Neste último ano, ano e meio, tenho ido a muitos concertos. Mesmo muitos. Já nem conto. No ano passado dizia que 2023 tinha sido o ano dos concertos só porque tinha ido a cinco – que tonta! De tal forma que, neste último ano, concertos passaram a ser a minha “cena”: aquilo pelo qual quase toda a gente na minha vida me pergunta. Isto porque, depois, publico fotografias e vídeos nas minhas redes sociais, sobretudo no Facebook e Instagram.
Não que isto tenha vindo do nada. Quem acompanhe o meu blogue há algum tempo saberá que adoro concertos. Tive a sorte de, no último ano, ter podido cruzar-me com as digressões de vários nomes de peso do meu núcleo duro de músicos preferidos. Três deles no mesmo mês. Dois deles no mesmo dia.
Mas os principais culpados pela minha era de ir-a-todos-os-concertos-possíveis são os amigos que fiz entre os fãs do tributo português aos Linkin Park (bem… um deles). O nosso problema é desencaminharmo-nos uns aos outros. Para concertos dos Hybrid Theory na maior parte dos casos, mas também para outros artistas ou bandas.
Tenho gasto muito dinheiro em bilhetes, sim. Ninguém espera que a Eras Tour ou o Rock in Rio sejam baratos. Ao mesmo tempo, tenho ido a muitos outros a preços relativamente acessíveis ou mesmo gratuitos. Na minha busca por concertos dos HT e, mais tarde, de nomes como GNTK ou Diogo Piçarra ou outras bandas de tributo, como os Decoded ou Hybrid Park, tenho descoberto vários clubes, festas de aldeia em cantos remotos do país, festivais de música locais. Já podia ter começado a ver artistas nacionais de que gosto sem gastar muito há bastante tempo.
Bem… em teoria. Na prática, nem todas estas festas são perto de Lisboa, onde vivo. Vários destes concertos são tarde – às dez, onze da noite, mesmo meia-noite ou mais tarde. Como quase nunca quero pagar alojamento, isso obriga-me a conduzir para casa a altas horas da noite. A minha primeira vez foi um grande passo para fora da minha zona de conforto – e foi apenas em Corroios, a vinte minutos de Lisboa. Hoje em dia consigo ir com relativa tranquilidade se o concerto em questão estiver a uma hora, uma hora e meia no máximo de distância – mas não adoro conduzir às duas, três da manhã. Sem companhia na viagem ou, mínimo dos mínimos, no próprio concerto, não me dou a esse trabalho.
Ainda assim, fica a recomendação. Olhem à vossa volta. É bem provável que encontrem bons concertos a preços acessíveis perto de vocês.
E a verdade é que… concertos fazem-me bem. Não faltam artigos por aí descrevendo os benefícios físicos e psicológicos, a oxitocina que se liberta quando cantamos em coro com outras pessoas – explicando as amizades que fiz nos últimos dois anos, e todos os artistas e bandas a quem me afeiçoei depois de os ver ao vivo. Mas a verdade é que, para mim, concertos estão entre as melhores experiências humanas. São expressões artísticas, são catarse, são comunhão, são celebração de música, de quem a cria, de vida. Quase uma experiência religiosa.
Não admira que os Hybrid Theory nos tratem a nós, o grupo de fãs, por “seita”.
Sinto mesmo que esta versão de mim, dos concertos – que vai a vários, que faz amizades com outros fãs, que fala tu cá tu lá com músicos, que, se for preciso, anda ao moche, que vai a listening parties (OK, só uma vez até agora), a ensaios abertos (também só uma vez até agora), que chega a subir ao palco com a banda (também só uma vez até agora) – já estava cá dentro há muitos anos. Estava só à espera das circunstâncias certas para se manifestar. Ou das pessoas certas.
Gosto dessa versão de mim. E, sobretudo, a Sofia de dezassete ou dezoito anos ficaria orgulhosa.
Estes concertos todos têm afetado os meus hábitos musicais. Por um lado, como disse Taylor Swift (embora eu já soubesse), eles ajudam a criar novas recordações em torno de músicas que muitas vezes já conhecemos há anos. Ganham uma nova vida, o universo delas e dos respectivos criadores expande.
Ao mesmo tempo, concertos são uma oportunidade para conhecer música nova. Quando não conheço o artista ou banda em questão assim tão bem, nas semanas anteriores faço um esforço por me familiarizar com a respetiva discografia. Há um meme que de vez em quando aparece no meu radar que o compara a estudar para um exame. Uma pessoa tenta prever que “matéria” irá “sair”, tenta garantir que está tudo na ponta da língua no momento da verdade.
Adoro a analogia, sobretudo pela parte negativa: às vezes é um frete. Regra geral, preciso de ouvir a música várias vezes antes de formar uma opinião, antes de a entranhar. E, sobretudo no ano passado, nem sempre tenho tempo. O meu percurso até ao trabalho é curto – tem muitas vantagens, atenção, a única desvantagem é que só dá para ouvir duas ou três músicas no caminho. E às vezes não me apetece estar a “estudar” para um concerto – apetece-me ouvir a minha música ou ouvir um podcast.
E, claro, por muito que me esforce, às vezes a música não me cativa. Noutros casos, no entanto, descobre-se ou redescobre-se muita coisa boa, vale bem a pena. Hei de dar exemplos.
De início, planeei este texto para servir de balanço musical de 2024. Já vou um bocadinho tarde para isso. Passa a ser um apanhado de cerca de um ano e trocos de concertos – incluindo alguns de 2025. Uma espécie de ponto de situação. Vou seguir uma ordem mais ou menos cronológica – sublinhe-se o “mais ou menos”.
No entanto, existem dois concertos que receberão muito mais palavras que todos os restantes. De tal forma que cada um deles terá uma publicação, uma parte deste balanço, dedicada a eles (e a um ou outro concerto relacionado). Não os vou publicar já já. Uma das partes está quase pronta, mas quero publicá-la no aniversário desse concerto. A outra ainda nem está rascunhada, ainda poderá demorar um bocado
Finalmente, não vou escrever muito muito sobre os concertos dos Hybrid Theory. É certo que estes lideram em termos de número de concertos a que tenho ido e vários dos momentos mais felizes dos últimos dois anos foram nesses dias (dias de HT, como gosto de dizer). Mas já tenho escrito muito sobre esses moces, não tenho assim tanto a acrescentar. Embora às vezes pareça que não, há vida para além de Hybrid Theory.
Só vou falar sobre dois concertos. Um deles é o Rock in Rio do ano passado. Andava com saudades do festival. Já fui muito feliz no Rock in Rio, sobretudo com a banda que os Hybrid Theory homenageiam. E a última vez que lá estivera fora em 2016. Desta vez, no entanto, a experiência do Rock in Rio em si não foi grande coisa.
Não me interpretem mal. Foi um dia feliz, tão feliz como os dias de HT costumam ser – um pouco acima da média, até. Para mim, começou na Feira do Livro – Lívia Borges, parte da família, apresentou lá os seus livros A Memória e o Vazio e A Cidade das Cinzas.Encontrei-me lá com mais membros da seita e passei a maior parte do resto do dia com eles.
E os Hybrid Theory deram um bom espetáculo, como dão sempre. Foi um alinhamento mais curto, só de uma hora, mas em compensação trouxeram de novo o Diogo Piçarra e o Alex D'Alva como convidados. Para mim, o ponto alto foi In the End. O Ivo veio para junto do público, como costuma fazer, e agarrou a minha mão (com alguma força). Lembrou-me, claro, quando agarrei a mão de Chester Bennington, o falecido antigo vocalista da banda original, uma década antes, também no Rock in Rio.
Mas, lá está, foi um concerto de Hybrid Theory normal. Não foi radicalmente melhor que um concerto de festa de aldeia. Não me interpretem mal, estou certa de que para os próprios moces foi muito melhor. Mas da minha perspetiva as poucas diferenças foram os convidados, a melhor qualidade do som (e, mesmo assim, de início o microfone do Pedro não pareceu estar a funcionar muito bem), bandas mais prestigiadas atuando antes (Evanescence e Europe, por exemplo, em vez de bandas de covers locais), ter pago muito mais e… ter passado fome.
Não me lembro do que comi em edições anteriores do Rock in Rio (lembro-me de, na edição de 2008,os nossos vizinhos de trás nos terem roubado as sandes que tínhamos trazido de casa, mas só isso). Nesta, no entanto, estive quase uma hora na fila para a Telepizza – antes de desistir porque os Evanescence estavam prestes a começar. A minha sorte foi ter trazido um económico no fundo da mala. Mais tarde, quando reencontrei o meu grupo, comi uma fatia da pizza que eles tinham conseguido comprar. E mesmo assim, quando cheguei a casa várias horas mais tarde, estava esfomeada.
Mas também, que mais seria de esperar de um festival que negou um croquete à Sónia Tavares?
Mais tarde, fiquei irritada com as declarações de Roberta Medina – quando disse, parafraseando, que as pessoas têm de se mentalizar de que não podem levar o carro para eventos destes. Por norma concordo, mas é fácil para ela falar. Ela é VIP, terá direito a estacionamento dentro do próprio recinto. Eu trouxe o meu carro de manhã para garantir um lugar recente e poder, depois, andar à vontade entre a Feira do Livro e o Parque Tejo. Não cheguei a usar o shuttle, não posso opinar (embora me recorde vagamente de as pessoas se queixarem). Mas usei o Metro, cuja estação mais próxima ficava a quarenta e cinco minutos a pé do Parque Tejo. Por sorte não estava muito calor mas podia ter estado, naquela altura do ano.
Se não querem que as pessoas tragam os carros, melhorem os acessos com transportes públicos!
Enfim. Como disse antes, já fui muito feliz no Rock in Rio e sim, voltei a sê-lo neste dia. Mas agora só lá volto se vier um nome mesmo grande das minhas preferências. E talvez até venha… mas estou a adiantar-me.
Falemos sobre outros concertos nesse dia. Não que tenha muito a dizer. Tentei preparar-me para o concerto dos Evanescence. Talvez pudesse ter-me esforçado mais, mas também foi daqueles casos em que a música deles não me cativou. Só mesmo o primeiro álbum, Fallen, e os singles do segundo, The Open Door (que, de resto, já andavam na minha rotação há um par de anos). A banda deu prioridade ao álbum mais recente que não cheguei a ouvir – ou não me recordo de ouvir.
Tudo bem. Estão no seu direito.
E de qualquer forma Amy Lee tem uma voz dos diabos, mesmo após mais de vinte anos de carreira.
Uma coisa que me irritou solenemente foram as pessoas à minha volta naquela zona. Todas feitas operadoras de câmara o concerto inteiro. Ninguém a cantar ou a interagir com a música de forma nenhuma.
Eu já tolerei menos pessoas filmando concertos. Já escrevi antes sobre partilhas de vídeos com fãs que não puderam ir. Eu mesma filmei um vídeo curtinho para as histórias dos Instagrams desta vida.
