Álbum de Testamentos

Música 2022 #2: Justiça para as B-sides de Let Go (e para as outras também)

Primeira publicação de 2023! Bom ano, minha gente!

Como já terão concluído por vocês mesmos, estes textos vêm com um longo atraso, ainda maior do que previ. Estou numa altura da minha vida em que está a acontecer muita coisa, tenho imenso que gerir. Primeiro foi o Mundial 2022, depois foram as festas. Mesmo agora tenho assuntos pessoais e de trabalho que me roubam tempo de escrita.

De escrita e não só. Ainda não acabei Pokémon Scarlet, apesar de ter comprado o jogo no dia em que saiu, há dois meses.

Mas pronto, já consegui publicar esta parte. Por acaso, estou bastante entusiasmada por escrever este balanço. 2022 foi um ano bastante rico, musicalmente e não só. Se só conseguir terminá-los em meados fevereiro… quem se rala?

Adiante. Nesta parte do balanço musical de 2022, vamos falar sobre Avril Lavigne. Alguns de vocês poderão ter estranhado não ter dedicado um texto inteiro a Love Sux. Não cheguei a escrever esse texto porque, bem, Love Sux quase literalmente entrou a cem e saiu a duzentas. É até agora o álbum de Avril que menos gosto. Não o odeio, apenas me é indiferente – o que pode ser pior que de facto odiar. É esquecível, não tem uma única música que eu adore a sério – ao contrário de todos os outros trabalhos de Avril. Estive meses e meses sem ouvi-lo, só voltei a fazê-lo há pouco tempo – e apenas em preparação para este texto.

Como já se sabia que iria acontecer – e como foi referido neste texto – em Love Sux, Avril abraçou a fundo o estilo pop punk. Infelizmente, o resultado final tem várias das falhas que têm sido apontadas a todos estes músicos apadrinhados por Travis Barker. Nomeadamente o facto de o som ser pouco original, quase um copy-paste do estilo típico dos Blink-182. 

Love Sux em particular é demasiado homogéneo, com músicas que se confundem umas com as outras. Como sempre gostei da diversidade dos álbuns da Avril anteriores a este, isto para mim é um problema. As faixas são demasiado curtas – só três delas têm mais de três minutos – sem pausas instrumentais, em ritmo acelerado (tirando Dare to Love Me e Avalanche). Todos os intervalos são preenchidos com “Whoa!” ou “Na na na” ou monossílabos do género – daqueles incluídos para tentar cativar o público num concerto. Quando o álbum saiu, um outro sobrevivente do Fórum Avril Portugal comentou comigo que não sabia como é que Avril ia cantar estas músicas em palco. Ela sempre foi inconsistente em palco e, agora, este é um álbum acelerado que quase não lhe dá um momento para respirar.

A verdade é que já lá vai quase um ano e uma data de concertos. Não sei se ela tem incluído muitas músicas do Love Sux nas setlists. Não quero ir ao Google para evitar spoilers para o concerto de Zurique.

O pior são as letras. Love Sux é basicamente uma extensão de I Can Do Better com letras mais elaboradas – na forma, não no conteúdo. Uma série de break up songs imaturas, movidas a mesquinhez e espírito vingativo (e nem sequer com a piada de C’est Comme Ça). “Ex”s que lhe dão vontade de vomitar, insultos, ameaças de atropelamento, entre outras coisas super dignificantes. 

Isto era uma coisa aquando de The Best Damn Thing, quando eu tinha dezassete anos e Avril vinte e dois (e mesmo assim cansei-me relativamente depressa de I Can Do Better). Outra coisa é agora, que estamos ambas na casa dos trinta – e Avril está próximo dos quarenta. Nenhuma de nós é adolescente há muito tempo – e eu pelo menos não quero voltar a sê-lo. Porque se porta Avril como uma? Quem acha piada a isso?

Já que falo disso, permitam que me estique, que faça especulações e tece juízos de valor sobre a vida amorosa alheia. Uma coisa que me tem incomodado nos últimos anos é que, pelo menos no que toca ao seu cânone musical, Avril nunca admite culpas pelas suas relações falhadas – a única exceção é I Will Be, que de resto é uma B-side. Avril já teve vários parceiros, já foi casada duas vezes, mas aparentemente nunca lhe ocorreu que ela poderá ser pelo menos parte do problema. Até Taylor Swift, de todas as pessoas, admite culpas desde pelo menos Reputation. Às tantas não é o amor que não presta, é ela. Avril precisa de olhar para si mesma e perceber o que está errado ou continuará a ter azar no amor.

Mas, lá está, isto é apenas especulação à mistura com psicologia barata. Nada me garante que as letras de Love Sux sejam um reflexo fidedigno dos valores de Avril – pode ser apenas uma imagem que ela projeta. Ela neste momento está noiva de Mod Sun, que me parece um bom rapaz q.b. Pode ser que eu esteja enganada e que o casamento resulte. Eu pelo menos não desejo outra coisa. 

Regressamos a Love Sux. Olhemos mais de perto. Já escrevi sobre Bite Me antes e, na minha opinião, é das melhores. Ainda pensei que isso fosse por a ter ouvido antes de todas as outras – aliás, pelo menos algumas faixas em Love Sux funcionam melhor fora do contexto do álbum. No entanto, Love it When You Hate Me também foi lançada antes e dessa não gosto. A melodia na primeira estância até é agradável ao ouvido mas esse é o único ponto a favor da música. Meu Deus, que letra mais vazia!

Cannonball é das poucas neste álbum de que gosto. É possível que seja por ser a primeira do alinhamento – ainda não dá tempo para me fartar do estilo. Por outro lado, na minha opinião, Cannonball tem elementos que a elevam acima das demais: aquela introdução explosiva com uns vocais impressionantes, aquela espécie de rap que combina bem com o ritmo acelerado. Também gosto dos “Whoa! Whoa!” na terceira parte, mas acho que deviam ter sido repetidos pelo menos uma vez. 

É o problema das músicas demasiado curtas. Quando estamos a gostar, sabem a pouco. 

Outra de que até não desgosto é All I Wanted, o dueto com Mark Hoppus. Sempre foge à fórmula do resto do álbum e as vozes dos dois casam bem. A letra aborda velhos tropos do pop punk – nostalgia, desejo de fugir à terra natal – mas sempre tem mais substância que noventa por cento de Love Sux. 

Queria agora falar sobre as duas músicas que fogem um pouco à fórmula: Avalanche e Dare to Love Me. A sonoridade da primeira até é interessante, o híbrido de balada rock com o pop punk do resto do álbum mas… outra vez… A letra é tão. Má. Vaga, cheia de clichés, é tão frustrante. 

Sim mulher, estás com problemas, a vida é difícil, mas explica porquê, caramba! Dá-nos pormenores!

Da mesma maneira, antes da edição de Love Sux, estava curiosa em relação a Dare to Love Me. Esta até tinha potencial. Acho que nunca cheguei a escrevê-lo em nenhum lado, mas há anos que desejava que Avril voltasse a incorporar guitarras elétricas nas baladas. Ela fazia-o nos seus primeiros álbuns – em músicas como I’m With You, Naked, My Happy Ending, Fall to Pieces, Slipped Away – mas, a partir de The Best Damn Thing deixou de fazê-lo. 

Uma vez mais, o instrumental de Dare to Love Me não é mau, o problema é a letra. Uma vez mais, Avril perde-se em lugares-comuns, não verte o seu carácter na música. Medo de ser abrir ao amor é assunto de inúmeras canções e quase todas – incluindo duas de que falarei mais à frente neste balanço – exploram melhor o tema. 

Love Sux teve uma edição Deluxe, lançada agora no fim de 2022. Acho que não ouvi Pity Party nem Mercury in Retrograde segunda vez, mas I’m a Mess é um caso à parte. Este dueto com Yungblud não se encaixa super bem no álbum. Começa guiada pela guitarra acústica, à qual se junta o piano até evoluir para uma grandiosa balada pop rock. A letra fala sobre saudade – é a terceira música, não, o terceiro single de Avril sobre este tema.

Ou seja, é mais uma canção que não traz nada de novo, quer em termos de letra, quer em termos de sonoridade. No entanto, na minha opinião, sempre tem um bocadinho mais de carácter e emoção que o resto de Love Sux. Gosto da imagem inicial da letra, das ruas vazias de Londres (suspeito que essa parte da letra tenha vindo de Yungblud, infelizmente). Nesta altura da carreira de Avril, eu aceito. 

O pior é que, na divulgação do single, Yungblud cortou o cabelo de Avril. Fica-lhe agora pouco acima dos ombros. Pela primeira vez na minha vida tenho o cabelo mais comprido do que Avril e… não gosto! O cabelo comprido era a imagem de marca dela!

No fundo, muitos dos problemas de Love Sux são uma continuação dos de Head Above Water: falta de profundidade, de originalidade, até mesmo os refrões circulares. Misturem isso com imaturidade, um som demasiado homogéneo e temos Love Sux. Este é o primeiro álbum em que nem uma única música me agarrou pelo coração – nem sequer posso dizer que gosto da maioria. Admito dar alguma rotação a Cannonball, Bite Me, All I Wanted no futuro, mas não vou incluir nenhuma música da edição-padrão de Love Sux na minha habitual playlist do ano. Não seria honesto. 

Eu compreendo o que alguns de vocês quererão dizer. Nunca estou satisfeita com nada. Aquando de Head Above Water disse que preferia que Avril não tentasse ser séria ou profunda e agora, que não está a fazê-lo, continuo a queixar-me. Talvez tenham razão. Talvez Avril já não me consiga agradar. A expressão que me ocorre não tem boa tradução em português: “I’ve outgrown her”.

Basicamente, tornei-me naquilo que nunca pensaria ser há uma década: um daqueles fãs que só gostam dos primeiros álbuns de Avril e das B-sides.

E por falar nisso…

Em 2022 assinalaram-se vinte anos desde a edição de Let Go, o primeiro álbum de Avril e ainda hoje o meu preferido dela. A propósito disso, o álbum foi re-editado e eu por acaso gostei muito do que fizeram nessa edição especial – ainda que com alguns asteriscos. Foi uma tarde de folga engraçada, a de 3 de junho – dia em que saiu a re-edição – tentando ouvir o álbum no carro, na versão gratuita do Spotify, enquanto andava de um lado para o outro fazendo recados.

