei. 

Não me posso esquecer de fazer uma story ou algo similar quando jogarmos com eles, na próxima semana.

Recuando um pouco, em finais de 2007, descobri que era possível comprar ficheiros de mp3 no site da RFM. Eu já usava leitores de mp3 há algum tempo, mas apenas com músicas “ripadas” de CDs (a única exceção era a discografia dos Linkin Park, conforme escrevi aqui). Tinha boas intenções, queria continuar a adquirir música legalmente (a maior parte das vezes, pelo menos), logo, usei esse site e a primeira música que comprei foi precisamente Sangue Oculto. 

Acabei por apanhar um balde de água fria pois o meu leitor de mp3 não conseguia ler o ficheiro que eu comprara (acho que estava bloqueado ou assim). Conseguia ouvi-lo no computador, mas não em mais lado nenhum. 

Algumas semanas depois saquei a música por meios… menos legais. Aliás, toda esta experiência dissuadiu-me de comprar música online durante vários anos. Ainda assim, no meu cânone pessoal, Sangue Oculto destaca-se por ter sido a primeira música que saquei da Internet eu mesma.

Mas está na altura de falarmos sobre a música em si. Começando pela letra. Sangue Oculto foi tema de um dos primeiros episódios do Responder à Letra de Gilmário Vemba. Aliás, foi esse episódio, ficado na minha canção portuguesa preferida, que me inspirou a escrever este texto. 

Não vou defender os GNR nesta. Concordo com o Gilmário, a letra não faz sentido nenhum. Nunca fez, embora eu nunca tenha pensado a fundo nela até ouvir o Gilmário. Isto na verdade é um problema recorrente com os GNR (que, apesar de tudo, são das bandas portuguesas que mais gosto). Como disseram num episódio mais recente de Responder à Letra, muitas vezes não se percebe se é suposto as canções terem algum sentido ou se são apenas frases ao calhas. E se o Gilmário se puser, um dia, a ouvir Ana Lee, até se passa. 

Mal posso esperar. 

Regressando a Sangue Oculto, esta letra nem sequer é daquelas suficientemente vagas para projetarmos os significados que queremos: está mais além disso. Ninguém pode refutar as nossas interpretações porque a letra não é suficientemente coerente para alguém discordar. 

Por exemplo, no meu caso, eu associo-a à Seleção, ainda que sobretudo por motivos alheios à letra em si. Por outro lado, encontro algumas semelhanças com a letra de Heat of The Night, de Bryan Adams – também ela confusa, com referências vagas a fogo e/ou calor e luta nas ruas. Por outro lado, consta que Sangue Oculto fez parte da banda sonora de Lua Vermelha, uma série vampiresca da SIC que tentava explorar a febre Twilight… o que acho hilariante. 

A propósito, parece que a SIC se prepara para estrear uma novela chamada Sangue Oculto. Terá mesmo sido inspirada por esta canção, já que soa durante o genérico. Ironicamente, as premissas parecem ser exatamente aquelas que o Pôr-do-Sol caricatura (ainda só vi os primeiros episódios). Ninguém na SIC percebeu a mensagem…

Por fim, a propósito do Responder à Letra sobre Sangue Oculto, o António do Odaiba Memorial Day PT disse-me que a música lhe fazia pensar em Digimon Fronteira. Entre as referências fogosas e a barreira/barragem de fogo que pelos vistos é uma fronteira, faz algum sentido.

Na verdade, aquilo que mais gosto na música é o instrumental. Do princípio ao fim. Quase todos os instrumentos brilham em Sangue Oculto. O baixo tem um padrão interessante; adoro as notas de piano pontuando o refrão; a bateria vai fazendo o que quer. Quando saquei Sangue Oculto, passado todo aquele tempo, o meu eu de dezassete anos adorou o facto de esta música ter, não só um solo de guitarra mas também um solo de piano. Nem sequer sabia que era possível. 

Há uns anos, os GNR fizeram um concerto em conjunto com a banda sinfónica da GNR (a Guarda Nacional Republicana, não o Grupo Novo Rock). Gosto imenso do que fizeram com Sangue Oculto – os metais soam fantásticos.

Por fim, gosto da interpretação de Javier Andreu, mas ainda mais da de Rui Reininho – ele tem uma das vozes mais bonitas de Portugal. Aliás, adoro o facto de isto ser um dueto bilíngue. De as duas partes do refrão serem traduções uma das outras, ainda que imperfeitas (barreira? barragem?), de Reininho e Andreu irem cantando à vez e, depois, ao mesmo tempo. É super giro, é algo que nunca ouvi em mais nenhuma música. 

Objetivamente, talvez Sangue Oculto não mereça estar no topo desta tabela. Temas como Canção do Engate, Mariana, Chamar a Música, Porto Côvo ou mesmo Louco Por Ti serão melhores canções. Mas, lá está, Sangue Oculto é uma das minhas preferidas de todos os tempos. Adoro-a há mais de vinte anos. Mesmo merecendo menos do que outras, eu tinha de colocá-la em primeiro lugar. De outra forma, não estaria a ser honesta comigo mesma. 

Agora tenho mesmo de ir a um concerto dos GNR, mesmo que Javier Andreu não esteja lá para cantar Sangue Oculto. Mas espero que esteja!

E pronto, são estas dez das minhas músicas preferidas em português de Portugal. Foi divertido redescobrir estas canções tão especiais para mim.

Quanto aqui ao estaminé, este não deverá ficar parado durante muito tempo. Os Paramore estão finalmente a sair da toca e vão lançar um single – This is Why – no dia 28 de setembro. Naturalmente, esse single será assunto do próximo texto cá do blogue. Não vou começar a escrevê-lo logo logo – This is Why sai no dia a seguir ao jogo com a Espanha, ou seja, ainda estarei ocupada com o meu outro estaminé. Mas não será mau tirar uns dias para refletir sobre a música – e possivelmente ler e/ou ouvir eventuais declarações da banda sobre This is Why e o álbum que se avizinha.

Uma vez mais, obrigada pela vossa visita. Continuem por aí.

publicado às 08:44