Porém… aquilo era o Rock in Rio! O palco principal! Aquilo estava a ser filmado profissionalmente e transmitido em direto na Sic Radical! Para quê gastar energia filmando vídeos de má qualidade, a quilómetros do palco, quando havia alternativa? Assim, por pura mesquinhez, fiz questão de cantar em altos berros quando tocaram músicas como Going Under, Bring Me to Life e My Immortal – arruinando os vídeos daquela gente toda com a minha voz.
Depois dos Evanescence, fui logo para o palco Galp, para ter com o meu grupo, guardar lugar junto à grade e assistirmos ao concerto dos Europe. Foi bom, claro, apesar de eu não conhecer praticamente nada da discografia deles. Gostei de ver o vocalista Joey Tempest, no entanto – é daqueles senhores que ficam mais sexys com a idade.
E, claro, The Final Countdown foi o ponto alto.
Deixemos agora o Rock in Rio e recuemos um par de meses e trocos, para o concerto de celebração dos quarenta anos dos Delfins. Fui com a minha tia e um amigo dela e ficámos numa das bancadas superiores do Pavilhão Atlântico. Há pouco tempo, durante o concerto dos Hybrid Theory em março, muita gente (a minha irmã incluída) se queixou da qualidade do som nessa zona do Pavilhão. Os meus pais também se queixaram quando foram lá ver a Mariza, uns meses antes. Eu neste, no entanto, não tive razões de queixa.
Em termos de som, isto é. Em termos de visibilidade, deixou muito a desejar. Penso que foi o primeiro concerto que vi no Pavilhão Atlântico que não tinha ecrãs gigantes. Nas bancadas mais altas só conseguíamos ver figuras minúsculas. Só fui capaz de ver o concerto como deve ser quando a RTP o transmitiu, mais tarde.
Tirando isso, foi excelente. Atrevo-me a dizer que Miguel Ângelo é uma das melhores vozes masculinas do país, se não for a melhor. Voz essa que, mesmo passados quarenta anos, não perdeu a força.
Quando comprámos os bilhetes, não conhecia assim tantas músicas dos Delfins. Conhecia o álbum Saber A Mar (que, para ser justa, esteve bem representado no alinhamento), 1 Lugar Ao Sol e uns três ou quatro dos êxitos mais óbvios. Este foi daqueles concertos para os quais precisei de estudar – e foi um dos em que mais recompensou fazê-lo.
O público esteve ótimo durante todo o concerto mas, para mim, o ponto alto foi Aquele Inverno. Uma música que, lá está, não me lembrava de ter ouvido antes de comprar os bilhetes. É extraordinária, no entanto: uma letra sobre temas bem reais e um refrão irresistível. As nossas vozes fizeram eco nas paredes do Pavilhão Atlântico, quando a banda voltou os microfones para nós.
Naturalmente, outros destaques foram as minhas velhas favoritas: Canção do Engate, 1 Lugar Ao Sol, A Cor Azul. Gostei muito no geral. Hei de repetir quando houver nova oportunidade.
Entretanto, eu e a minha tia voltámos a ver o Miguel Ângelo em concerto – desta feita com os Resistência, no início deste ano. Voltámos a cantar Aquele Inverno, 1 Lugar Ao Sol, Nasce Selvagem – entre muitas outras, claro. Ao que parece, vai passar a ser hábito: concertos de Ano Novo. A minha tia já me convenceu a comprar bilhetes para o do próximo ano – e desta vez vamos arrastar a minha irmã e o namorado dela connosco.
Só para verem que existe alguma componente genética no meu vício.
Duas semanas depois dos Delfins, fui ver o Diogo Piçarra ao Campo Pequeno – uma noite de meninas do grupo HT. Vi-o pela segunda vez no ano seis meses depois, em Tomar.
Minto: tecnicamente vi-o um total de quatro vezes em 2024. Duas vezes em nome próprio, duas vezes como convidado em concerto alheio: com os Hybrid Theory, no Rock in Rio e, claro, no dos Anjos.
Também “tive” de estudar para o primeiro concerto. Acho que, antes de comprar bilhete, a única música do Diogo que ouvia com alguma regularidade era Trevo (Tu) – que ainda adoro. Conhecia mais algumas de ouvir na rádio. Na preparação para o concerto, fui mais atraída pelo álbum mais recente, SNTMTL.
Para começar, por exemplo, Amor de Ferro (um dueto com Pedro Abrunhosa) tem um saborzinho especial por ter saído no mesmo dia que Friendly Fire. E é uma bela música por si mesma. Deu-me um gozo particular gritar “COMO É QUE NÃO VÊÊÊÊS?” em ambos os concertos. Também gosto muito de Sorriso – que funciona muito bem como encerramento de concerto. Neste momento, no entanto, acho que a minha preferida é Há Sempre Uma Música.
Nos últimos tempos tenho dado rotação ao último EP do Piçarra, Chuva. Desde o início que acho piada ao nome das músicas, ordenadas de modo a contarem uma história. A de que gosto mais é Continuo de Pé.
Uma das melhores partes de ambos os concertos foram os gémeos dançarinos que partilham o palco com o Diogo. Regra geral, não costumo ligar a dançarinos, mas não há como ignorar o Joel e o Josué. Metade do espetáculo vem deles. Tive a sorte de tirar foto com eles em Tomar.
E com o próprio Diogo também. Pelos vistos músicos algarvios que são simpáticos comigo são uma das minhas muitas fraquezas. Prometi-lhe que voltaria a vê-lo assim que pudesse – e vou cumprir a promessa, muito em breve.
Antes de seguir em frente, queria só assinalar que houve um casal que ficou noivo à frente do Diogo, em Tomar. As maiores felicidades para eles.
Falemos agora sobre os GNTK. Já tinha escrito sobre eles no ano passado. Descobri entretanto que “GNTK” vem de “genetik” que, por sua vez, alude à mistura de géneros musicais. A música deles tem uma base de rap/hip-hop, mas usa elementos de vários géneros. Por exemplo, Raízes tem fato e guitarra portuguesa. Voltas À Cabeça tem guitarra elétrica e discos giratórios. Riqueza tem saxofone. E estes são apenas alguns exemplos.
Não admira que tenha descoberto este projeto através dos meus “amigos dos Linkin Park” (outro nome para a família HT). Aliás, já que falamos de nomes, a nossa alcunha para os GNTK é “os russos” porque a sigla faz lembrar KGB (aqui entre nós, não acho que seja assim tão parecida, mas pronto, a alcunha ficou).
E a verdade é que, apesar de não dizer que não gosto de nenhuma música de rap ou hip-hop, tendo a preferir quando este é misturado com outros géneros musicais.
Tive a oportunidade de vê-los duas vezes até agora: em agosto do ano passado e em janeiro deste ano. Condições climatéricas absolutamente díspares. Em Amor, estava de calções. Em Ortigosa, estava com três camadas no tronco, duas nas pernas, e descobri que não dá para bater palmas com luvas.
Não será por acaso que a maior das festas de aldeia decorrem no verão.
Não tenho muito a dizer sobre os concertos em si. As músicas dos GNTK funcionam muito bem no palco, ganham uma nova intensidade. Raízes, por exemplo, com mais guitarra elétrica, é um dos pontos altos. Gosto das posturas em palco, não só do rapper/vocalista João Correia, mas também dos colegas Marcelo Barroso e Cláudia Brito. Esta última tem uma voz lindíssima. E em ambos os concertos pudemos conhecê-los e tirar fotografia com eles.
Hei de voltar a vê-los quando tiver nova oportunidade. Em princípio a próxima será em Carnide (no distrito de Leiria).
Queria agora falar sobre o Rockin’1000 – que se realizou pela primeira vez em Portugal a 14 de setembro do ano passado, em Leiria, e eu estive lá. Para quem não sabe, o Rockin’1000 é uma banda de mil músicos – a maior banda do mundo, composta por centenas de vocalistas, guitarristas, tecladistas, baixistas e bateristas (muitos “istas”. Mil “istas”.). Ao longo da última década, têm dado concertos em diferentes cidades no mundo, tocando temas clássicos do rock. Consta que o primeiro de todos foi em Cesena, na Itália – mil músicos tocando Learn to Fly dos Foo Fighters, como forma de convencer a banda a dar um concerto na cidade (resultou).
Fui a esse concerto porque o JLee, o fundador do grupo de fãs dos HT, foi um dos mil – um dos bateristas. Foi uma experiência muito gira. Mil músicos ao mesmo tempo é outra coisa, diferente de tudo. Até havia um maestro! Não estava à espera, mas adorei o pormenor.
Nas semanas seguintes, andei a “estudar” as músicas que iam tocar. Vários temas que já conhecia, outros que conhecia mais ou menos, outros que não conhecia de todo. Das últimas duas categorias, não houve nenhuma música que tenha passado a ouvir regularmente ou que me tenha cativado para além de “é um clássico”. As únicas exceções são Knights of Cydonia, dos Muse – e mesmo assim, muito mais ou menos – mas sobretudo a música mais importante de todas: Learn to Fly.
Das que mais me marcaram nesta noite foram Numb e sobretudo Don’t Look Back in Anger, por ter um vínculo emocional com ambas – sobretudo tendo em conta que os Linkin Park tinham acabado de regressar, com tudo o que isso implicou (mais sobre essa mixórdia de emoções aqui).
Um dos pontos altos foi Seven Nation Army. Só mesmo porque os músicos pareceram estar a divertir-se ainda mais do que noutras músicas. E Seven Nation Army pertence às multidões, aos estádios, tal como explicam aqui.
Na verdade, o melhor do Rockin’1000 foram mesmo os músicos – o JLee em particular, claro, mas não só – todos contentes, vivendo um sonho. O entusiasmo era contagiante.
O reverso da medalha é que… eles foram explorados. Os bilhetes não são baratos (e eles estavam a vender pão com chouriço a nove euros dentro do estádio. Essa ficou-me atravessada). Mas, tanto quanto sei, os músicos não receberam um cêntimo. Estamos a falar de músicos que vieram dos quatro cantos do país e mesmo do estrangeiro para Leiria – com os próprios instrumentos a reboque. Tiveram de tirar dias de férias para os ensaios, arranjar alojamento – isto para não falar do tempo que terão dedicado a ensaios a solo nos meses anteriores.
A organização do Rockin’1000 não podia ter pago ajudas de custo às pessoas que fizeram o espetáculo? Para onde foi o dinheiro dos bilhetes?
Outra coisa que me incomodou – bem menos – foi a ausência de músicas cantadas por mulheres. Não havia espaço para Joan Jett? Blondie? Heart? Alanis Morissette? The Cranberries? Já nem falo de Avril Lavigne ou Paramore…
Numb dos Linkin Park conta?
Ao menos no concerto deste ano um dos convidados será Mariza Liz. Já é qualquer coisa. Não é suficiente, mas já é qualquer coisa.