Esta re-edição conseguiu captar o melhor de dois mundos. As músicas não foram regravadas, como fizeram Taylor Swift e Bryan Adams. São os mesmos vocais deliciosos do tempo de Let Go: mais graves, menos polidos, mais frágeis, com mais nuances. Avril nunca conseguiria recriá-los hoje em dia.

Ao mesmo tempo, à semelhança das regravações, estas novas versões têm pormenores novos em número suficiente para dar uma nova vida às músicas. Os instrumentais e os vocais têm melhor qualidade, para começar. Além disso, incluíram elementos de algumas versões demo, o que é um bónus simpático para fãs mais hardcore como eu. Mobile e Tomorrow são os exemplos mais óbvios.

Infelizmente, não fizeram o mesmo com Naked, o que é uma pena. Teria adorado se o instrumental fosse mais parecido com o da versão demo. 

A re-edição também inclui conteúdo extra… mas não em quantidade suficiente, na minha opinião. 

Let Go tem uma data de B-sides que estão disponíveis na Internet há muitos anos – ainda que não nas plataformas oficiais. Segundo consta – as fontes não são super fidedignas – elas terão sido editadas num álbum promocional que terá sido enviado para as rádios no final de 2001. Esta edição de vigésimo aniversário teria sido a oportunidade ideal para lançar estas faixas oficialmente e em boa qualidade… e eles desperdiçaram-na.  

Tirando Make Up, cada uma das faixas-extra já tinha sido lançada oficialmente de uma forma ou de outra. I Don’t Give foi incluída nalgumas versões do single de Complicated (lembram-se de quando os singles incluíam faixas-extra?), teve apresentação ao vivo no DVD My World e faz parte da banda sonora do segundo filme do American Pie. Why (com uma roupagem diferente da edição de aniversário) também foi lançada com Complicated na Austrália e na Europa, em algumas versões de Let Go e no EP que acompanhou o DVD My World. Get Over It sai nalgumas versões do single de Sk8er Boi. Falling Down faz parte da banda sonora do filme Sweet Home Alabama. Finalmente, como será do conhecimento geral, Breakaway foi gravada e lançada por Kelly Clarkson.

Mas aproveito para falar sobre essas músicas. Como já escrevi antes, gosto da versão oficial de I Don’t Give, mas prefiro a versão ao vivo – a tal incluída no DVD My World. A faixa editada oficialmente é “limpa”, mas a que foi incluída no CD B-sides inclui o termo “shit” e era assim que Avril a cantava. A ideia que eu tenho é que I Don’t Give esteve quase quase a ser incluída na edição padrão de Let Go. Não chegou a sê-lo porque a mãe de Avril a terá vetado. Numa entrevista de 2006 que agora não consigo encontrar agora, lembro-me de ler Avril dizendo que a mãe não a deixara lançar uma música com os termos “damn” e “shit” em Let Go. Mas agora já não era adolescente e o seu próximo álbum – The Best Damn Thing – seria mais explícito. 

Avril não refere nenhum título, mas tenho quase a certeza que estava a falar de I Don’t Give.

Eu diria que a dona Judy não se devia ter metido. Por outro lado, se era para incluir I Don’t Give, teria de ser a versão mais pop punk – não sei se os produtores deixariam. 

Falling Down e Get Over It são OK. Gosto mais da primeira, um número acústico charmoso. A segunda tem uma letra demasiado estranha para o meu gosto. Também esta tem uma versão explícita, mas não da maneira convencional. Apenas trocaram “don’t turn around, ‘cause you’ll get punched in the face” por “don’t turn around, I’m sick and I’m tired of your face” – a primeira, se calhar, era demasiado violenta para as sensibilidades dos produtores.

Make Up também é OK. Não percebo porque, de todas as B-sides, escolheram esta para editar. Nada contra, claro, apenas gostava de saber o motivo.

Talvez seja pela ironia. Uma música sobre não usar maquilhagem quando o smokey eye se tornou rapidamente a sua imagem de marca, quando a própria Avril confessou ser viciada no eyeliner preto. Claro que Make Up é sobre maquilhagem metafórica. No início da sua carreira, um dos lemas de Avril era ser ela mesma, ser honesta com a sua música. Algo que ela perdeu pelo caminho, como assinalámos antes.

Uma palavra para Breakaway – a única que Avril gravou recentemente para esta reedição. Já tinha escrito sobre a música em 2014, quando apareceu na Internet uma demo na voz de Avril, gravada aquando dos trabalhos para Let Go.

Depois disso, Avril pareceu querer recuperar Breakaway – em 2019 cantou-a na digressão de Head Above Water. Na altura isso não me agradou muito: é uma versão muito mais leve de reclamar um filho que se deu para adoção. No entanto, Kelly Clarkson entrevistou Avril no seu programa e ambas fartaram-se de trocar elogios em relação a Breakaway – vale a pena ver, é bonito.

Se Kelly não se importa que Avril a cante, eu não tenho o direito de me importar. E fico à espera do dueto.

Quanto à versão de 2022 da Avril, não tenho muito a dizer. O instrumental tem um toque rock agradável e o desempenho vocal de Avril é irrepreensível. Gosto em particular dos backvocals no último refrão. 

No entanto, mantenho o que escrevi em 2014: Breakaway soa melhor na voz de uma menina de quinze ou dezasseis anos dando os primeiros passos no mundo da música. Definitivamente não na voz de uma mulher celebrando vinte anos de carreira. Continuo a preferir a versão demo. 

Por fim, temos Why. Esta em si não é inédita, mas esta versão é. Foi a grande surpresa desta edição de aniversário. Depois de anos e anos com uma versão só com guitarra em voz, temos Why com instrumentação completa.

Esta nova roupagem de Why teve um significado especial para mim pois tenho um histórico curioso com a música. Não sei se já o referi cá no blogue, mas adquiri o DVD My World antes de ter o Let Go. Recebi-o juntamente com o Under My Skin no Natal de 2004 – pensava que o My World era o primeiro álbum de Avril. Como ainda não tínhamos leitor de DVD na altura, dei mais atenção ao CD que o acompanhava, onde estava Why. Algures em fevereiro de 2005, andei brevemente obcecada com a música. Eu tinha quinze anos – a mesma idade que Avril tinha quando a compôs. 

Só anos mais tarde é que descobri a história por detrás de Why. Foi uma das primeiras compostas para Let Go, em parceria com Peter Zizzo, o produtor que a descobriu e a trouxe para Nova Iorque. No ano passado, em entrevista, Avril revelou que escreveu a letra de Why baseando-se em desentendimentos com a sua mãe. Zizzo tê-la-á persuadido a adaptar a letra a uma relação amorosa. 

Pena termos demorado vinte anos a obter esta informação mas, olhando para a letra, faz sentido. Why é claramente sobre falhas de comunicação.

Why foi também a música que Avril cantou para LA Reid na sua apresentação. Conseguiu-lhe o contrato com a Arista, mas também tê-la-á levado a assumir que ela tomaria um rumo mais folk.

A música resultaria bem com um arranjo nesse estilo, não tenho dúvidas. Mas aplicando-lhe o filtro Let Go, como nesta nova versão, ficou perfeita. Estou surpreendida por se ter mantido inédita durante vinte anos quando, lá está, inúmeros outras B-sides e demos vieram parar às internetes. E se tinham esta versão completa na gaveta, porque incluíram a versão só acústica no DVD My World, nos singles, etc? É que nem sequer se limitaram a pegar na versão só acústica e a acrescentar instrumentos. A nova versão tem uma gravação vocal diferente e é provável que tenha sido feita mais tarde, já com este instrumental na ideia. 

É possível que esta versão tenha ficado inacabada por um motivo qualquer durante estes anos todos – e só a concluíram para o vigésimo aniversário. Talvez tenham achado preferível, antes, lançar uma versão só acústica em vez de uma com o instrumental incompleto nos singles e afins. É a única explicação que me ocorre. 

Em todo o caso, esta nova versão de Why reacendeu a minha obsessão pela música, mais de dezassete anos depois. Ficou em quinto lugar no meu top da Last FM e em décimo-terceiro no meu top do Spotify. É uma das minhas preferidas de 2022.

Eu queria mais disto na reedição de Let Go. Queria mais B-sides remasterizadas. Os fãs mais casuais de Avril mereciam ouvi-las nas plataformas oficiais.

Não porque essas B-sides sejam músicas excelentes, nada disso. As músicas da edição-padrão são melhores que a maioria destas B-sides – são pouquíssimas as que editaria em Let Go. As letras são inconsistentes, algumas não fazem sentido e/ou entram em territórios esquisitos. Mas essa bizarria tem o seu charme. Representa uma faceta diferente de Let Go, uma faceta que eu queria que mais fãs conhecessem – tal como eu fiz com a re-edição de Hybrid Theory e as faixas do baú das regravações de Taylor Swift. Além de que algumas destas canções mostram diferentes facetas de Avril, facetas que ela exploraria em trabalhos futuros. O lado mais romântico (Stay (Be the One), Once and For Real), o lado mais sábio (Move Your Little Self On), o lado mais brincalhão (Headset, Take Me Away).

Já que nem Avril nem a sua equipa fizeram justiça pelas B-sides de Let Go, fá-la-ei eu mesma. 

Até porque estas B-sides têm valor nostálgico para mim. Os primeiros vídeos que vi no YouTube, algures nos finais de 2006, foram de algumas destas canções – numa altura em que andava sedenta de música nova de Avril. Acho que na altura ainda usava uma ligação por telefone e vídeos de três minutos levavam eternidades a carregar. Ia ouvindo as canções um segundo ou dois de cada vez. Lembro-me de Headset, que tem uma introdução instrumental de quase trinta segundos, ser particularmente penosa.

Os jovens de hoje não aguentariam.

Claro que, entretanto, obtivemos uma ligação melhor. Fiquei a conhecer todas estas músicas entre 2006 e 2008, 2009. Foi uma alegria quando, finalmente, aprendi a sacá-las. A partir de certa altura comecei a montar vídeos para algumas delas, no Windows Movie Maker – claro que envelheceram pessimamente, mas hoje têm valor sentimental para mim.

Dito isto… modéstia à parte, a que fiz para Let Go continua boa.

Mas falemos sobre as músicas em si. All You Will Never Know é um tema agradável cuja letra parece uma precursora de Stop Standing There. A narradora está à espera que a pessoa de quem gosta retribua os seus sentimentos, tome a iniciativa, antes que ela perca o interesse. Ao mesmo tempo, Move Your Little Self On tem uma letra menos consistente, mas tem partes que parecem antecipar as mensagens de Everybody Hurts e Darlin’ (embora esta última, tecnicamente, tenha sido composta antes de Avril ter sido descoberta). 

Uma das que mais gosto é de Tomorrow You Didn’t, mais pelo instrumental, embora a letra até seja interessante. O padrão dos acordes de guitarra faz-me recordar Hot. Por outro lado, Take Me Away (sabiam que Avril tem duas músicas com este título? Alguns fãs chamam a esta Pick Me Up para distinguir.) é algo estranha: as estâncias têm uma sonoridade pop, estilo Complicated, o refrão e a terceira parte têm uma sonoridade mais agressiva, estilo Losing Grip. 

Pessoalmente gosto, mas não me choca se for demasiado bizarra para alguns ouvintes. De qualquer forma, o solo de guitarra é muito fixe.

A letra tem o seu quê de WTF – as estâncias encorajando o ouvinte a cometer atos que eu acho que são crimes – mas essencialmente Take Me Away transmite uma mensagem de carpe diem, um tema que Avril tornaria a abordar em músicas posteriores.

You Never Satisfy Meé uma que só comecei a apreciar há pouco tempo. A letra e o desempenho vocal são bons, nada a assinalar, mas este instrumental é mais interessante do que o da maioria das outras B-sides. Começando pelos teclados (ou sintetizadores?) na introdução, o órgão semelhante ao de Unwanted no refrão, o piano no penúltimo refrão e, sobretudo, o solo de guitarra acústica – quase parece guitarra espanhola. Nenhuma outra música de Avril tem algo assim. 

Falling into History é um caso curioso. É diferente de todas as outras em Let Go, B-sides ou não – a que mais se aproxima é Tomorrow e mesmo assim. É uma balada acústica cuja letra fala sobre “desapaixonar-se” (essa palavra existe?). 

Quando tinha dezanove anos passei por uma fase de obsessão com esta música. Quando lhe montei um vídeo (abaixo), o ritmo lento inspirou-me a experimentar outras funcionalidades do Windows Movie Maker – câmaras lentas, transições, fade ins, fade outs – o que me serviu de aprendizagem para vídeos futuros. E a verdade é que não conheceu outra música que aborde este tema – o fim de uma paixão – desta maneira.

Ainda gosto da canção, mas hoje reconheço que é um tudo nada lenta demais e a letra é demasiado madura para uma cantora e um álbum adolescente. A narradora de Falling into History parece uma mulher pós-divórcio, não uma menina de dezasseis ou dezassete anos lidando com as primeiras relações amorosas. 

Assim, não posso dizer que tenha sido uma surpresa descobrir, em pesquisas para este texto, que Avril não a compôs. Não existe muita informação fidedigna sobre os créditos destas B-sides, mas Falling into History é uma exceção – por motivos que explicarei já de seguida. Calculo que Falling into History tenha sido uma das canções, compostas por outros (um dos compositores é, uma vez mais, Peter Zizzo), que tentaram impôr a Avril quando queriam que ela seguisse um rumo mais folk.

Só acho estranho ter sido incluída no tal álbum de B-sides, entre outras músicas bem mais adequadas ao perfil de Avril. Suponho que quisessem mostrar que a jovem também conseguiria agradar a uma audiência mais adulta (como, de resto, I’m With you provaria, ainda que de uma forma mais genuína). 

Falling into History seria regravada uns anos mais tarde por Brie Larson. Sim, a atriz de Room e Capitã Marvel. Ela tentou aventurar-se no mundo da música em adolescente com o álbum Finally Out of P.E., que infelizmente foi um fracasso comercial. 

Consta que Brie passou por dificuldades semelhantes às de Avril. Teve de lutar contra a editora para ter liberdade criativa, para ser menos convencionalmente feminina – "Eu queria compôr todas as minhas canções, eles tinham medo disso. Eu queria calçar ténis e tocar guitarra – eles queriam saltos altos e cabelo esvoaçante."

Seria de esperar que a indústria tivesse aprendido com Avril e Let Go. 

Até gosto desta versão de Falling Into History. Está um bocadinho melhor produzida, com elementos discretos de pop rock. Mas Brie tinha quinze ou dezasseis anos quando gravou isto: continua a ser uma canção demasiado séria para uma adolescente. 

Mas regressemos a Avril. A última B-side sobre a qual quero escrever é a minha preferida (ainda que a nova versão de Why ameace esse título): Let Go, uma música com o mesmo título que o álbum.

A letra é OK, talvez um bocadinho estranha e específica demais nalguns momentos. A musicalidade é o que mais me atrai na canção. O instrumental tem os mesmos teclados (?) que aparecem em Naked. Mas o melhor mesmo são as melodias e a interpretação de Avril – Let Go é uma das melhores músicas para ouvir as forças do timbre de Avril nesta era. 

A minha parte preferida é o final, os backvocals nos últimos refrões e, sobretudo, no outro. Soa algo confuso, como se Avril tivesse decidido improvisar durante a gravação, mas ficou perfeita. 

Regressando à retrospetiva de 2022, tenho de falar de outras B-sides de Avril. De tanto em tanto tempo aparecem faixas rejeitadas de diferentes trabalhos dela – já escrevi sobre algumas aqui no blogue. Posso estar enganada, mas fiquei com a impressão de que apareceram mais do que o costume este ano – talvez por Avril ter lançado um álbum (bem… tecnicamente dois). 

Nem todas são grande coisa. Várias delas foram bem excluídas. Mas existem umas quantas que me agradaram particularmente.

Várias das B-sides que apareceram na net são dos trabalhos de Love Sux (saquem-nas aqui). Como disse antes, algumas delas poderão beneficiar de estarem fora do contexto do álbum. Um exemplo é Too Fast to Live. Outras, no entanto, acho mesmo que são um bocadinho melhores que as canções da edição padrão.

Uma das que mais gosto é Eternally. No que toca a canções de amor neste estilo, prefiro esta a Kiss Me Like the World is Ending. Avril canta esta última da mesma forma que canta todas as break-up songs no álbum – no contexto de Love Sux, se uma pessoa não estiver a prestar muita atenção, nem repara que Avril mudou o chip. Em Eternally, ao menos ela canta num tom diferente, mais semelhante a Dare to Love Me do que a Dejá Vu.

Outra de que gosto é Californyeah!. Antes de a ouvir, não tinha grandes expectativas porque o título é um bocadinho “cringe”. Surpreendeu-me pela positiva. 

Californyeah! é um dueto de Avril com Mod Sun. Tem uma sonoridade um bocadinho diferente do resto do cânone de Love Sux e a letra não é má. Fala sobre o início de um romance em, lá está, Califórnia. Eles deram-se ao trabalho de descrever cenários, mesmo não sendo super originais: ambos no carro (um cliché na discografia de Avril) pela Pacific Coast Highway à beira-mar, passeando na praia e enchendo a cama de areia (não sou muito obcecada por limpezas, mas isso faz-me imensa confusão). 

Esta definitivamente devia ter sido incluída na edição-padrão de Love Sux. É um dueto com o noivo dela, provavelmente sobre o início da relação deles! Porque é que a deixou de fora?

Teenage Nightmare também devia ter sido incluída em Love Sux – ou mesmo na re-edição de Let Go, por motivos que explicarei já de seguida. A sonoridade obedece à fórmula do álbum. A letra, no entanto, é a mais autobiográfica desta era: é literalmente uma autobiografia de Avril, um relato da sua chegada ao mundo da música. A sua jornada de adolescente rebelde a super-estrela.

Uma pessoa pergunta-se porque é que Avril não lançou oficialmente esta música, em ano de vigésimo aniversário da sua carreira – parece uma decisão óbvia. Pensando melhor, no entanto, talvez seja esse o problema: é demasiado óbvio, rasa a gabarolice. Compreende-se.

Deixemos o cânone de Love Sux e entremos em territórios menos definidos. Fall into the Sky é um caso estranho dentro destas B-sides. O título já circulava na Internet há uns bons anos e, finalmente, no verão passado, tivemos acesso a ela. O pessoal do avrilmidia garante a pés juntos que esta é uma B-side de Let Go, mas eu não acredito neles. Este é claramente o timbre da era Under My Skin. Menos frágil, mais consistente que o de Let Go, mas ainda mais grave do que em álbuns posteriores. 

Em defesa deste pequeno desacordo, Fall into the Sky não se encaixa perfeitamente em nenhum álbum de Avril. A canção é conduzida por acordes rápidos de guitarra acústica, acompanhada por notas de guitarra elétrica e uma batida algo dançante. Lembra-me um pouco Tonight, dos Reamonn. Tem também um solo de guitarra muito fixe. 

Porque é que ninguém se lembrou de incluir solos de guitarra em Love Sux?

Em termos de letra, Fall into the Sky é uma precursora de Hot: sobre um parceiro que satisfaz a narradora. É erótica, mas de uma forma muito discreta, muito adolescente – Avril usa a expressão “when we’re making out”, “quando estamos a curtir”. Pode-se dizer a ouvintes mais puritanos que estamos apenas a falar de beijos, mas o resto de nós sabe que é mais do que isso.

De notar que já nesta altura Avril espera que o parceiro lhe dê prazer. Isto vários anos antes de ser considerado fixe, numa altura em que a comunicação social a pintava como mais púdica que as Britney Spears desta vida. Daquelas coisas dos anos 2000 que não deixaram saudades.

Esta não levo a mal não ter sido editada oficialmente. Como disse antes, parece ter sido composta e gravada durante os trabalhos de Under My Skin, mas não se encaixaria de todo neste álbum – é demasiado leve, demasiado pop. Mesmo não sendo demasiado sexy,  continua a ser demais para Let Go. Em relação a álbuns posteriores, é demasiado adolescente. 

Além disso, se tivesse sido editada antes do The Best Damn Thing, teria estragado o impacto de Hot – que continua a ser a melhor canção. 

Ainda assim, podia ter sido cedida a outro cantor. Só para não desperdiçar. 

Queria agora referir duas B-sides de Head Above Water. Lights Out é uma balada agradável, ao estilo de Warrior ou da própria Head Above Water. Gosto mas, lá está, é demasiado parecida com essas duas músicas, ainda que a letra seja um bocadinho menos cliché. Continuo a preferir Bright. 

E, de qualquer forma, mantenho o que escrevi antes: preferia que a redundância temática de Head Above Water fosse com músicas como esta.