Este ano vai voltar a haver Rockin’1000, no mesmo sítio. O JLee vai lá estar outra vez e eu vou também. Os bilhetes já estão comprados.
No final de setembro do ano passado, os GNR tocaram na Feira da Luz. Pertíssimo da minha casa, quase dava para ir a pé, entrada livre – uma raridade. Os GNR são uma das minhas bandas portuguesas preferidas, andava há anos para vê-los ao vivo. Quando surgiu esta oportunidade, naturalmente, aproveitei.
Infelizmente, não me pareceu que houvessem muitos fãs “a sério” do GNR no concerto. Pelo menos não na zona onde estava. Mas havia pelo menos um senhor – na casa dos cinquenta ou sessenta anos – super entusiasmado, aos saltos, como se tivesse a minha idade, ou menos.
Como se fosse um membro do grupo HT. Só espero chegar à idade dele ainda capaz de me divertir assim.
O concerto em si foi giro, mas Rui Reininho é meio chanfrado. Tem a mania de mudar (ou de se esquecer?) as letras e mesmo as melodias das músicas. Todos os músicos o fazem até certo ponto, não é nada de inédito, mas o Reininho exagera. Uma pessoa quer cantar e atrapalha-se toda – quando, ainda por cima, havia pouca gente à minha volta cantando em coro comigo.
Mas pronto. Diverti-me. Deu para riscar da bucket list. Mas espero vir a ter oportunidade de vê-los num concerto “a sério”, com mais fãs.
Vou agora saltar quase dois meses até ao concerto de Bryan Adams – o meu sexto. Quando escrevi este texto, não sabia que os bilhetes já tinham esgotado. Por um lado, estava à espera que a minha irmã confirmasse que podia ver. Por outro lado, não estava à espera que esgotasse tão depressa. Isso não tinha acontecido com o concerto de 2022 – mas não me devia ter surpreendido tanto. O outro concerto decorreu na reta final da pandemia. Ficámos até aos últimos dias sem ter a certeza absoluta de que o concerto não seria cancelado – terá havido muita gente que não quis arriscar.
A realidade é outra em 2024/2025, no entanto. Agora não dá para esperar. Estava mais ou menos resignada depois de perder o primeiro comboio. Felizmente abriram segundas datas, a segunda de Lisboa a um domingo. A minha irmã não trabalha aos fins de semana, não precisava de me preocupar com ela. Aí saltei logo – comprei bilhete para mim, para a minha irmã e para o namorado e ainda arranjei maneira de desencaminhar uma amiga da família HT.
Tecnicamente duas, mas a outra comprou bilhete para o primeiro concerto antes de nós.
Desta feita, fiquei com a minha amiga num sítio diferente do costume: no meio, perto da grade. A minha irmã e o namorado ficaram mais afastados, perto do sítio onde ficámos em concertos anteriores. Adiantando-me um pouco, durante o concerto, tinha o Bryan a poucos metros de mim. E foram várias as ocasiões em que as câmaras se voltaram para o público e eu me vi a mim mesma no ecrã gigante.
Um pormenor que quero deixar registado em ata: enquanto esperávamos pelo início do concerto, um rapaz ao pé de nós matou o tempo vendo o filme Spirit no telemóvel – a maneira correta de esperar por Bryan Adams. E eu consegui ir espreitando.
Como tecnicamente esta era ainda a digressão de So Happy it Hurts, estava com receio que este concerto fosse muito parecido com o de 2022 – que, por sua vez, já tinha sido parecido com o de 2019. Estava enganada. Foi bastante diferente.
Começando logo pelo carro voador no início – que tinha uma câmara, acho eu. Para além disso, uma das maiores diferenças foi a constituição da banda: só quatro membros. Às vezes tínhamos Bryan no baixo e Keith Scott (um septuagenário!) como única guitarra. Às vezes Bryan pegava na guitarra e a música era tocada sem baixo.
É uma escolha. Sempre é melhor que manter apenas uma guitarra para todas as músicas, como acontece, por exemplo, no DVD Live in Slane Castle. Há canções em que isso não funciona de todo – o exemplo mas óbvio é It’s Only Love. Continuo a achar que era mais fácil manter a banda de cinco elementos, mas isto sou eu.
Tivemos várias surpresas no alinhamento. Uma delas, das mais agradáveis, foi Take Me Back – uma pérola escondida, uma das primeiras sobre a qual escrevi. Por outro lado, tocou a versão do DVD Live in Lisbon de Heaven – a minha versão preferida.
Aliás, no início de 2024, Bryan lançou o áudio completo desse DVD nos Spotifys desta vida. Uma jogada inesperada e, sinceramente algo confusa, mas que adorei.
Por outro lado, Bryan voltou a tocar Tonight, pela terceira vez consecutiva comigo lá. Não me queixo. Tocou outras favoritas minhas, como Cloud Number 9 e Back to You, os êxitos todos. Incluiu um medley de It’s Only Love com The Best e What’s Love Got to Do With It, em homenagem a Tina Turner (uma rainha que deixou saudades).
Alguns reparos: eu teria trocado Always Have Always Will por These Are the Moments That Make Up My Life. E a inclusão de uma versão de Can’t Take My Eyes Off You irritou-me – se calhar mais do que devia. A verdade é que não gosto da música e, por amor de Deus, o homem ia quase em quarenta e cinco anos de carreira (...como assim, quarenta e cinco anos de carreira?!?), dezasseis álbuns (...por acaso não tenho a certeza do número) e precisa de incluir covers num alinhamento?
Mas pronto, são coisas menores. E mesmo passados mais de vinte anos desde a primeira vez, mesmo sendo a versão Bare Bones pela quarta vez consecutiva, não me canso de cantar Here I Am em todos os concertos de Bryan.
Esta é que nunca pode sair do alinhamento.
Tenho andado convencida de que Bryan voltará a Portugal em breve. Este ano acho que já não dá, talvez no próximo…? Bryan vai lançar o seu próximo álbum Rolling With the Punches, no final de agosto – até estou surpreendida por não sair mais cedo. Não ando muito impressionada pelas músicas que saíram até agora. Neste momento, a de que gosto mais é da mais recente, Never Ever Let You Go.
Também não estou à espera de grande coisa do álbum novo. São só mesmo desculpas para continuar em digressão. Conforme alguns fãs têm comentado, de um dia para o outro a digressão mudou de nome mas, tirando a inclusão de um par de músicas novas, não mudou mais nada. Mas não deixa de ser um bom concerto, por isso, quem se rala?
Eu fico à espera. Enquanto puder, enquanto Bryan não se fartar, eu não me farto.
Passamos, agora, de um repetente a uma estreia – outro nome grande que desejava ver ao vivo há mais de uma década. É engraçado, os Within Temptation atuaram quase no mesmo sítio – na Sala Tejo em vez da sala principal – e nos dois dias a seguir ao segundo do Bryan, mas foi bastante diferente. A minha companhia era diferente – amigos da família HT (aliás, o concerto foi no segundo aniversário do grupo), mas não a mesma que viera comigo no domingo anterior – e, claro, a audiência de Bryan Adams não é bem a mesma dos Within Temptation.
Apesar de os conhecer há muitos anos, este foi um dos concertos para os quais precisei de estudar. Só mesmo o álbum mais recente, Bleed Out, que motivara a digressão. Não detesto o álbum, gosto mais do que do Resist, fiquei a gostar um bocadinho mais depois do concerto… mas a verdade é que raramente tenho vontade de o ouvir.
O concerto teve duas bandas de abertura, os Blind8 e os Annisokay. Não foram maus, sempre entretiveram. Tivemos dois destaques óbvios: quando a própria Sharon den Adel subiu ao palco para cantar Labyrinth com os Blind8 – de t-shirt e calças de fato de treino, algo que não estava no meu cartão de bingo.
O outro momento de destaque foi quando os Annisokay tocaram uma versão de One Step Closer. Uma homenagem ao falecido Chester Bennington, conforme explicaram, mas talvez também tenham adivinhado que havia gente no público que se conhecera graças a uma certa banda e ao seu tributo português. Eu e o meu grupinho naturalmente virámos Linkin Park no vídeo de Two Faced.
Nove em cada dez vezes que parte da família HT se reúne, mesmo sem ser para concertos, acabamos a cantar músicas dos Linkin Park. Muitas vezes nem é por iniciativa nossa.
Quanto aos Within Temptation em si, foi um bom concerto. O alinhamento deixou um pouco a desejar. Tinha esperanças de que tocassem Somewhere, mas sabia que era pouco provável. Mas não estava à espera que deixassem Memories ou What Have You Done de fora.
Ainda assim, tivemos melhor alinhamento que a noite anterior. Na véspera houvera All I Need e Mother Earth. Nós tivemos Angels e Ice Queen, de que gosto muito mais.
Por fim, tivemos o privilégio de ter Tarja em palco e as duas rainhas cantando Paradise (What About Us?). Aliás, a Sharon é incrível. Linda, enérgica, interage bem com o público, uma voz fabulosa que não falha. Nem mesmo quando não pára quieta em palco.
Podem crer que fiz por acompanhar Sharon nos vocais, mesmo nos mais agudos. Sobretudo nos mais agudos, como precisamente Angels e Ice Queen. Era aquilo com que sonhei durante os anos à espera desta oportunidade. E aqui entre nós, quem é que se pode chamar a si mesmo fã de Within Temptation sem sequer tentar cantar com Sharon num concerto?
Por outro lado, o guitarrista Rudd Jolie estava do nosso lado. Também fartou-se de se meter com o público.
Em suma, gostei muito, espero voltar a vê-los. Mas de preferência numa digressão diferente, com outro alinhamento.
Finalmente, um mês depois, mais coisa menos coisa, voltei ao Pavilhão Atlântico – à sala principal. Desta vez fui quem foi desencaminhada – para ver os Anjos. Em jeito de comemoração dos vinte e cinco anos de carreira, a dupla deu um concerto em conjunto com a Banda Sinfónica da GNR e a Banda Sinfónica da PSP. Os lucros reverteram para a Rede Nacional de Apoio a Vítimas de Violência Doméstica. Consta que se acumulou um cachê bem simpático.
Tinha passado o mês anterior a estudar a discografia dos Anjos – recordando algumas que ouvia quando tinha dez, onze anos, no primeiro CD deles ao vivo. Outras que me recordava vagamente de anos posteriores, de ouvir na rádio ou em novelas. Descobri algumas que não conhecia. São melhores do que me recordava.
Foi um concerto com lugares sentados mas, desta vez, deu jeito – eu estava doente. O que, mesmo assim, não me impediu de dançar e em geral divertir-me.
Não que tenha muito a dizer sobre o concerto. Não adorei que tivessem despachado os primeiros êxitos – Perdoa, Quero Voltar, Ficarei – logo no início. Eram as músicas com maior valor nostálgico para mim. E nem sequer tocaram Numa Noite ao Luar, uma das minhas preferidas.