Por sua vez, Lucky Ones é uma balada acústica razoavelmente interessante em termos de letra. É uma break up song, possivelmente sobre o seu divórcio de Chad Kroeger, o seu segundo marido. Uma vez mais, a letra não é super original, mas tem algum carácter. Pintam-se cenários de solidão, para começar – “Now it’s just me getting take out for one”. Além disso, se for um reflexo honesto dos sentimentos de Avril, sempre revela a sua perspetiva sobre o amor: não dura para sempre, mas ela pensava que aquilo seria a exceção. 

E isto é mais interessante que a totalidade de Love Sux.

Agora vamos inverter a coisa e passar de uma música que poderá ser sobre o fim do casamento Chavril, para uma sobre o início do casamento Chavril. Durante a era do álbum homónimo, altura em que se casaram, tanto Avril como Chad falaram dela nalgumas entrevistas: If I Said I Loved You, uma canção que compuseram depois de terem começado a namorar. Ou se calhar depois do noivado, que, recordemo-nos, ocorreu ao fim de um mês de relação. Acabou por ser a música do casamento deles. 

Na altura, Avril disse que planeava lançar oficialmente If I Said I Loved You no futuro. No entanto, o casamento terminou antes que houvesse oportunidade para isso. E agora, mais ou menos uma década depois de ter sido gravada, apareceu nas internetes. 

If I Said I Loved You é mais ou menos o que eu esperava. É uma música bonita, uma balada com discretos traços de rock que encaixa bem no cânone de ambos. Nem a musicalidade nem a letra desafiam convenções, mas têm emoção e personalidade q.b. Sabem como sou, não resisto a uma canção de amor com um bocadinho de sentimento e honestidade.

Mas fico triste por só a termos conhecido agora, dez anos depois, quando eles se divorciaram há muito e ela está noiva de outro homem.

E, apesar de tudo, não diria que If I Said I Loved You é melhor que Let Me Go – o dueto entre Avril e Chad que foi de facto publicado. A primeira está um degrau acima em termos de letra, mas a segunda é mais interessante em termos de sonoridade. Representou um território diferente para Avril na altura.

As duas estão mais ou menos ao mesmo nível.

E era sobre isto que queria falar no que toca a Avril Lavigne em 2022. É um bocadinho triste ter falado mais sobre B-sides num balanço anual, mas é o que temos. Apesar de tudo, mesmo que Avril já não seja a minha número um, não conheço mais nenhuma carreira tão a fundo como a dela. 

E provavelmente nunca conhecerei. Já não tenho a disponibilidade que tinha há dez ou quinze anos para procurar cada música inédita, ver cada vídeo de má qualidade no YouTube, consultar arquivos de entrevistas antigas, de outro artista ou banda. Mesmo as B-sides de Avril que vazaram este ano vieram de contas de redes sociais que já sigo – não foram músicas que eu tenha procurado ativamente. Mas que já acumulei todo este conhecimento secreto, mais vale partilhá-lo. 

Por estes dias, Avril tem falado em lançar um novo álbum em 2023. Conhecendo-a como conheço, acho mais sensato contarmos com ele lá para 2024, com sorte – e já seria mais rápido do que o costume com ela. Para ser sincera, depois de dois álbuns que não me entusiasmaram, Love Sux em particular, não tenho pressa.

Claro que, como minha mãe musical, irei sempre dar-lhe o benefício da dúvida. É a única obrigação de qualquer fã. 

Tenho ainda o concerto dela em Zurique, parte da digressão europeia. Este é o quarto balanço anual seguido em que o refiro. A incapacidade de nós, fãs portugueses, vermos um concerto desta mulher vai muito além de caricata. 

Este último adiamento foi desnecessário, na minha opinião. Eu tinha acabado de ver Bryan Adams, usara máscara, e correra tudo bem. Podia-se perfeitamente ter feito o mesmo com os concertos da Avril. Para quê adiar outra vez?

Em princípio deverá ser desta, que já vivemos em quase normalidade. Quando virmos Avril subindo ao palco com os nossos próprios olhos até acharemos que é mentira. Mas há de valer a pena – nem que seja apenas para cantar os velhos êxitos em coro com milhares de outras pessoas.

E foi esta a segunda parte deste balanço musical. A próxima parte será mais curta e será também um desvio ligeiro à fórmula habitual. A boa notícia é que já terminei o primeiro rascunho, será só passá-la a computador, o que não deverá demorar muito. Obrigada pela vossa paciência. Continuem por aí. 

publicado às 21:31

Músicas Não Tão Ao Calhas – Bite Me

Aqui no estaminé, Avril Lavigne dispensa apresentações. É uma personagem recorrente desde os primeiros tempos deste blogue – gosto de chamar-lhe a minha mãe musical – tendo inspirado múltiplos textos. Este é mais um deles, a propósito de Bite Me, o primeiro single do seu sétimo álbum. 

Avril já anda a lançar pistas sobre este álbum há um ano, na verdade – embora, segundo entrevistas mais recentes, nessa altura ainda estava a começar. Típico dela, fazendo anúncios e promessas antes de tempo, deixando os fãs baralhados. Mas ao menos já temos o primeiro single.

Este álbum, ainda sem nome, representa o regresso de Avril ao pop punk. A cantora sempre esteve associada a este género musical. Se perguntarem por aí, dir-vos-ão que Let Go foi a sua era mais pop punk, mas o álbum que mais explora este estilo é na verdade o The Best Damn Thing. Antes do seu terceiro álbum, Avril só contava duas músicas lançadas oficialmente influenciadas por este estilo: Sk8er Boi, em Let Go, e He Wasn’t, em Under My Skin. 

Temos ainda I Always Get What I Want, dos trabalhos do segundo álbum, que faz parte da banda sonora do segundo filme d’O Diário da Princesa. Este é um tema que tem tido muita rotação nos concertos de Avril: está no top 10 das músicas mais tocadas segundo o Setlist.fm, mais do que alguns singles. Tenho quase a certeza que Avril se arrepende de não ter incluído a música na edição-padrão de um álbum. 

Na minha opinião, devia ter sido guardada para o The Best Damn Thing. Encaixa-se que nem uma luva ao lado de I Can Do Better e a faixa-título.

Penso que a b-side Take It, também the Under My Skin, poderá ser igualmente considerada pop punk. Por outro lado, temos um caso estranho com I Don’t Give, dos trabalhos de Let Go. A música foi lançada como b-side do single Complicated e soa semelhante à larga maioria de Let Go. No entanto, durante a digressão Try to Shut Me Up (ela antigamente era mais imaginativa com os nomes das digressões), Avril tocava uma versão diferente de I Don’t Give: mais pesada, mais rápida, pode-se dizer mesmo mais pop punk. 

Eu adoro esta versão. Há mais de metade da minha vida que lamento que não haja uma versão pop punk de I Don’t Give gravada em estúdio. Seria uma surpresa agradável se isso acontecesse com uma potencial edição comemorativa dos vinte anos de Let Go. Pouco provável, mas uma pessoa pode sonhar…

Por outro lado, faz-me pensar em quantas músicas no primeiro álbum teriam um arranjo parecido com este, se Avril tivesse tido mais controlo sobre o processo. 

Isto tudo para dizer que, nos primeiros dois álbuns de Avril, apenas cinco músicas, no máximo, podem ser consideradas pop punk. E destas, só duas fazem parte das edições-padrão. Foi precisamente para colmatar esta falha que Avril criou o The Best Damn Thing – em que pelo menos metade das músicas, mais uma b-side, têm influências pop punk. Por isso, quando a comunicação social diz que Avril está a recuperar o estilo de Let Go com Bite Me, não fizeram o trabalho de casa. 

O regresso de Avril a este estilo acontece na mesma altura que o pop punk tem estado de novo na moda. Não é uma coincidência: ela é um dos muitos artistas apadrinhados por Travis Barker, o baterista dos Blink 182, o grande catalisador deste movimento. Outros artistas com quem Travis tem colaborado são Mod Sun, Machine Gun Kelly, Willow Smith, Yungblood. 

Não surpreende. Há quem diga que a nostalgia cumpre ciclos de vinte anos. Nos anos 2000 tínhamos saudades dos anos 80, na década de 2010 tínhamos saudades dos anos 90, agora temos saudades dos anos 2000. Suponho que tenha a ver com a geração que está na casa dos vinte e/ou dos trinta durante determinado período, que recorda a sua infância e/ou adolescência. 

Um aspeto engraçado em que tenho vindo a reparar é que, na altura, os críticos desprezavam muita da cultura que nós, da minha geração, consumimos. Sobretudo nós, meninas adolescentes. Mas agora que somos adultos, temos a palavra e podemos fazer justiça àquilo que nos definiu. 

Travis Barker está, no fundo, a capitalizar esse ciclo de nostalgia. Pode-se debater que percentagem disso é oportunismo e que percentagem é genuína paixão por este estilo musical. Eu pelo menos acho que não havia necessidade de o homem se colar a todos estes artistas, como o “feat Travis Barker” no título de cada música. 

Há quem acuse este movimento de alguma falta de carácter, alguma falta de originalidade. Mesmo sem acompanhar essa onda de muito perto, tenho um par de exemplos desse problema. Olivia Rodrigo, para começar, não é uma das artistas patrocinadas por Travis Barker, mas também ela trouxe o pop punk de volta ao mainstream com a música good 4 u. Desde o início, as pessoas assinalaram as semelhanças com Misery Business, o êxito dos Paramore. Até que, há poucos meses, Olivia acabou por incluir Hayley Williams e Josh Farro nos créditos da música, o que deu polémica.

Pessoalmente, não acho good 4 you assim tão parecida com Misery Business. Um bocadinho no refrão, talvez, mas combina com elementos mais modernos, parecidos à música contemporânea. Para acusações de plágio já vi exemplos piores. 

Depois, temos grow de Willow – esta sim, um dos artistas apadrinhados por Travis Barker. Avril canta uma parte da música. O tema até é agradável ao ouvido, mas é uma mistura estranha de All the Small Things com música das estrelinhas do Disney Channel, nos anos 2000.

Não se pode ser demasiado duro com Olivia e Willow pela falta de originalidade. São miúdas novinhas, que ainda estarão a desenvolver o seu estilo pessoal, a descobrir a sua identidade. 

Depois, temos Machine Gun Kelly. Já falámos dele antes, de passagem – quando participou no concerto de homenagem a Chester Bennington e quando colaborou com Mike Shinoda em Lift Off. Nessa altura, ele era rapper, mas há um par de anos desistiu do rap/hip-hop e decidiu aventurar-se no pop punk, com o álbum Tickets to my Downfall. Ora, eu não teria problemas com isso… só que o tipo parece ser um estafermo. 

Segundo consta, o motivo pelo qual MGK trocou de géneros musicais foi por ter entrado em rota de colisão com Eminem. Mas aparentemente não aprendeu nada, pois quando veio para o pop punk arranjou logo picardias. A mais recente foi com Corey Taylor, dos Slipknot. As pessoas já começaram a virar-se contra ele – há um par de meses, MGK foi assobiado durante um festival qualquer. Não contente com isso, o tipo chegou a vias de facto com pessoas da audiência. 

Avril referiu MGK como uma das pessoas com quem ela colaborou no seu sétimo álbum, o que não me agrada. Não pelas suas qualidades musicais, mas pela personalidade dele. Preferia que Avril não se associasse a um tipo como este. O que vale é que ela tem juízo suficiente para não se envolver nas encrencas de MGK. 

Por outro lado, Avril está a namorar com Mod Sun, com quem colaborou no seu álbum – e no álbum dele, Internet killed the rockstar. Este também tem um passado como rapper, mas parece-me ser um tipo decente, mais decente que MGK. Parece gostar genuinamente de Avril – e tem um Husky muito giro. 

No início do ano lançaram um dueto, Flames – que tem vindo a subir na minha consideração, ligeiramente. O instrumental é diferente, é giro – alternando momentos mais calmos, ao piano, com momentos mais intensos e pesados. Só acho o refrão algo repetitivo. 

Além disso, eles perderam uma oportunidade ao não terem tentado fazer uma ligação com Bridgerton na promoção da música.

A minha opinião sobre a participação de Avril neste movimento tem oscilado entre contra e a favor. Existe uma parte que parece um bocadinho forçada: a transição da era Head Above Water para esta nova foi muito repentina. Mesmo aspetos como aquele Tik Tok com Sk8er Boi me parecem exploração descarada da nostalgia – algo que ela já tinha feito com Here’s to Never Growing Up (como assim já lá vão mais de oito anos?!). E pergunto-me se a sua associação com Travis Barker e companhia não será uma extensão disso. 

Talvez seja um bocadinho. Por outro lado, Avril está longe de ser a única artista musical, sobretudo feminina, em constante reinvenção. Taylor Swift comentou há uns tempos que ela e as suas contemporâneas são obrigadas a fazê-lo, mais do que os seus homólogos masculinos. Para manterem o público interessado nelas. 

Não que seja uma coisa má, na minha opinião. Aposto que muitos artistas, de qualquer género, não gostam de estar sempre a fazer o mesmo, gostam de mostrar diferentes facetas. Como Fernando Pessoa e os seus heterónimos. Avril por exemplo é conhecida mais pelo pop rock, mas já brincou com vários estilos musicais.

Ela ia regressar a este estilo, mais cedo ou mais tarde. O seu modus operandi tem sido sempre alternar álbuns mais leves e alegres com álbuns mais sérios e pausados. Já em 2019, em plena era Head Above Water, Avril dizia que o sucessor teria mais guitarra e bateria. E assim o fez, oportunismo ou não. Penso que não corremos o risco de o material novo dela ser demasiado derivativo – ela está há mais de vinte anos nisto, não terá dificuldades em dar carácter próprio à música.

O que nos leva a Bite Me. É mais ou menos o que se esperava – penso que todos concordamos com isto. Um tema pop punk que, não sendo particularmente original, não é nada que esteja demasiado batido. Mesmo dentro do microcosmos da discografia de Avil, é suficientemente distinto do que ela fez antes. 

Gosto imenso do instrumental nas estâncias e no pré-refrão. Também gosto da mudança da velocidade a meio do refrão. E a voz de Avril soa impecável, como sempre. 

A letra é Avril sendo Avril, os tropos do costume: um ex-namorado que se arrepende de a ter deixado, mas ela agora manda-o passear. Uma vez mais, não é nada por aí além, mas ela tem letras piores.

Em suma, gosto de Bite Me. Talvez estivesse com a fasquia demasiado baixa, depois das desilusões que apanhei com os trabalhos mais recentes da Avril. Mas, ao contrário da maioria de Head Above Water, Bite Me sabe exatamente quem é, o que vem fazer e fá-lo com eficácia. 

Ao que parece, o resto do álbum deverá ser neste estilo. Avril chegou a dizer que não haveria uma única balada no disco – o que seria inédito na discografia dela. Mas entretanto mudou de ideias e incluiu uma. 

Eu fico contente. 

Em termos de temáticas, Avril disse que, no início dos trabalhos, estava numa fase de desgaste em relação ao amor. Não surpreende: mesmo sem estar a par dos mexericos dos últimos anos, estamos a falar de uma mulher com dois divórcios. Ninguém poderá censurá-la pelo cinismo. Uma das primeiras músicas compostas para este álbum chama-se mesmo Love Sux. 

No entanto, quando Mod Sun colaborou com ela, Avril apaixonou-se e começou uma relação com ele. Ou seja, a sua atitude em relação ao amor mudou – o que se deverá refletir no álbum. Outro título avançado por Avril é Kiss Me Like the World is Ending (o que faz sentido em tempos de pandemia). A balada do álbum – aposto que será a faixa de encerramento – chama-se Dare to Love Me, precisamente sobre abrir-se de novo ao amor. 

Tudo isto me parece bem. Está longe de ser um tema inédito – veja-se Petals For Armor, de Hayley Williams. Duvido que Avril faça melhor. Mas ao menos sempre dará alguma profundidade a um álbum que, Avril já o confirmou, será bastante descontraído – com The Best Damn Thing nem se preocupou com isso, tirando as baladas e pouco mais. 

Nesta fase, não estou à espera que Avril se ponha a re-inventar a roda ou a ser particularmente introspetiva. Nem sequer quero – quando tentou fazê-lo com Head Above Water não resultou, perdeu-se em clichés. Nestas circunstâncias, mais vale manter-se na sua zona de conforto. Além disso, como tenho vindo a referir, nesta altura não quero música demasiado triste.

Estou assim cuidadosamente otimista em relação a este novo álbum. Não deverá ser nada que mude as nossas vidas, mas sei que vou gostar de pelo menos uma mão-cheia de canções. E aposto que haverá pelo menos uma que me tocará de maneira especial. 

Ainda não sabemos o nome do álbum, nem a tracklist, nem a data de lançamento. Há poucos dias ela anunciou datas no Canadá sob o nome “Bite Me Tour”. Será esse o nome do trabalho? Espero que não, é pouco imaginativo. Avril disse que lançará um segundo single em janeiro. Talvez divulgue o resto dos pormenores nessa altura. O álbum em si deverá sair “no início do ano”, o que quer que isso signifique (com o histórico dela, lá para abril ou maio, isto se tivermos sorte!). 

Entretanto, a digressão europeia foi remarcada, pela segunda vez, para a primavera do próximo ano. A tal que devia ter decorrido em 2020. Como já escrevi antes, tenho bilhetes para o concerto de Zurique. 

A ver se é desta. É mais de metade da minha vida à espera. 

E pronto, para já é tudo. Acabei por falar muito pouco de Bite Me em si, mas não faz mal. Estes textos de Músicas Não Tão Ao Calhas sobre primeiros singles têm funcionado mais como prequelas às análises dos respectivos álbuns. E pareceu-me importante refletir sobre o histórico de Avril com este género musical antes de me debruçar sobre a música em si. 

Como sempre, obrigada pela vossa visita. Continuem desse lado que o próximo texto não deverá demorar muito.

publicado às 20:12

Músicas Ao Calhas – I Want What I Want e Break It So Good

Hoje trago de volta uma personagem recorrente no cânone deste blogue e mesmo das Músicas Ao Calhas. Nem sequer é a primeira vez que escrevo sobre B-sides do álbum mais recente de Avril Lavigne. Ao contrário de Bright, que saiu mais de um ano depois de Head Above Water – na altura certa, como escrevi na altura – as músicas sobre as quais vou escrever neste texto surgiram na Internet no mesmo dia em que o álbum foi editado oficialmente. Não foram as únicas mas, como já tinha referido antes, foram as únicas de que gostei. Falo de I Want What I Want, um cover de Lauren Christy, e Break it So Good. 

Lauren é, aliás, o denominador comum a estas duas músicas: foi ela que cantou o original da primeira e contribui com vocais para a segunda. Qualquer fã razoavelmente bem informado de Avril saberá que Lauren fazia parte do The Matrix – a equipa por detrás da co-composição de uma grande parte do Let Go, nomeadamente o triunvirato Complicated, Sk8er Boi e I’m With You. Anos mais tarde, Lauren tornaria a colaborar com Avril durante os trabalhos de Head Above Water. 

Antes de fazer parte do The Matrix, no entanto, Lauren teve uma relativamente curta carreira a solo. I Want What I Want faz parte de Breed, o seu segundo álbum – e o último antes de desistir da carreira a solo e formar o The Matrix. 

A versão original tem aquele som pop rock dos anos 90, início dos anos 2000 que eu sempre adorei. Sinto mesmo que é o meu género musical primordial, sobretudo quando cantado no feminino. Além disso, as semelhanças com as músicas de Let Go são evidentes.

Desse modo, ouvir Avril cantando I Want What I Want bate certo. A versão da canadiana tem uma roupagem mais moderna, melhor que a original, na minha opinião. Eu ainda assim gostava que fosse menos eletrónica – mas lá está, é apenas uma demo. Se fosse para ser lançada oficialmente, a qualidade seria melhor.

Também gosto mais da interpretação de Avril – e nem sequer falo apenas da interpretação vocal. Gosto mais das vozes de apoio na versão de Avril, em particular os “and I want, and I want, and I want” no refrão. Para além disso, Avril alterou a terceira parte da música – para melhor, na minha opinião.

Entretanto, enquanto escrevia este texto, descobri uma outra versão de I Want What I Want, cantada por Tata Young, uma cantora tailandesa. Esta é mais parecida com o original – é como se tivessem aplicado um filtro pop na versão de Lauren. Continuo a gostar mais da versão de Avril, mas esta não é má. Tata tem uma voz bonita.

Ora, Break it So Good é uma música bastante diferente. Esta também é uma demo, ainda menos polida que I Want What I Want. Tem um instrumental minimalista e algo sombrio, apenas piano (?), batida e sintetizadores. É como se fosse uma Give You What You Like mais eletrónica. 