Tirando isso, foi um bom concerto, com vários convidados. Tenho estado à espera que transmitam a gravação. À hora que publico, ainda nada. Pergunto-me se isso se deve ao processo entre eles e a Joana Marques. Talvez estejam à espera que a popularidade dos Anjos melhore.
Entretanto, hei de ser de novo arrastada para eles muito em breve. Desta feita será na Chamusca, nas festas da semana da Ascenção e convidaram o Diogo Piçarra. E estou certa de que haverão mais concertos depois deste.
E ficamos por aqui hoje. Obrigada pela visita. Encontramo-nos de novo daqui a dez dias e picos para a segunda parte deste balanço.
Finalmente, a última parte do balanço musical de 2023. Chegámos à secção das miscelâneas, das músicas soltas que se mantiveram na minha rotação ao longo do ano.
Uma delas, mais no início do ano, foi The Thing That Wrecks You, um dueto entre Bryan Adams e a cantora canadiana Tenille Townes. Não tenho muito a dizer sobre ela, é linda.
Outra marcante foi Don’t Take the Money, do projeto Bleachers de Jack Antonoff – com Lorde contribuindo com vocais de apoio, embora não seja creditada. Existe uma versão acústica, da MTV Unplugged, em que Lorde canta mais, é um dueto como deve ser.
Foi a minha irmã quem me mostrou a música. É muito gira.
Outra música que comecei a ouvir mais ou menos na mesma altura foi Dreams, dos Cranberries – depois de os Paramore a terem tocado durante um dos seus concertos na Irlanda. É uma canção de amor, é fofinha – e vocês sabem que não resisto a uma boa música pop rock cantada por uma mulher. Andei viciada nela por uns tempos.
Um grupo que me cativou forte este ano – e que descobri através da família HT – foi a dupla GNTK. Ainda ando a explorar a música deles, mas já houveram dois temas suficientemente marcantes para serem referidos aqui. Por sinal, são ambos duetos.
O primeiro é Raízes, uma parceria com Jéssica Cipriano. Estou chocada por esta música não ser mais conhecida. É das melhores músicas portuguesas que ouvi.
A letra para começar é excelente: daquelas que nos dão vontade de ligar aos avós. A sonoridade é muito única: uma mistura de hip-hop moderno com guitarras portuguesas. Já de si fantástica. Mas existe uma versão ao vivo em que arranjaram maneira de enfiar guitarras elétricas na música, incluindo um solo. Ficou brutal.
Uma das melhores partes é o refrão, na voz fabulosa de Jéssica Cipriano. Voz de fadista e muito mais. Até a minha mãe ficou rendida quando ouviu a música. Existe também uma versão a solo, gravada durante o podcast Canta-me uma História de David Antunes, também excelente.
Existem várias outras versões “gravadas” pela Jéssica durante esse podcast. Um dos mais célebres é de O Pastor, dos Madredeus. Também gravou um de Underneath Your Clothes, da Shakira. E também gravou um, fantástico, de In the End. Em janeiro, fui com a família HT mais próxima assistir ao Canta-me Uma História ao vivo, em Santarém. Como éramos nós, “obrigámos” Jéssica a cantar In the End. Mais tarde descobrimos que a Jéssica ficara aflita naquele momento, receava não estar à altura do desafio.
Não sei porquê, sinceramente. Ela arrasou.
Pena a Jéssica ainda não ter música inédita em nome próprio, tirando colaborações como esta com os GNTK. Dizem-me que ela estará a tratar disso. Fico à espera – para ouvir e, depois, mostrar a toda a gente.
Regressando aos GNTK, a segunda música deles que me marcou foi Diamante, a colaboração com N Fly. Esta canção tem uma sonoridade mais familiar – pelo menos em relação à ideia que tenho da música pop portuguesa atual – mas agradável à mesma, cativante.
Aquilo que me cativou a sério, no entanto, foi a letra. A mensagem principal é que tanto alegrias como tristezas (talvez mesmo mais) fazem parte da vida, da natureza humana, tornam-nos mais fortes (“Um dia a sorrir, outro dia a chorar faz de mim um diamante”). Num ano de muitos feels, como já referi antes, não é de surpreender que esta letra me tenha tocado.
Também já escrevi antes que não me sinto muito confortável com tristeza e outros sentimentos mais negativos – e como me senti triste ou ansiosa muitas vezes este ano, tive de aprender a lidar com isso. Ainda estou a aprender – “dá-me capacidade p’ra decifrar que quando chove nem sempre é tempestade”.
Diamante reza mesmo que “é quando os olhos choram que mais brilham”. Soa um bocadinho a frase inspiradora do Facebook, mas percebo o sentido e vale a pena falar sobre ela. Já começa a entrar em território de romantização de tristeza. Este tem sido um tema recorrente cá no estaminé, sobretudo a propósito de Crave,dos Paramore. Mas também me pergunto se será sempre assim tão saudável.
Por um lado, é perfeitamente válido ser-se otimista. Nem acho que seja mera ingenuidade. Muitas vezes, como reza Diamante, “se há portas que fecham, outras se abrirão”. Ou, como reza Bryan Adams, um otimista por natureza (como vimos antes), em Never Gonna Rain, “If there’s a heart that’s been broken, a love that’s been thrown away, it’s gonna be somebody’s treasure, someone else’s happy day”. Às vezes, coisas más dão oportunidades para coisas boas acontecerem. Podia dar exemplos disso ocorrendo na minha vida, mas nesta altura vocês já estão fartos de me ler falando sobre isso.
Mesmo quando isso não acontece… a tristeza é inevitável. Mais vale tentarmos tirar algum sentido disso, tirar lições, mesmo tirar alguma beleza. É o que poetas, músicas e outros artistas têm feito desde tempos imemoriais. Além disso, é da tristeza que nasce a empatia. E, conforme aprendemos com Inside Out e, uma vez mais, com o final da primeira temporada de Ted Lasso, quando lidamos com a tristeza de uma forma saudável, esta tem o potencial para nos aproximar de outras pessoas.
A questão é mesmo essa, no entanto: quando lidamos de forma saudável. Existem maneiras boas e maneiras destrutivas. Em teoria somos nós a escolher a forma como lidamos. Na prática não sei se é sempre assim. Depende de muitos fatores, cada caso é um caso.
E muitas vezes, há que dizê-lo, as coisas más são apenas isso. Às vezes não significam nada, não ensinam nada, não têm lado positivo. São apenas coisas que não deviam ter acontecido. Nestas alturas, há que ter compaixão com os demais e connosco mesmo.
É sempre bom quando músicas convidam à introspecção desta forma. Grata a Diamante por isso. Existem mais temas dos GNTK de que gosto – por exemplo, Voltas à Cabeça (quase parece uma música dos Linkin Park, misturando rock, rap e discos giratórios), Perdoa (João Correia faz sobretudo rap mas também sabe cantar, tem boa voz) e, agora mais recentemente, Amor Eterno – mas ainda preciso de passar mais tempo com elas. Vou continuar a acompanhar o trabalho desta dupla. Talvez torne a escrever sobre músicas deles cá no blogue no futuro.
Ainda dentro do tema dos feels, temos outra das minhas canções preferidas em 2023: What Was I Made For, de Billie Eilish, composta e gravada para o filme da Barbie (spoilers nos parágrafos abaixo).
Toda a gente se lembra do fenómeno Barbenheimer no verão passado. Gostei tanto como qualquer um – a grande vantagem foi ter motivado as pessoas a irem ao cinema, nesta era pós-pandemia. Da mesma forma, gostei do filme da Barbie q.b. A parte do feminismo não me impressionou por aí além. À semelhança de muitos, achei-o básico. Ao mesmo tempo, como dizem aqui, reconheço que foi suficiente para ser banido em vários países. Ou seja, um feminismo superficial mas ainda incómodo.
O que, na verdade, é triste.
Em todo o caso, a parte humanista, existencialista, do filme foi a que mais me tocou. A protagonista sentindo emoções pela primeira vez e tendo dificuldades em lidar com isso.
A minha cena preferida em todo o filme foi a da estação de autocarros, mostrada acima. Barbie tentando ligar-se à mente da sua dona, acabando por observar várias cenas da vida humana em seu redor e as emoções associadas a elas. Reparando numa senhora de idade sentada a seu lado e achando-a linda. Fez-me pensar em mim mesma que, como tenho comentado imensas vezes, passei 2023 sentindo tudo e mais alguma coisa.
Ainda acontece, na verdade. Continuo a ter fases em que passo por todas as emoções do espectro em poucas horas e chegou ao fim do dia exausta. Não sei o que se passa. Foi algo dentro de mim que se quebrou no ano passado, tornando-me mais sensível a tudo? Ou eu é que sempre fui assim, apenas tenho mais consciência do que sinto?
Não sei. Só sei que não é fácil. Às vezes canso de me aturar a mim mesma.
Por outro lado, o momento com a senhora de idade também me recorda aquilo que escrevi neste infame texto sobre ver os membros restantes dos Linkin Park envelhecendo.
É possível que a intenção desta última cena seja passar uma mensagem feminista. Talvez não seja “correto” da minha parte pensar em homens envelhecendo – até porque, regra geral, a sociedade lida melhor com o envelhecimento masculino. Mas, lá está, prefiro olhar para o ângulo humanista. Afinal de contas, tal como as emoções, a criatividade, o conflito, a mortalidade, as imperfeições em geral, envelhecer é humano, faz parte da vida. Daí Barbie, que (ainda) não é humana, sentir-se tão fascinada com a senhora.
E, no fim, Barbie escolhe precisamente ser humana, com todas as suas emoções, contradições e mortalidade. Tal como, agora que penso nisso, Ulisses no conto “A Perfeição”, de Eça de Queiroz. Vale a pena lê-lo.
Dava um bom clickbait: semelhanças entre Eça de Queiroz e o filme da Barbie.
What Was I Made For reflete, então, esse conflito. A narradora reclamando a sua humanidade, tentando adaptar-se a ela. Billie disse que, inicialmente, escreveu a letra pensando apenas na Barbie. Só depois percebeu que escrevera também sobre ela mesma.
A narradora de What Was I Made For apercebe-se que os demais não a veem como humana e sim como um objeto, um símbolo em que projetam aquilo que bem entendem. A Barbie é uma boneca, um ícone – como toda a gente sabe, como o próprio filme explora. Ao mesmo tempo, Billie é um ser humano, sim, mas também é a Billie Eilish: uma estrela pop, um ícone, um produto para ser comercializado.
Também não surpreende que Billie tenha, inconscientemente, vertido parte de si quando a letra fala de emoções. Ela nunca escondeu o seu histórico com depressão – “When did it end? All the enjoyment”. Eu identifico-me com os versos “I’m sad again, don’t tell my boyfriend” – não querer sobrecarregar os demais, entes queridos incluídos, com as nossas tretas, deixá-los pensar que está tudo bem. Também “I think I forgot how to be happy” – acontece-me de vez em quando, demasiadas vezes, estarem a acontecer coisas boas e eu estou demasiado presa à minha cabeça para disfrutar.