Um pormenor estranho é o facto de Avril só cantar o refrão. Lauren canta as estâncias, com algum auto-tune (para a sua voz soar mais parecida com a de Avril?). É possível que esta canção tenha sido composta e gravada numa fase má da Doença de Lyme. Avril poderá ter conseguido gravar o refrão, mas depois pode não se ter sentido suficientemente bem para cantar as estâncias, logo, Lauren tomou o lugar dela. Se quisessem incluí-la em Head Above Water, gravariam uma nova versão, cantada a solo por Avril. 

De qualquer forma, a verdade é que, na minha opinião, esta produção minimalista, imperfeita, resulta. Break it So Good ficou com um tom intimista, sombrio e estranhamente sexy. Para lançarem oficialmente esta música teriam de manter o instrumental mais ou menos assim. 

Por outro lado, o carácter também vem da letra, uma das partes mais interessantes de Break it So Good. Esta aborda uma relação que já se percebeu que não vai durar. No entanto, a narradora está disposta a aceitar o antigo amante (assumindo que se trata de um homem), não porque acredite na relação, mas porque se quer vingar dele (“Imma break your heart but I’ll break it so good/(...)/Do to you what you do to me”). 

É bem possível que estejamos a falar da mesma relação abordada em I Fell In Love with the Devil e sobretudo Tell Me It’s Over. Compare-se os versos desta última – “you come and you leave” – com os de Break it So Good – “maybe I’ll come and go, a taste of your own medicine”. Um amante que brinca com os sentimentos dela, que lhe vira as costas, mas que volta e meia diz que quer regressar para ela (“Come and whisper you miss me”, “you say you still adore me, you’re still kind of a mess”). Ao contrário de Devil e Tell Me It’s Over, a narradora não se limita ao papel de vítima, quer derrotar o amante no jogo dele. 

Segundo a minha teoria, Avril não incluiu Break it So Good em Head Above Water porque esta canção não se encaixa na narrativa de I Fell In Love With the Devil e Tell Me It’s Over. Sobretudo na altura em que andava a promover a primeira, Avril tentou vender-se como a vítima de uma relação tóxica, tendo tido de ganhar forças para sair dela (ainda que nenhuma dessas músicas sustentem bem esta última parte. Só esticando muito.)

Break it So Good, por seu lado, é uma resposta menos politicamente correta, mesmo menos moralmente correta, a uma relação tóxica. Uma resposta de que Avril talvez não se orgulhe, que talvez lhe tenha saído pela culatra se de facto a tentou. Mas não deixaria de ser uma resposta humana, uma perspetiva mais única, provando que Avril também não fora propriamente uma santinha na relação. 

Acaba por ser este o meu problema com Avril nos últimos anos. A partir de certa altura deixou de parecer genuína, esconde-se atrás de clichés e superficialidades. Em retrospetiva, uma parte de mim acha que ela se aproveitou da “moda” do feminismo e das relações tóxicas para promover I Fell In Love With the Devil, Tell Me It’s Over e Dumb Blonde. Da mesma forma, nos últimos meses parece estar a aproveitar-se da nostalgia pelo pop punk dos anos 2000 – juntamente com Mod Sun, Machine Gun Kelly e Travis Barker – para se tornar relevante de novo, preparando o lançamento do seu sétimo álbum.

Quando é que eu me tornei tão cínica em relação à minha cantora preferida?

Já que falamos nisso… sim, Avril terá um álbum pronto a ser editado, radicalmente diferente de Head Above Water e mesmo das músicas de que falámos aqui. Mesmo à moda dela, a mulher anda a acenar-nos com este lançamento desde finais do ano passado e, até agora, nada. 

Para ser sincera, as minhas expectativas estão em mínimos históricos para este álbum. Não tenho pressa em ouvi-lo. Preocupa-me mais a digressão europeia, adiada desde o início da pandemia. A equipa de Avril se calhar está à espera deste novo ciclo de álbum antes de confirmar as datas. 

A ser verdade, é melhor esperarmos sentados.

Numa nota menos cética… não deixará de ser um álbum da Avril. Terá quase de certeza pelo menos uma mão-cheia de músicas de que gostarei, mesmo que não adore todas. 

Para já, por estes dias já só penso em ouvir Solar Power, o álbum novo de Lorde. Sai já esta sexta-feira. A sua análise deverá ser o próximo texto deste blogue. Noutras notícias musicais do meu nicho, Bryan Adams deverá lançar um single em outubro – na altura decido se escrevo sobre ele. 

Entretanto, já comecei a rever e a anotar Digimon Frontier, desta feita dobrado em português. Neste momento vou para o episódio 14. Dentro de algumas semanas já devo estar pronta para escrever sobre essa temporada.

É mais ou menos este o plano para os próximos tempos. Obrigada pela vossa visita, como o costume. Visitem a página de Facebook deste blogue.

publicado às 22:55

Petals For Armor: Self-Serenades e Música 2020

No passado dia 18 de dezembro, Hayley Williams lançou o EP Petals For Armor: Self-Serenades. Segundo declarações da própria, este EP reflete, pelo menos em parte, os largos meses que Hayley passou em casa, com apenas a sua guitarra por companhia – bem, a sua guitarra e o seu cãozinho, Alf. O EP consiste em versões acústicas de Simmer e Why We Ever – originalmente lançadas no álbum Petals For Armor – e uma única faixa inédita, Find Me Here…

...e, aqui entre nós, soube-me a pouco. 

Find Me Here é uma faixa com menos de dois minutos de duração, que mais parece um interlúdio (semelhante aos do Self-Titled) do que uma canção a sério. Admito que eu estava com expectativas muito altas. O EP foi anunciado há cerca de dois meses e, desde então, criei um hype exagerado em torno de Find Me Here – ainda que apenas para mim mesma. Andava há semanas a planear a minha escrita já a contar com a análise a essa canção. 

Assim, quando ouvi a música pela primeira vez, a minha primeira reação foi:

– …só isto?

Mesmo deixando de lado as minhas expectativas defraudadas, continuo a achar a canção curta demais. Sobretudo porque o minuto e cinquenta segundos, mais coisa menos coisa, de Find Me Here é lindo! Eu queria mais! 

Find Me Here é um pequeno número acústico, só mesmo guitarra e voz. Não é difícil imaginar Hayley tocando isto sentada no seu jardim com a sua guitarra. Gosto dos vocais – não percebo se são um efeito qualquer que fizeram à voz de Hayley, ou se temos duas faixas de vocal, uma mais grave do que a outra. Em todo o caso, ficou bem.

A música e, por conseguinte, a letra são curtas mas passam a mensagem de forma eficaz. Quando uma pessoa passa por um mau bocado, ou lida com uma crise, regra geral, é importante ter um ente querido por perto, por motivos óbvios. No entanto, existem certos problemas, certas crises, que uma pessoa tem de resolver sozinha. Pessoas amadas não podem ajudar, podem até ser prejudiciais ao processo.

É sobre isso que Find Me Here fala. A narradora vai dar espaço ao ser amado para resolver o que tiver a resolver, mas vai deixar uma porta aberta para quando o ente querido voltar. Se quiser.

É demasiado curta, podia ter tido uma segunda estância, mas é uma canção bonita. Ficaria bem como encerramento de um álbum. Estará a encerrar a era Petals For Armor? Ou apenas 2020? 

Umas palavras para as versões acústicas de Simmer e Why We Ever. Nenhuma delas está ao nível das versões do álbum, a meu ver – a força das canções parte muito da instrumentação e, no caso de Simmer, daquela hipnótica interpretação vocal.

Ainda assim, gosto da Simmer acústica, ainda que não tanto como da versão original. Este arranjo dá um carácter completamente diferente à música. O refrão fala sobre o dilema entre raiva e piedade – a versão acústica parece adotar a piedade, enquanto a versão do álbum se inclina mais para a ira. 

A versão acústica de Why We Ever, no entanto, não me diz muito. Não foi só a instrumentação a mudar, a melodia também sofreu alterações, ficando irreconhecível. Não gosto muito do resultado final.

Na verdade, noutras circunstâncias, nem teria escrito sobre este EP. No entanto, como o final do ano se aproxima a passos largos, quero aproveitar a boleia e fazer a minha costumeira retrospetiva musical.

2020 não foi um mau ano em termos de música, mas a pandemia mudou muita coisa. Antes os artistas e bandas lançavam álbuns depois de semanas de singles e hype – ou então lançavam-nos de surpresa, de um dia para o outro. Depois do lançamento, continuavam a lançar singles, atuavam nas televisões e, ao fim de algum tempo, partiam em digressão. 

Com o Coronavírus, no entanto, parece que os ciclos terminam abruptamente com o lançamento do álbum. Não é possível dar concertos e mesmo videoclipes e apresentações das músicas são arriscadas. Aconteceu com Petals For Armor, aconteceu com o aniversário de Hybrid Theory – várias entrevistas nas semanas anteriores, grande excitação, grande antecipação. Mas depois de o álbum sair, parou tudo. No caso de Petals For Armor, só agora há pouco tempo – talvez por causa do Self Serenades – é que tivemos coisas como a sessão do Tiny Desk. 

Tem sido frustrante, sim. Mas continuamos a ter o que mais importa: a música em si.

Nesse aspeto, 2020 para mim pertenceu a Hayley Williams. O ano musical começou e terminou com ela. Abriu com o lançamento de Simmer, em janeiro, encerrou-se agora com o Self Serenades. 

Custa a acreditar que foi ainda este ano que ouvimos Simmer pela primeira vez, que saiu a primeira parte de Petals For Armor. Adorei escrever o texto sobre Simmer e Leave it Alone, bem como a análise ao álbum completo, mais tarde. Quer a solo quer com os Paramore, a música que Hayley compôs tem esta capacidade, praticamente única, de me levar à introspeção – o que é excelente para a escrita. Nos primeiros meses da pandemia, com o confinamento e o cancelamento de quase tudo o que dava alegria às nossas vidas, o lançamento pouco convencional da segunda parte de Petals For Armor foi um excelente consolo. 

Para o melhor e para o pior, este álbum ficará para sempre associado ao Coronavírus – não sei se teria conseguido manter a sanidade sem ele, sobretudo nos primeiros meses. Talvez tivesse sido sempre esse o desígnio. Em todo o caso,  com tanta música extraordinária – Simmer, Cinnamon, Sudden Desire, Dead Horse, Over Yet, Roses/Violet/Lotus/Iris, Pure Love, Sugar on the Rim, Crystal Clear… – deu para provar que Hayley é excelente, quer numa banda, quer em nome próprio.

2020 também ficou marcado pelos Linkin Park – pela análise a One More Light em maio, mas sobretudo pelo vigésimo aniversário de Hybrid Theory. Esse foi outro texto que me entreteve durante meses, com pesquisas e rascunhos que me levaram aos primórdios dos Linkin Park enquanto banda. Serviu para fazer uma renovação de votos, para cimentá-los como a minha banda preferida, a par dos Paramore – mesmo que o futuro deles continue incerto.

O nome mais surpreendente no meu ano musical é Taylor Swift. Surpreendente é como quem diz… como escrevi antes, era apenas uma questão de tempo. 

Ainda assim, Taylor foi um pouco mais prevalente nas minhas audições este ano. Tive fases de obsessão com diferentes músicas dela. Perto do início do ano era Red – por ter um bocadinho a ver com um texto que escrevi no meu outro blogue. Durante um par de semanas em julho foi All Too Well, quando escrevi sobre ela. Na semana seguinte foi Cornelia Street. Na semana seguinte foi Call it What You Want. Entre outras. 

Pelo meio, Taylor lançou folklore. Concordo com a opinião popular – este álbum é uma obra-prima. Eu ainda estava – ainda estou – a digeri-lo quando saiu evermore.

Se esta pandemia trouxe alguma coisa de bom às nossas vidas foram estes dois álbuns. Acho que ninguém discorda.

Ainda não processei estes álbuns por completo, sobretudo o evermore. Taylor continuará, por isso, a ser relevante para mim em 2021. Não tenciono analisar álbuns inteiros aqui no blogue, pelo menos não por enquanto. Sou ainda uma fã demasiado casual – existe muita gente por aí melhor habilitada do que eu para criar conteúdo sobre Taylor. 

Mas posso escrever mais textos de Músicas Ao Calhas, se me apetecer. Já tenho uma segunda canção de Taylor que tenciono analisar, mais cedo ou mais tarde.

Tenho também ouvido Billie Eilish, tal como já fizera no ano anterior. A minha irmã também gosta da música dela, o que é sempre fixe. Gosto imenso de Ocean Eyes, mas se tivesse de escolher neste momento, diria que a minha preferida é Everything I Wanted – é a sua Leave Out All the Rest. Uma vez mais, ainda sou uma fã muito casual – por agora. 

Deixo aqui a playlist com as músicas que mais ouvi no Spotify. Se bem que o tenha usado menos que o costume este ano – só nos primeiros dois ou três meses do ano e agora, nas últimas semanas, aproveitando a promoção de três meses pelo preço de um. E aparentemente o mês de dezembro não entra para estas contas. Não é a primeira vez que digo que o Spotify não é a minha única fonte de música – oiço CDs no meu carro e ficheiros mp3 no meu telemóvel.

A verdade é que nem todas as músicas que me ajudaram a sobreviver a 2020 estão no Spotify. Bright não está, o cover de Crawling, dos Bad Wolves, não está e, tal como me queixo há anos, a música de Digimon não está. 

Mesmo não tendo escrito sobre Digimon aqui no blogue este ano, mesmo não tendo havido encontro no Odaiba Memorial Day, a música de Digimon volta a ocupar um lugar de destaque na minha retrospetiva musical, sobretudo durante o verão. Vi Frontier pela primeira – e até agora única – vez e acrescentei vários temas às minhas listas (em 2021 irei ver a dobragem portuguesa, já tomando notas para analisá-la no blogue). No que toca a Adventure 2020, até agora, só este tema foi digno de se juntar à lista. 

Na verdade, nas últimas semanas deixei de ter vontade de ouvir música de Digimon. Um dia destes explico.

E foi isto 2020 em termos de música para mim. Foi um ano da desgraça em muitos aspetos, mas, como acabámos de ver, não foi assim tão mau em termos musicais. Tirando a parte dos concertos cancelados.

Aliás, tive a sorte de ir a um concerto há pouco tempo – o concerto acústico do Rui Veloso no Campo Pequeno. Não foi exatamente a experiência completa de um concerto, tal como gosto. Nunca fui que andar ao moche, mas confesso que sempre gostei da parte mais “suja” de música ao vivo: de suar por todos os poros, de estar rodeada de gente a suar por todos os poros, de ter de me sentar no chão, de ficar com a garganta crua de tanto cantar e gritar, de ficar com dores por todo o lado durante dias, de precisar de tomar um duche ao chegar a casa. 

Em comparação, o concerto do Rui Veloso foi muito certinho, muito sossegado. Estávamos todos sentados, todos de máscara. Não podia ser de outra maneira, claro. O mais radical que aconteceu foi as nossas máscaras terem ficado inutilizadas depois de termos cantado o Anel de Rubi em coro.

Soube-me bem à mesma. Serviu para matar o bichinho, para estar de novo em sintonia com uma multidão, passados estes meses todos (que mais parecem anos).

Já que falo sobre isso, o concerto de Avril Lavigne em Zurique tinha sido remarcado para fevereiro de 2021, mas vai ser adiado outra vez – bem como o resto da digressão. Triste, mas já se calculava. Há quem diga que só se realizarão em 2022.

Se algum dia conseguir ver a mulher ao vivo até vou achar que é mentira.

Entretanto, Avril tem passado as últimas semanas em estúdio. Anunciou música nova para janeiro de 2021, até andei algo entusiasmada por uns dias – dez anos depois de What the Hell no dia de Ano Novo e toda a espera por Goodbye Lullaby… Depois de um ano como 2020 saberia bem.

Mas não, será um dueto com Mod Sun (não sei quem é…) para o álbum dele. Bem, era bom demais. Não sei ainda se escrevo sobre Flames (o nome da música) quando sair – logo decido. 

Em todo o caso, é possível que Avril esteja já a preparar o seu próximo álbum. Pode ser que saia já em 2021 mas, conhecendo eu os ritmos dela, o mais certo é só sair daqui a dois anos. Cepticismo à parte, talvez ela queira esperar até ao fim da pandemia, para poder ir em digressão depois de editar o álbum.

Eu pelo menos não estou com grande pressa. Em primeiro porque Head Above Water só saiu há dois anos (embora pareça mais). Em segundo porque, depois desse álbum, estou com menos entusiasmo do que o costume. 

Talvez não seja má ideia ter as expectativas baixas.

No que toca a Lorde, no entanto, ninguém tem expectativas baixas. O terceiro álbum da neozelandesa tem estado no formo há algum tempo e quer-me parecer que será em 2021 que este será, finalmente, editado. Há cerca de um mês, Ella escreveu um texto sobre uma viagem que fez à Antártica em inícios de 2019, que alegadamente inspirou-a para voltar ao estúdio depois de Melodrama.

A viagem ocorreu há quase dois anos e agora é que Lorde fala dela? Não deve ser coincidência. Aposto que será uma questão de meses.

Não gostava de estar no lugar de Ella, para ser sincera. Ter de compôr um álbum digno de suceder a Pure Heroine e Melodrama? Eu entrava em parafuso. 

Talvez devêssemos todos baixar um bocadinho as expectativas, não sermos demasiado duros se este terceiro álbum não conseguir chegar ao nível dos antecessores. Parecendo que não, Lorde é humana. 

Dito isto… não se admirem se Ella conseguir arrebatar-nos de novo com o seu terceiro álbum. Se existe artista capaz de um hat-trick, essa é Lorde.

Não me parece que hajam mais artistas do meu nicho preparando-se para lançar música em 2021, pelo menos que eu saiba. Ainda assim, da maneira como as coisas estão, tudo pode acontecer. Logo se vê.

E era isto que tinha para dizer. Que as vacinas funcionem e que possamos voltar em breve a jantaradas com amigos e família, a viajar sem restrições, a concertos com moche, a jogos de futebol, a Raids presenciais, a encontros no Odaiba Memorial Day. Boas entradas num ano melhor do que este. Vemo-nos em 2021!

publicado às 13:45

Músicas Não Tão Ao Calhas – Bright

Não estava nos meus planos escrever este texto mas aqui estamos.

Bright é uma canção de Avril Lavigne, composta e gravada durante os trabalhos de Head Above Water, mas que foi excluída do alinhamento final do álbum. Há cerca de três semanas apareceu na Internet. Logo nas primeiras audições a música deixou a sua marca em mim. Pus a hipótese de escrever sobre ela, mas deixei-a de lado. Em parte porque ainda estava a trabalhar no meu texto anterior e tinha planos para escrever outro a seguir, em parte porque não era um lançamento oficial. Não que me tenha servido de impedimento antes, mas mesmo assim.

No entanto, a verdade é que a música tem vindo a significar mesmo muito para mim. Acabei por chegar à conclusão de que o tema tem uma mensagem importante nestes tempos conturbados que atravessamos, não podia deixar de escrever sobre ela. Estamos todos a precisar de uma canção como Bright.

Um pouco de contexto antes. Hoje em dia qualquer fã de Avril estará fartinho de saber que ela contraiu Doença de Lyme em 2014 e passou os anos seguintes a lutar contra a doença. Durante os primeiros dois, três anos da doença, deixou de poder fazer a sua vida normal. Houveram alturas em que ficou de cama, incapaz de realizar tarefas básicas, como lavar os dentes. Chegou a pensar que não conseguiria retomar a sua carreira musical ou mesmo sobreviver. 

Uma coisa de que me apercebi por estes dias foi que aquilo por que estamos a passar neste momento – a quarentena, o isolamento social – foi mais ou menos aquilo que Avril teve de fazer durante os seus primeiros anos da sua doença. A menos que tenhamos sintomas graves do Covid-19, não estamos tão debilitados como ela chegou a estar, felizmente, mas também estamos confinados às nossas casas, com as nossas vidas em pausa, sem saber quando, ou se, conseguiremos retomá-las. 

E agora, que Avril já tinha recuperado a sua vida, a sua carreira, tinha conseguido gravar e lançar um álbum, já tinha estado em digressão pelos Estados Unidos e Canadá, preparava-se para regressar à Europa e à Ásia (e eu ia vê-la a Zurique), isto acontece, ela é obrigada a colocar a sua vida, a sua carreira, em pausa outra vez.

Esta pandemia não está a ser fácil para ninguém e o caso de Avril está longe de ser o pior. Longe de mim insinuar o contrário. Mas não deixa de ser cruel.