A música termina numa nota de esperança, no entanto. A narradora apercebendo-se que poderá obter as respostas que procura. Que pode ser ela a decidir para que foi feita.
É uma música linda que merece toda a aclamação que tem recebido. Espero que Billie lance mais música nova a médio prazo.
Queria agora falar de mais música que conheci através dos Hybrid Theory – direta ou indiretamente. A sequência Du Hast, dos Rammstein, Last Resort, dos Papa Roach, e Rollin’, dos Limp Biskit, que a banda põe a tocar antes do início de cada concerto. Tola como sou, só me apercebi que eram estas três com o concerto de Gondomar – e mesmo assim só consegui confirmar a ordem no último concerto deles a que fui, em Amiais de Baixo.
Ainda assim, lembro-me de ouvir pelo menos Rollin’ no ano passado, antes do concerto no Pavilhão Atlântico. Pensei, não sei se não comentei mesmo com a minha irmã:
– Pois… é a mesma geração. É a minha geração.
Vou ser sincera, até gosto destas músicas, mas não diria que estão entre as minhas preferidas. Estão cá mais pelo sentimentalismo, pela reação pavloviana de início de concerto dos Hybrid Theory. Nem sequer sei se eles as mantiveram como introdução agora, com o novo alinhamento (estou a tentar evitar spoilers até ao meu próximo concerto deles, em Grândola... não está fácil). Não importa, ficam nesta cápsula de 2023. As novas, se houverem, ficam na de 2024.
Ainda em relação aos Papa Roach, esta é uma banda que tenho ouvido muito nos últimos três meses, mais coisa menos coisa, precisamente por sugestão de gente da família HT. Tenho gostado muito – a minha preferida neste momento é Scars – mas, como só comecei a ouvir perto do final do ano, já não conta para 2023. Talvez escreva sobre eles no balanço de 2024.
Ainda assim, comecei ouvir Leave a Light On antes, mais ou menos na altura em que foi lançada como single. Já não me lembro ao certo como é que descobri a música. Sei que foi através de um reel do Instagram – não me lembro se foi alguém da família HT a partilhá-lo, se foi o próprio Ivo, o vocalista, numa story. Mas definitivamente falámos sobre a banda no Messenger ou num grupo de WhatsApp.
Em todo o caso, como os próprios Papa Roach assinalaram aqui, acaba por ser uma sequela à já referida Last Resort (cujo narrador se debate com ideação suicida). Leave a Light On é uma mão estendida a alguém passando por essas dificuldades. De tal forma que, em outubro passado, a banda lançou-a como single, com os lucros revertendo para a campanha Talk Away the Dark, da Fundação Americana para a Prevenção do Suicídio. Chegou mesmo a ser dedicada a Chester Bennington – até porque ele e o vocalista Jacoby Shaddix eram amigos e passaram por dificuldades semelhantes.
É uma música linda. Gosto imenso da voz de Jacoby.
Na mesma linha, temos A Reason to Fight, dos Disturbed. Com uma mensagem semelhante e igualmente bonita. Também fiquei a conhecê-la através da família HT. E os Disturbed merecem a referência, depois de momentos como este e este.
Agora queria falar de uma música com um tom semelhante a estas, ainda que o tema seja ligeiramente diferente. One More Time dos Blink 182.
Mesmo sem nenhum contexto, só com a música em si, esta é de partir o coração – para depois repará-lo de novo. Sobre amizades que se desfizeram e se recompuseram após uns quantos sustos. “I know next time ain’t always gonna happen, I gotta say I love you while we’re here”. Quase nem é preciso referir que a letra foi inspirada pelo regresso dos Blink 182 como banda após anos de separação. Após a luta de Mark Hoppus contra um cancro – felizmente venceu.
Note-se que temos os três membros da banda cantando à vez.
Outra música linda. Para além da beleza da letra, a instrumentação e produção simples estão perfeitas. Para mim One More Time é uma irmã de I Miss You, uma música dos Blink a que me afeiçoei na última meia dúzia de anos.
Há uns tempos, a propósito de Already Over, Mike Shinoda deu uma entrevista que incluiu uma secção de perguntas e respostas rápidas. Perguntaram-lhe que música ele gostaria de ter composto. Mike respondeu precisamente com One More Time. Como eram respostas rápidas, ele não elaborou muito mas, para além de elogiar a composição e a gravação, Mike assinalou o seu impacto, o seu “lugar no mundo”.
Pensemos nisto por um minuto.
Pois. Ainda bem que esta música não saiu uns meses antes. Teria dado cabo de mim. Mesmo agora, se for um dia errado…
Avancemos. Já que falamos sobre o Mike, outras músicas marcantes em 2023 foram as que ele lançou a solo: In My Head e Already Over. Desde que escrevi sobre a segunda, Mike lançou um EP no início de dezembro, intitulado The Crimson Chapter – esclarecendo aquilo que ele tinha referido acerca de “capítulos”.
Vou ser sincera, tirando a Already Over propriamente dita e In My Head, a única faixa de que verdadeiramente gosto é da introdução. O remix Fort Minor não é mau, admito. De qualquer forma, é admirável a maneira como Mike consegue pegar num conceito, numa ideia para uma música, e executá-la de tantas maneiras diferentes.
Ele é dos músicos mais talentosos e criativos da nossa geração. Ninguém me pode dissuadir disso.
Por outro lado, não gosto da nova versão de fine. A original é perfeita! Havia necessidade de andar a mexer?
Tenho também visto e ouvido as sessões que ele tem feito em diferentes países. No entanto, nenhuma teve o impacto da primeira, na Austrália. Continua a ser a minha preferida. Em todo o caso, Mike andou entretido.
Estava a contar que, em 2024, Mike continuasse a lançar música a solo, “capítulos”. Mas agora os Linkin Park preparam-se para lançar um álbum de êxitos, que incluiu uma inédita das sessões de One More Light, Friendly Fire, já lançada como single.
Fiquei contente, tal como qualquer fã. A música é linda (podia elaborar mais, mas isso foge ao assunto deste texto). Por outro lado, o timing desta música e deste álbum deixa-me intrigada – sobretudo quando, supostamente, o Mike ia continuar a lançar música a solo. Porquê agora? Significa alguma coisa? Talvez tenham gostado do sucesso de Lost e tenham querido tentar replicar. Talvez tenha sido ideia da gravadora. Talvez os Linkin Park queiram manter-se na consciência do público, porque não tencionam manter-se em pausa durante muito mais tempo…?
Não quero pensar muito nesta última hipótese. Em parte para não criar falsas expectativas, em parte porque, mais de seis anos depois, continuo sem saber como me sentir em relação a isso. Até porque, neste último ano, uma certa banda de tributo entrou na equação e complicou ainda mais a coisa (essa e muitas outras).
A solução é a mesma de sempre: aguardar notícias, se houverem, e ir lidando com elas.
E como já estamos a olhar para o futuro, recordar que os Sum 41 lançam este mês o seu último álbum, Heaven :x: Hell. Já falei brevemente sobre Landmines antes. Ainda em 2023, lançaram um single da parte Hell, Rise Up. Gosto, mas confesso que ainda não lhe tenho dado muita rotação. Hei de lhe dar quando sair o álbum todo.
Os Sum vêm ao NOS Alive despedir-se de nós, no dia 13 de julho. Eu queria ir, só que demorei demasiado tempo a decidir-me. Os bilhetes para esse dia esgotaram antes que se conseguisse dizer “Os Pearl Jam também atuam no dia 13”.
Não me vou queixar muito pois já vou a muitos concertos este ano. Além de que já os vi duas vezes ao vivo. Que o pessoal que lá vai se despeça deles por mim, que lhes deem um grande abraço e que peçam ao Deryck para, por amor de Deus, deixar de ter experiências de quase-morte.
Pois é, já perdi a conta aos concertos a que vou este ano e/ou a que quero ir. Como já referi antes, já fui outra vez aos Hybrid Theory há um mês, em Amiais de Baixo. Vou vê-los outra vez em Grândola, a 23 de março, e também ao Rock in Rio – eles acabaram de ser anunciados para o dia 15 de junho.
O Rock in Rio! Para além de ser um grande feito para eles – são a primeira banda de tributo a chegar lá – foi o festival onde vi os Linkin Park duas vezes, onde me apaixonei a sério por eles. Será um outro nível de homenagem.
De caminho, vejo o resto do cartaz nesse dia.
E não devo ficar por aqui este ano em termos de HT. Hei de continuar a ir a concertos deles, consoante as minhas possibilidades. Talvez consiga ir a mais um no verão – ainda não tenho a certeza, mas vou tentar. Eles vão ficar fartos de mim.
Para além destes, já referi no blogue que vou ver os Delfins, com a minha tia, e que vou à Eras Tour. Também vou a uns outros quantos com parte da família HT: ao Diogo Piçarra, a 20 de abril, ao dos Anjos, a 28 de dezembro. Não conheço a discografia destes dois super bem. Um pouco melhor a dos Anjos e, mesmo assim, mais o início de carreira deles (acho que não vão tocar a versão deles de As Long As You Love Me).
Mas pronto, são músicos portugueses, são simpáticos, o Diogo cantou com os Hybrid Theory no Pavilhão Atlântico, é um dos nossos. Já tenho andado a ouvir a música do Piçarra como quem estuda para um teste. Hei de fazer o mesmo com a música dos Anjos – tenho tempo até dezembro.
Por outro lado, os Within Temptation vão regressar a Portugal no dia 26 de novembro e vou vê-los – também com malta da família HT. A banda holandesa está numa situação semelhante aos Simple Plan e aos Sum 41, quando os vi em 2022: tenho-os negligenciado nos últimos anos. Como escrevi na altura, não gostei de Resist quando saiu. Ainda dei uma ouvidela a Entertain You, quando saiu em 2020, mas não gostei. Depois disso, nem me dei ao trabalho de ouvir as outras músicas que foram lançando.
No entanto, nem eu nem o pessoal da família HT quis desperdiçar a oportunidade quando esta se apresentou. Já aprendemos a nossa lição.
De qualquer forma, espero que os Within Temptation sigam o exemplo dos Sum 41 e dos Simple Plan e se foquem no material mais antigo.
Por fim, Bryan Adams, o meu velho, vai voltar a Portugal para dois concertos: em Gondomar e cá em Lisboa, no Pavilhão Atlântico. Não estava à espera que voltasse cá tão cedo, ainda durante o ciclo de So Happy it Hurts. Mas claro que fico contente. À hora desta publicação, ainda não comprei bilhetes – a minha irmã não está a viver em Lisboa, ainda precisa que lhe aprovem as férias para estes dias – mas à partida devo estar lá. E também deve vir gente da família HT.
No pouco provável caso de não estar… bem, ninguém morre por isso. Já o vi muitas vezes, a última delas há relativamente pouco tempo. Quase de certeza haverão outras oportunidades e, como dá para ver, já estou muito bem servida de concertos.