Bright é uma canção que documenta bem a vida de Avril condicionada pela Doença de Lyme – melhor que as músicas da edição padrão de Head Above Water, tirando, quanto muito, a faixa-título. É possível que tenha sido composta mais ou menos na mesma altura em que Head Above Water e Warrior foram, quando Avril só tinha forças para se levantar da cama e se sentar ao piano. 

A produção é relativamente simples e minimalista – é possível que isto seja só uma demo. É conduzida pelo piano, a que se junta a percussão, teclados discretos e, apenas no pós-refrão e terceira parte, sintetizadores.

O foco deste texto não é a parte musical, no entanto, é a letra – que pode ter sido inspirada pelas dificuldades de Avril com o Lyme mas também pode ser aplicada à nossa situação. Bright começa com “Everything is numb. I lost all the feelings in my bones. Got no place to go.” Não sei como é com vocês, mas ultimamente tenho tido dias de desânimo, em que me custa sair da cama, em que não me apetece fazer nada – ou melhor, só me apetece fazer coisas improdutivas como jogar Sims ou Candy Blast Mania no meu telemóvel. 

Os versos do pré-refrão continuam nessa linha: “I’ve been sleeping through the days and nights”. A frase seguinte vai mais longe: “I’ve been feeling I can’t even fight for things that used to get me feeling so alive”. Avril aqui falará provavelmente sobre o facto de não poder fazer aquilo que mais gosta: cantar, ir em digressão. A mim, no entanto, recorda-me tudo o que o vírus nos tem tirado: a possibilidade de trabalharmos, para muitos nós; concertos, jogos de futebol, cinema, teatro e todo o género de eventos com multidões.

As coisas que, lá está, nos dão alegria, sentido, que nos fazem sentir vivos.

Na segunda estância Avril canta “Feeling like I’m somewhere in between. Everything I know slowly coming back to meet me”. Faz-me lembrar 26, dos Paramore. “I talk to myself about the places that I used to go”. Estando nós impedidos de viver experiências novas, uma das coisas que temos feito é olhar para trás. Como por exemplo recordando a final do Euro 2016. 

Admito desde já que não tenho autoridade para criticar tais atitudes. Sempre tive esse defeito: viver no passado, recordando períodos felizes, ignorando as coisas boas do presente. Além de que serei a última pessoa a criticar recordações da final de Paris – ainda hoje me emocionam vídeos como este e sei perfeitamente que iremos falar desse jogo até ao fim dos nossos dias.

No entanto, nesta fase do campeonato, não me tem ajudado muito olhar para o passado. Ao fim de algum tempo, só me recorda daquilo que não podemos fazer. 

Tendo em conta aquilo que se está a passar agora, estou grata pelas oportunidades não desperdicei nos últimos anos. Todos os jogos da Seleção a que fui, sobretudo a final da Liga das Nações no Porto. Os concertos dos Sum 41, da Shakira, de Bryan Adams, os encontros do Odaiba Memorial Day. Todos os almoços e jantares com família, colegas ou amigos, festas de anos dos meus primos pequenos. As viagens que tenho feito. As férias na praia. Até mesmo coisas menores como os passeios com a minha cadela, as tardes de escrita na esplanada. 

Mas também tudo isto me recorda que tão cedo não serei capaz de formar novas recordações para juntar a essas. O concerto da Avril foi cancelado e ainda não foi remarcado. O Euro 2020 foi adiado para o próximo ano. Era suposto o meu irmão vir passar a Páscoa connosco, no Algarve. É possível que o encontro do Odaiba Memorial Day não tenha de ser cancelado, pois será só em agosto, mas ainda não se tem a certeza.

E seria uma chatice cancelar o evento deste ano – logo agora que vão lá estar dobradores!

No refrão, Avril compara-se a uma estrela cadente. Que surge no céu, brilha durante alguns segundos e depois desaparece na escuridão. Se pensarmos um bocadinho nesta frase, se assumirmos que é uma metáfora da sua carreira, dos seus sonhos… é triste. 

Não duvido que hajam pessoas com sentimentos semelhantes neste momento – que tiveram de pôr as suas vidas, os seus projetos, os seus sonhos em pausa, e correm o risco de perdê-los definitivamente.

A segunda parte do refrão é mais otimista, falando da necessidade de manter os olhos no céu, não perder a luz de vista. O verso “Out of the darkness we burn so bright” faz-me pensar nos exemplos do melhor da humanidade que temos visto: o sacrifício de médicos e enfermeiros, pessoas cantando à janela, as mensagens de esperança de jornalistas, partilhadas nas redes sociais (com graus diferentes de realismo e lamechice mas, eh pá, se isso ajudar uma pessoa que seja a tornar isto tudo menos insuportável, não sou eu que vou criticar), os utentes que vêm à minha farmácia buscar medicamentos para os familiares e vizinhos, a senhora que, no outro dia, nos ofereceu umas fatias de bolo de chocolate. 

Na terceira parte, Avril fala sobre agarrar-se à sua luz interior, sobre lutar para recuperar os seus sonhos. Quando ela escreveu esta letra referia-se por certo à sua saúde. Aplicando à atualidade, no entanto, à pandemia, torna-se paradoxal porque, para muitos de nós, a única maneira que temos de lutar pela nossa liberdade é… continuando prisioneiros. 

 A solução passará mesmo pela ideia defendia pelo refrão: continuarmos à procura da luz, agarrar-nos ao nosso melhor lado – ao civismo, à solidariedade, à esperança. Acreditar que, mais cedo ou mais tarde, isto passará. Que, como dizem nas internetes, iremos todos ficar bem.

Ainda que eu tenha algumas reservas.

Em suma, não sendo uma letra super original, Bright é melhor que músicas como Warrior e mesmo Head Above Water ou It Was in Me até certo ponto. Isto porque, como acabámos de ver, em vez de se pôr com clichés, Avril diz exatamente aquilo que sente: a apatia, a frustração, a determinação, a esperança. E, pelo menos falando por mim, isso repercute na audiência, sobretudo numa altura como esta. 

Bright podia e devia ter sido incluída em Head Above Water. Talvez soasse um bocadinho redundante com Warrior ou a faixa-título mas este álbum está cheio de redundâncias. Birdie, I Fell in Love with the Devil e Tell Me It’s Over sobre relações tóxicas; Crush e Love me Insane sobre redescobrir o amor. Se era para haver repetição de temas neste álbum, que fosse, sobre a sua luta contra a Doença de Lyme – aquilo que, supostamente, seria o conceito principal de Head Above Water.

Por outro lado, não posso negar que Bright apareceu na Internet numa altura excelente. Pergunto-me se isso foi deliberado da parte do pirata informático que desencantou esta canção (simpático da parte dele ou dela) ou se foi mera coincidência.

Em todo o caso, é por situações como esta (que, como neste caso, nem sempre estão sob o controlo dela) que Avril se vai mantendo no topo das minhas preferências, mesmo sem o merecer por completo. Ela será sempre a minha mãe musical.

Espero, assim, que Bright também vos dê consolo e alento enquanto esperamos que esta pandemia se resolva. 

Quanto a este blogue, tinha referido na publicação anterior que queria escrever textos em atraso. E é o que tenho feito. Tenho estado a trabalhar numa análise que ando a adiar há muito tempo. No entanto, quero publicá-la numa data específica em maio. Ainda vão ter de esperar para poderem lê-la. 

Entretanto, comecei outro projeto, algo inesperado. Um diário. 

Tinha visto de passagem no Twitter sugestões para escrevermos diários durante este período de pandemia – um período que, todos concordam, vai mudar o Mundo, que será estudado por historiadores no futuro. A ideia ficou-me no subconsciente, um dia destes ressurgiu e resolvi colocá-la em prática. 

Não voltei a encontrar o tweet em questão, mas tenho encontrado vários artigos sobre o assunto, encorajando as pessoas a escreverem diários. Para além dos benefícios psicológicos numa situação difícil e extraordinária como esta, no futuro estes diários serão objetos de estudo de historiadores. Servirão para informá-los acerca do impacto que esta pandemia está a ter no dia-a-dia de pessoas comuns como nós – algo que nem sempre é fácil descobrir através de fontes oficiais. 

A autora deste artigo, por exemplo, revela que escreveu no seu diário sobre as primeiras semanas ou meses após o 11 de setembro, a maneira como as pessoas da sua comunidade estavam a reagir à tragédia. Por outro lado, também escreveu sobre a maneira como viveu a vitória do seu clube, The New England Patriots, na Super Bowl. 

Não posso deixar de comentar esse aspeto pois foi precisamente com esse fim (ainda que de forma inconsciente) que criei o meu blogue sobre a Seleção Nacional. 

Neste artigo referem que será preferível escrever um diário manuscrito em vez de digital. Supostamente serão mais duradouros.

Será verdade? Tenho as minhas dúvidas – não encontrei nenhuma fonte que corroborasse essa teoria. Mas suponho que, para um historiador, será mais fácil estudar um velho caderno escrito por uma tia-avó do que escavar por entre toneladas de lixo digital, tentando separar publicações sérias de desinformação.

Não me interpretem mal, se preferem escrever ao computador, num blogue ou num ficheiro Word protegido por palavra-passe (ainda é possível proteger ficheiros Word com palavra-passe?), estejam à vontade. Escrever é sempre bom. 

Eu no entanto prefiro escrever o meu diário à mão. Mesmo que não sirva de objeto de estudo para um historiador, pode ser que algum descendente meu queira ler sobre a minha vida durante a pandemia. Se nem para isso servir, será apenas um exercício de entretenimento e auto-reflexão.

Ora, visto que tenho escrito sobre coisas que ocorrem na minha família ou no meu emprego, não poderei partilhar o meu diário na íntegra aqui no blogue. A ideia é este diário só ser lido daqui a muitos anos – quando aspetos que hoje são privados já não serão relevantes. Mas poderei eventualmente publicar alguns excertos – com alguma distância temporal. 

Este texto foi adaptado de uma das entradas do meu diário, na verdade. Precisamente por causa do impacto que Bright teve em mim. 

Vou, assim, passar estes dias de quarentena e isolamento social a escrever, quer no meu diário quer neste blogue (o outro, infelizmente, vai ficar em águas de bacalhau por tempo indefinido). Quanto a vocês, lavem as mãos, fiquem bem e em casa. De uma maneira ou de outra isto há de passar. 

publicado às 22:16