E isto são apenas os concertos planeados até ao momento. Poderão haver mais. Aparentemente esta é a minha vida agora. Uma parte de mim acha uma loucura. Mas a verdade é que concertos são das melhores coisas do mundo, rejuvenescem, são o meu excesso, são a melhor versão de mim mesma. E agora tenho mais gente com quem ir – gente que, por sinal, conheci graças a um tributo à banda que me ensinou a gostar de concertos. Na minha idade e depois de dois anos de pandemia, esta é a altura para a curtir, à minha maneira, enquanto posso.
Algumas alegações finais sobre 2023. Como escrevi antes, foi um ano de altos e baixos mas terminou muito bem. E 2024 tem corrido mais ou menos da mesma forma.
Uma coisa com que não estou muito muito satisfeita, no entanto, é com este blogue. Ficou um bocadinho negligenciado em 2023. Já sabia que seria assim, que queria dar atenção a outros projetos e que continuaria sem muito tempo para escrever. Não significa que esteja contente com isso.
Já o disse antes, não é pela falta de qualidade, antes pelo contrário. Nem é tanto pela pouca quantidade. É pela falta de diversidade. Tirando este balanço, só deu universo Linkin Park e universo Paramore.
Nem tudo foi culpa minha. Esperava já ter visto o filme de Digimon nesta altura, mas ainda não foi possível. Entretanto, anunciaram a sua exibição nos cinemas portugueses no próximo verão. Tão bom! Assim sendo, vou esperar até lá.
Mas assim, e como o outro texto nos meus planos é o guia para Swifties sobre os Paramore, o próximo texto que irei escrever será sobre a terceira temporada de Ted Lasso. Para variar, para exercitar músculos que não uso há algum tempo.
É possível, no entanto, que não seja o próximo texto que publicarei. Aconteça o que acontecer, em abril terei de começar a tratar do guia para Swifties, para ver se consigo publicá-lo antes do início da Eras Tour na Europa. Ou, na pior das hipóteses, antes dos concertos em Lisboa.
Porque a verdade é que vou continuar a ter pouco tempo para escrever. Não me vou queixar muito porque um dos motivos pela minha falta de tempo diz respeito a todos estes concertos e outros convívios. Não me vou ralar demasiado se estes textos continuarem a vir com atraso, com semanas ou meses de intervalo – tenho outras coisas mais sérias com que me preocupar. Este blogue é um passatempo, é auto-indulgência, é algo que faço só para mim. Vocês, caros leitores, são apenas danos colaterais.
É estranho falar nisto nesta altura, quando já estamos em março, mas 2024 promete para mim. Já falei dos concertos todos. Também vem aí o Europeu de futebol, para o qual Portugal parte com ambições.
Ao mesmo tempo, passam-se vinte anos desde 2004, um ano marcante para mim. Entre outros motivos, foi quando descobri a MTV e outros canais do género e me tornei fã de música oficialmente. Não acho que seja coincidência que muitos dos meus artistas e bandas preferidos hoje em dia tenham estado ativos em 2004 – mesmo que só tenha adotado oficialmente alguns deles anos mais tarde. Os ciclos de nostalgia seguem um período de vinte anos, vai ser excitante passar por este.
Mas vem aí algo ainda melhor, no próximo verão. Recebemos a notícia pouco antes do Natal: vou ser tia! O meu irmão, que vive em Zurique, vai ter uma menina! Não estava à espera, mas não podia estar mais feliz.
Na verdade, neste início de ano, sinto que na bolha que engloba a mim e as pessoas de quem gosto – que passou a incluir muita gente nestes últimos meses – as coisas estão estáveis, mesmo felizes. No entanto, olhando para fora, para a situação no país e no mundo em geral, só vejo tudo a piorar. Há uma estranha dissonância na minha vida.
Não digo que não tenho esperanças de que as coisas melhorem, mas sinceramente já tive mais. De qualquer forma, o que me vale é que tenho as pessoas na minha bolha para tornarem tudo menos insuportável.
E a minha escrita. Os meus blogues. E a minha música. Como nos anos anteriores, na verdade.
Como habitual, deixo-vos acima a minha playlist do ano, bem como o meu Spotify Wrapped. Obrigada, assim, por me terem acompanhado durante mais um ano. Que o resto de 2024 vos traga muitas coisas boas, tantas como, estou certa, me trará a mim. Continuem por aí.
Hoje quebro uma regra não escrita aqui do blogue e começo a minha retrospetiva musical do ano… em novembro. Como já tinha explicado antes, o meu plano inicial foi sempre escrever um texto nesse estilo sobre a música que Bryan Adams lançou em 2022. Como já estamos perto do fim do ano, o próximo texto terá uma estrutura semelhante e os textos que publicarei a seguir farão parte da retrospetiva, mais vale incluir já estes dois na série.
Agora só espero que o meu velho não me troque as voltas e não me lance música nova antes do fim do ano.
Até calha bem começar hoje pois Bryan completa sessenta e três anos hoje. Que este texto sirva de mensagem de parabéns.
A retrospetiva deste ano será interessante pois 2022 está a ser um ano louco para mim em termos musicais – quero ver o que irão dizer os relatórios anuais do Spotify e do Last FM. Este é apenas o começo. Infelizmente, como vamos entrar em modo Mundial daqui a poucos dias, os próximos textos ainda vão demorar.
Na verdade, vou começar este texto sobre Bryan Adams falando sobre uma canção de Lionel Ritchie. Foi durante a contagem decrescente para o início do concerto de 30 de janeiro. Como habitual, havia música a tocar nos altifalantes do Pavilhão Atlântico, para ir entretendo o público à espera que Bryan subisse ao palco. A certa altura, tocou All Night Long (All Night) e toda a gente se pôs a cantar, a bater palmas, a dar uns passinhos de dança. Foi o primeiro momento da noite em que a audiência se uniu pela música.
(Obrigada Elisabete Branco, do Bryan Adams Group do Facebook, pelo vídeo)
Estes são momentos subvalorizados da experiência de ir a concertos e que eu mesma aprendi a apreciar nos últimos tempos. Já tinha acontecido em 2017, antes do concerto dos Sum 41, com o público cantando One Step Closer dos Linkin Park. Voltou a acontecer em força no concerto mais recente dos Sum 41 com os Simple Plan – a produção conhecia a audiência e pôs a tocar vários êxitos do emo/pop punk dos anos 2000. All the Small Things, Sugar, We’re Going Down, Misery Business (poucos dias antes de ser oficialmente “descancelada”), Basket Case (OK, esta era dos anos 90, mas pronto…).
Da mesma forma, acredito que a equipa do Pavilhão Atlântico tenha posto All Night Long a tocar pelos eventuais fãs cruzados – Ritchie também foi um cantor de sucesso nos anos 80 e 90. Mas eu gosto de pensar que o público aderiu não só por isso, também pela mensagem da canção: “Well, my friends, the time has come, to raise the roof and have some fun”. Depois de quase dois anos de pandemia, dez mil almas vinham finalmente a um concerto a sério.
Nas semanas seguintes fiquei obcecada pela música e apercebi-me de algo: eu preciso de música alegre para sobreviver, sobretudo em momentos menos felizes da minha vida. Aconteceu em 2017 com Loucos, de Matias Damásio, que me fez chorar na manhã a seguir ao concerto de homenagem a Chester Bennington. Aconteceu no ano passado com o singleSolar Power, num verão em que não pude ir de férias. Acontecia agora com All Night Long, num período em que estava menos feliz do que tenho estado ultimamente.
Música alegre tem má reputação nalguns círculos. Alguns argumentos até fazem sentido. Em pesquisas para este texto, dei com um par de artigos descrevendo a maneira como a música alegre pode ser usada para controlar a população, tornando-a mais complacente, agressiva, mesmo mais racista e xenófoba. Vejam-se as marchas militares, hinos nacionais, cânticos de claques desportivas.
Confesso que estes artigos me fizeram questionar muita coisa, mas isso foge ao âmbito do texto. Passemos à frente.
Assim, manipulação de massas à parte, há quem acredite que a música alegre é por defeito mais fútil, inferior a música triste ou zangada. Por exemplo, um dos motivos pelos quais muitos criticaram precisamente o álbum Solar Power foi por ser demasiado alegre – como poderão ler aqui, na minha opinião, os problemas do álbum são outros. Noutro exemplo, durante os trabalhos do Self-Titled dos Paramore, Hayley Williams tinha algumas dúvidas em relação a Still Into You – receava que fosse demasiado alegre. Em oposição, alguns géneros de música fazem quase uma romantização da tristeza – o “emo” é o exemplo óbvio, mas também a estética da “sad girl”.
Isto acaba por entrar na questão do idealismo versos cinismo – a felicidade e o otimismo são infantis, a infelicidade e o pessimismo são adultos. A cena do génio torturado. Citando Ursula K. Le Guin, “temos um mau hábito, encorajado por pedantes e sofisticados, de considerar a felicidade como algo um tanto estúpido. Só a dor é intelectual, só o mal é interessante. Essa é a traição do artista: uma recusa em admitir a banalidade do mal e o tédio terrível da dor.”
Não concordo a cem por cento com esta citação, no entanto, sobretudo com a última frase. Não acho que ninguém considere a dor “entediante”. Pelo contrário, a expressão artística poderá ser uma maneira saudável, num ambiente controlado, de sentir e lidar com sentimentos negativos. Essa é a própria definição de catarse – havemos de regressar a essa ideia. Mas definitivamente concordo que existe a ideia de que a felicidade é anti-intelectual.
Mesmo eu, há dez anos, nunca viria para aqui dizer tão bem de uma música “de festa” como All Night Long. Claro que me tornei mais flexível nessas coisas com os anos – mas ainda não gosto do Pitbull nem de música semelhante à dele.
E de qualquer forma acho que, a certa altura, se foi demasiado na direção contrária. Penso que não é a primeira vez que refiro aqui que, apesar de ter gostado de folklore e evermore de Taylor Swift, a partir de certa altura estes começaram a pesar.
Além disso, recordo-me de estar de férias no verão de 2020 e na rádio tocavam músicas como everything i wanted, de Billie Eilish, e uma literalmente intitulada Death Bed, leito de morte. E eu pensava: “As coisas já estão suficientemente difíceis, com a pandemia e tal. Estou aqui a tentar aproveitar as minhas férias. Não podia tocar algo menos deprimente?”.
Não me interpretem mal. Não quero insinuar que não gosto de música que não seja “feel good” ou que não reconheço a sua importância. Afinal de contas, os Linkin Park são uma das minhas bandas preferidas e eles não têm uma única música propriamente alegre – apenas esperançosa ou reconfortante. Da mesma forma, este ano tenho explorado o meu lado “emo”/pop punk e tal, graças ao programa Everything is Emo de Hayley Williams e ao concerto dos Simple Plan e dos Sum 41.
Música que os nossos artistas ou bandas preferidas criaram para exorcizar os seus próprios demónios. Música que nos dá força, que nos dá esperança ou que, pura e simplesmente, dá voz, instrumental e melodia ao que estamos a sentir, que não nos deixa sozinhos no escuro. De maneira paradoxal, alguns dos melhores momentos da minha vida foram em concertos dessas bandas, sentindo essa raiva coletiva, revolta coletiva, tristeza coletiva. Já falei disso antes, mas Mike Shinoda chegou a dizer que um dos objetivos dos Linkin Park fora criar um sítio onde as pessoas experimentassem uma sensação de pertença enquanto gritavam que o mundo era horrível, um lugar seguro para exprimirem estas emoções mais negativas.
Isto tudo para dizer que todas as emoções musicais são válidas e importantes. Eu preciso de todas, não consigo limitar-me a apenas uma parte do espectro. Nunca me senti muito muito confortável com tristeza – o que, admito, poderá não ser muito saudável. Algumas pessoas se calhar estranhariam – já aconteceu, sobretudo quando era mais nova, considerarem-me mais triste e mais séria do que realmente sou.
Ou talvez tenha uma “resting bitch face”.
Como referi antes, nestes dias não estou tão infeliz como noutras alturas, mas ainda me recordo de sentir frases como “Life is good, wild and sweet” e “Forget all of the tears that you’ve cried, it’s over” batendo mais forte do que, se calhar, mereciam. Talvez fosse escapismo, talvez fosse enterrar a cabeça na areia. Ou talvez quisesse agarrar o momento de alegria possível, ser feliz nem que fosse apenas durante os cinco minutos ou menos de uma canção.
E a verdade é que é isso que a maior parte da música de Bryan Adams representa para mim. Música feel good para cantar no carro, sobre amor, sexo, aproveitar a vida, ser-se jovem, livre e feliz.
Aliás, acho que é essa a intenção de Bryan, sobretudo nos últimos anos. De que outra forma se explica que ele tenha lançado um álbum intitulado So Happy it Hurts depois de dois anos de pandemia? Não que ele não seja interventivo, antes pelo contrário. Conforme ele explicou nesta excelente entrevista, ele apoia causas discretamente. Bryan levantou mesmo a hipótese de, em vez de simplesmente boicotar ou “cancelar”, um concerto de música feel good num país reprimido ser por si mesmo um acto de ativismo.
Merece a reflexão, pelo menos. Em todo o caso, esse intervencionismo raramente é vertido para a música de Bryan em si. E, sinceramente? É melhor assim. Das poucas vezes em que isso aconteceu, não resultou, na minha opinião. E o espírito feel good da música de Bryan também tem o seu impacto em tempos tão difíceis como os atuais.
Um bom reflexo dessa atitude é o tema Never Gonna Rain, um dos singles de So Happy it Hurts. Bryan será sempre o otimista, o sonhador, a pessoa que tentará ver o lado positivo e focar-se menos no negativo. Esse espírito tem as suas limitações, claro, como Rose Colored Boy dos Paramore tão bem nos recorda, mas o cinismo também não é resposta para tudo. A virtude estará algures no meio.
Precisamos de música de intervenção, que denuncie o que está errado no nosso mundo. Precisamos de música que dê voz à nossa dor, à nossa raiva. Mas também precisamos de música que nos recorde que há mundo para além disso tudo, que a vida também pode ser boa.
O concerto dele em janeiro serviu para isso. Como referi antes, foi o meu primeiro concerto a sério após a pandemia – para mim e, acredito, para o resto da plateia – e celebrámos adequadamente. O próprio Bryan sentiu o nosso alívio, a nossa euforia. Orgulho-me em particular de ter aguentado o concerto todo sem tirar a máscara – sempre cantando, dançando, saltando, dando headbangs como se a música fosse mais pesada do que realmente é.
Como desenvolvido acima, a música de Bryan é perfeita para ilustrar este espírito. músicas como Here I Am, Back to You e Cloud Number 9 bateram particularmente forte – as duas últimas em particular, pois não lhes dera muita rotação nos meses anteriores.
O único motivo de queixa que não chega a sê-lo é que o concerto em si não foi muito diferente do de 2019. Só se tinham passado dois anos e cerca de mês e meio, logo, ainda nos recordamos de muitos dos truques de palco. Sou capaz de apostar que a montagem de fotografias que Bryan mostrou da sua vida em Birre, quando era miúdo, era exatamente a mesma.
Não que possamos censurar Bryan por isso. Quase não houveram concertos entre dezembro de 2019 e janeiro de 2022. Não houve tempo para Bryan e os seus colegas de banda se cansarem dos truques atuais e sentirem a necessidade de inovar. E, de resto, é uma queixa menor. Dez em dez, repetia a experiência.
Falemos agora sobre o álbum So Happy it Hurts. Este é outro trabalho cuja concepção foi condicionada pela pandemia. Tal como Hayley Williams fez com o seu segundo álbum a solo, Flowers For Vases, Bryan gravou todos os instrumentos (ou quase todos). Ao contrário do que aconteceu com FFV, em So Happy it Hurts não se nota. Não surpreende: Bryan tem muito mais experiência como instrumentista. Só precisou de reaprender a tocar bateria.
So Happy it Hurts assemelha-se a Shine a Light no sentido em que não tem nenhum conceito particular, são apenas músicas que Bryan foi compondo. Ainda assim, coloco o álbum mais recente um pouco acima porque, na minha opinião, tem músicas melhores. Pelo menos os singles saem um bocadinho mais da caixa habitual para Bryan – veja-se On the Road e Kick Ass, como discutimos no ano passado, e Never Gonna Rain, lançado uns dias antes dos concertos em Portugal.
Esta última é uma das minhas preferidas neste álbum. Foca-se mais no baixo do que o costume para Bryan e gosto dos vocais no pós-refrão, sobretudo no último. Por outro lado, o título da música é irónico num ano de seca.
A minha preferida, no entanto, é These Are the Moments that Make up my Life.
Esta foi uma das primeiras que ouvi quando o álbum saiu – as músicas foram publicadas no YouTube, calhou clicar primeiro nesta. Cativou-me logo, sobretudo por causa da letra.
Musicalmente é interessante – suave no início, guiada por um riff de guitarra, ganhando mais intensidade quando se juntam os outros instrumentos.
Não sei se esta não será uma das letras mais pessoais de Bryan em anos. These Are the Moments that Make Up my Life fala sobre a felicidade das pequenas coisas da vida doméstica e familiar: o som da chuva a cair, os beijos da pessoa que se ama, o riso das crianças.
Regressando ao tema de abertura deste texto, These Are the Moments that Make up My Life é um exemplo claro de música feliz que ninguém pode acusar de futilidade. Não que seja propriamente profunda, mas é uma maneira mais realista, mais terra-a-terra, de salientar o lado bom da vida. Nem sempre conseguimos ir a um concerto, à discoteca, à praia ou numa longa viagem, mas podemos ir colhendo felicidade nas pequenas coisas do quotidiano.
Foi de resto uma das lições da pandemia. Fomos privados de muito, mas serviu para nos recordarmos que, no fim de tudo, o mais importante são as pessoas que amamos. Nesse aspeto, These Are the Moments that Make Up My Life recorda-me World’s On Fire – uma das que melhor envelheceu do álbum Post Traumatic de Mike Shinoda.
Por estes motivos, de início pensei que Bryan tinha composto esta música durante a pandemia. Não foi o caso. Em entrevista, Bryan disse que These Are the Moments that Make Up My Life era uma ideia com uma década de idade que ele só conseguiu concluir durante os trabalhos para So Happy it Hurts.
Faz-me todo o sentido que os primeiros rascunhos desta canção tenham sido criados há dez anos – foi quando as filhas dele nasceram. Acredito que These Are the Moments that Make Up My Life tenha sido uma lição que Bryan aprendeu na última década.
Como adulto (e mesmo antes), ele nunca teve uma vida “normal”. Em entrevistas recentes, Bryan admite que não se recorda de grande parte dos anos 90, tirando fotografias, porque estava sempre a trabalhar. Fazia duzentos concertos por ano, chegou a estar quatro anos seguidos em digressão.
Vou agora falar de coisas que li em entrevistas antigas a Bryan algures entre 2008 e 2010. Agora não consigo encontrá-las e linká-las aqui, pois foi há mais de dez anos. Assim, não tomem o que vou referir a seguir como verdade absoluta. Segundo o que me recordo, Bryan confessou que, quando começou a haver uma epidemia de divórcios na sua equipa nos anos 90, percebeu que estava a exagerar. Entrando em território de fofocas, uma ex-namorada de Bryan terá dito que a relação não resultou porque a carreira dele tinha prioridade sobre tudo.
Não creio que Bryan se arrependa da maneira como passou os anos 90. Afinal de contas, foi o que o colocou onde está hoje. Mas a partir dos anos 2000 terá começado a moderar-se – indo em digressão apenas dez a catorze dias por mês. E depois dos cinquenta anos, depois de já ter atingido o pico, assentou com uma companheira (esposa?) vinte anos mais nova e teve duas filhas. (Inveja eu, por ele ser homem e capaz de se reproduzir depois dos cinquenta anos? Não! Que ideia…) Aí, terá aprendido o valor de uma existência mais tradicional. Daí These Are the Moments that Make Up My Life. (“I’ve taken some wrong roads, but I know this one's right”)
É claro que isto sou apenas eu a especular.
Gosto imenso do videoclipe desta música. Nesta era os vídeos de Bryan têm sido todos muito simples e este não é exceção. É apenas Bryan numa praia qualquer no Canadá, atirando paus ao cão do irmão. Este vídeo parece ter sido feito de propósito para mim. Como tenho referido várias vezes aqui no blogue, um dos meus lugares felizes nos últimos anos, um dos meus sítios perfeitos, é a Meia Praia de Lagos, passeando a pé com a minha Jane. A diferença é que ela prefere bolas em vez de paus.
O que condiz na perfeição com o tema da música.
These Are the Moments that Make Up My Life é, assim, a minha canção preferida de Bryan nos últimos anos – desde Brand New Day, pelo menos, ou talvez antes. Tenho alguma pena de os concertos de janeiro se terem realizado antes da edição do álbum – queria que ele tivesse tocado esta.
So Happy it Hurts não foi a única coisa que Bryan lançou este ano. Longe disso, o homem lançou-me quatro álbuns inteiros em 2022!
Já referi aqui no blogue que, há uns anos, Bryan compôs a banda sonora do musical Pretty Woman da Broadway, baseado no filme de Richard Gere e Julia Roberts. Durante a pandemia, em parte por aborrecimento, em parte por precisar de lançar música (mais sobre isso já a seguir), Bryan gravou a sua própria versão dos temas do musical e lançou-os em álbum.
Não tenho muito a dizer sobre estas músicas. São uma audição agradável, dentro do estilo de Bryan – ele foi um bom casting para um conto de fadas do mundo moderno. Diria que a minha preferida é On a Night Like Tonight – em parte porque emparelha com a On A Day Like Today, outra de que sempre gostei. Por outro lado, gosto imenso de Something About Her – clássico Bryan.
Falemos agora sobre as regravações que Bryan lançou de algumas músicas suas – as versões Clássicas. Basicamente, Bryan mudou de editora há um par de anos e a editora antiga terá ficado com os direitos da sua looooonga discografia. Assim, Bryan resolveu dar uma de Taylor Swift e regravou os seus maiores êxitos. Estes foram lançados em duas tranches – Classic e Classic Part II.
Antes de mais nada… isto não devia ser permitido. Seria de esperar que os autores de uma propriedade intelectual tivessem sempre direitos sobre o seu trabalho. Estas músicas só existem por causa do trabalho de Bryan e dos seus colaboradores. É triste que isto tenha acontecido a Bryan ao fim de mais de quatro décadas de carreira.
Dito isto… não percebo o que Bryan quer fazer ao certo ou o que ele quer que nós façamos. Estamos a falar de quarenta anos de música: catorze álbuns de estúdio, incluindo a banda sonora de um filme, uns quantos Best Of’s, múltiplos discos ao vivo. Mesmo que ele quisesse regravar toda a sua discografia – aquela que pudesse – provavelmente não faria mais nada com a sua carreira.
Nesse aspeto, faz sentido que Bryan tenha começado pelos seus êxitos. Talvez ele até queira ficar por aí. Por outro lado, ele não o fez com a pompa e circunstância com que Taylor Swift tem re-lançado os seus álbuns. Muitos fãs casuais poderão nem sequer ter reparado. E, tanto quanto sei (posso estar enganada), as rádios não receberam o recado e não estão a substituir as versões antigas pelas novas. Eu até estou disposta a abdicar das versões antigas, pelo menos em termos de música digital e pelo menos em termos de versões de estúdio (versões como as do Bare Bones e do MTV Unplugged são um caso à parte). Com um par de exceções de que falarei já a seguir. Mas não sei se todos os fãs estarão dispostos a fazer o mesmo.
Uma diferença entre os casos de Taylor Swift e Bryan é, aparentemente, o caso do segundo não ser pessoal. Sublinhe-se o “aparentemente”. Com Taylor, o tipo que ficou com os direitos da música dela foi alguém que conspirara contra ela (mais detalhes aqui). Tendo isto em conta, os fãs e o público em geral têm aderido às regravações de boa vontade – tarefa facilitada pela maneira como ela relançou Fearless e Red, este último em particular. Com Bryan não existe nenhum drama deste género, que se saiba. Não existe o mesmo imperativo moral para cortarmos com as versões antigas.
Pelo menos é isso que digo a mim mesma.
Além disso, se Taylor consegue recriar canções antigas com bastante fidelidade, para Bryan isso é quase impossível. Para começar, as músicas mais antigas de Taylor têm dezasseis anos – as de Bryan têm mais de quarenta. Não sei muito do assunto, mas assumo que as tecnologias de captação de áudio e produção musical tenham evoluído significativamente desde os anos 80.
Em segundo lugar, a voz de Bryan mudou. Os seus vocais nos dois primeiros álbuns são quase irreconhecíveis comparada com os dias de hoje, sem o seu icónico timbre rouco. Este começou a aparecer em Cuts Like a Knife e foi-se desenvolvendo nos álbuns seguintes até estabilizar, mais ou menos, em Waking Up the Neighbours, em 1991. Ele nunca poderia recriar os vocais das versões dos anos 80 de Summer of 69’, Heaven ou Cuts Like a Knife em 2022.
Talvez por isso Bryan não se tenha preocupado demasiado com a fidelidade. Ainda assim, as novas versões são bastante fiéis às antigas, com algumas exceções. Uma diferença marcante, que Bryan tem assinalado, é o facto de as músicas agora terem finais em vez de fade outs. Não tenho nada contra fade outs em música por princípio, mas sempre calculei que fossem complicadas de tocar ao vivo. Não me choca que Bryan tenha querido corrigi-lo.
Fiquei contente por Bryan ter regravado Hidin’ From Love e Teacher Teacher – duas canções que precisavam. Ainda este ano falámos sobre a primeira – ele já tinha publicado uma versão de Hidin’ From Love com este novo instrumental. E se há álbum que merecia uma regravação é o primeiro de Bryan.
Por seu lado, já tinha escrito aqui no blogue, a propósito dos 30 anos de Reckless, que o demo de Teacher Teacher tinha algumas arestas por limar, apesar de gostar da canção. Bryan fez exatamente o que eu queria.
Não desgosto desta versão de Back to You. Esta foi sempre uma das minhas canções preferidas dele – foi a primeira música “a sério” que aprendi a tocar na guitarra. Antes de Classic, Back to You não tinha nenhuma versão de estúdio – foi um original do álbum MTV Unplugged. Fica um amargo de boca por a versão Clássica não ter a orquestra da Julliard.
Na verdade, a única regravação em que me quero focar é a de Here I Am – a minha canção preferida de todos os tempos, como poderão ler aqui.
Esta era outra em que Bryan muito dificilmente poderia fazer copy/paste. Como vimos antes, foram os produtores da banda sonora do filme Spirit a dar um estilo mais R & B à versão original de Here I Am. No entanto, eles não estavam lá para as regravações.
A versão Clássica não difere radicalmente da versão de 2002 mas, de todas as regravações, será a mais diferente. Penso que esta é mais parecida com o que Bryan teria criado com os seus colaboradores habituais. A instrumentação é mais “orgânica”, mais rock. Os sintetizadores e produção eletrónica foram substituídos pelo piano e bateria.
Por outro lado, aplaudo o facto de Bryan ter resistido à tentação de encurtar a duração da música.
Here I Am, de resto, é daquelas canções que soa bem em praticamente qualquer arranjo. Ainda assim, de todos os temas regravados, este será o único em que me recuso a abdicar da versão original. Estou demasiado afeiçoada a ela. Aos backvocals na parte final (nos créditos diz que é Bryan a cantar, mas não me parece que seja ele), às batidas – sobretudo por causa da minha velhinha montagem de vídeos da Seleção.
Aliás, se eu tivesse tempo e software, faria uma montagem de vídeos para a versão Clássica – incluindo imagens de, entre outras coisas, o Euro 2016 e a Liga das Nações de 2019.
A grande vantagem de regravações como estas é que os temas ganham uma nova vida anos – ou décadas – depois de as ouvirmos pela primeira vez. Here I Am completou vinte primaveras este ano, é a minha preferida de sempre. E no entanto, duas décadas depois, continua a surpreender-me.
Nem tudo tem a ver com esta regravação, sequer. No início deste ano descobri Me Voilà, a versão francesa da música. E agora, há um par de semanas, descobri um cover feminino lindíssimo de Me Voilà: uma instrumentação bastante diferente, folk, mas que resulta.
E é tudo o que tinha para dizer. Que Bryan esteja a ter um dia muito feliz. Agradeço-lhe por tudo o que a sua música tem feito por mim. Não sei ao certo o que ele fará nos próximos tempos – estou curiosa. Em todo o caso, como acho que já o referi antes, enquanto ele cá estiver, eu estarei lá, dentro das minhas possibilidades. E, como já disse antes, não haverá nenhum outro sítio na Terra onde preferiria estar.
Quando Bryan Adams atuou pela última vez em terras lusas, no final de 2019, compilei uma lista de músicas dele que mereciam mais atenção – tanta quanto os Summer of ‘69 desta vida. Só publiquei o texto uns meses depois dos concertos porque sou péssima a gerir o meu tempo.
Agora, pouco mais de dois anos depois, Bryan está de volta a Portugal. Irá dar um concerto em Gondomar no dia 29 de janeiro e um em Lisboa, no dia 30 – é a esse que vou. Daqui a uns meses, no dia 15 de julho, Bryan atuará no Festival Marés Vivas.
Eu pensava que tinha deixado a promessa de publicar uma sequela às “Pérolas escondidas” quando Bryan regressasse depois de 2019. No entanto, quando fui dar uma vista de olhos a esse texto, não encontro essa promessa em lado nenhum.
Onde fui buscar essa ideia?
Passando à frente daquilo que eu espero que não sejam sintomas de demência, com promessa ou sem promessa, o regresso de Bryan é um bom pretexto para desenterrar mais algumas pérolas escondidas da sua discografia. Não tenho tantas como da última vez. As primeiras duas são apenas menções honrosas, aliás (opalas escondidas?). Mas não deixa de valer a pena trazê-las à luz.
Menções honrosas: I Still Miss You… a Little Bit e Hidin’ From Love
Eu na verdade já desenterrei I Still Miss You… a Little Bit há muito tempo, quando escrevi sobre o álbum Bare Bones. Este é um texto muito antigo, um dos primeiros que publiquei aqui – escrito uns meses antes de ter criado o blogue.
Por norma, não gosto de reler nem de referir os meus primeiros textos. Já lá vão quase dez anos, mais ainda nalguns casos. Na minha opinião, a minha escrita melhorou significativamente desde essa altura e não consigo olhar para esses textos sem ter vontade de reescrever tudo (o texto sobre Bare Bones não está muito mau, apesar de tudo). Não os apago do blogue. Mesmo que hoje não esteja satisfeita com eles, foi por escrevê-los – esses e muitos outros – que cheguei ao nível em que estou agora. Mas não os promovo da maneira que faço com textos mais recentes. Assim, de seguida irei repetir algumas coisas de que já falei nessa análise.
Como era a norma em Bare Bones, os únicos instrumentos são o piano e a guitarra acústica – com as palmas do público marcando o ritmo. O tom é saltitante e divertido, o que condiz com a letra. Destaque para o momento em que Gary Breit, o pianista, se entusiasma durante o solo.
A letra, então, descreve uma relação que falhou porque a amada não lhe conseguia ser fiel. Ao ponto de trazer outro homem para a cama com eles.
Como já escrevi antes, para mim I Still Miss You… a Little Bit conta a história de What the Hell, de Avril Lavigne, do ponto de vista do homem. Até porque as músicas foram lançadas com poucos meses de intervalo.
Por outro lado, às vezes gosto de imaginar um videoclipe para esta música com Keith Scott – o guitarrista de Bryan – fazendo de rival amoroso do narrador. Keith aparecendo na cama com Bryan e a mulher… Seria hilariante.
Às vezes tenho saudades da era Bare Bones e tenho pena por não ter ido a nenhum concerto nesse conceito. Mas também em Portugal seria sempre difícil – eram em salas mais pequenas, os bilhetes esgotariam num abrir e fechar de olhos.
Agora recuemos trinta anos, para o álbum de estreia de Bryan, homónimo. Como vimos antes, este álbum deixa muito a desejar. Tanto o próprio Bryan como Jim Vallance – o principal co-compositor de Bryan nos primeiros dez anos da sua carreira – concordam. Só gosto verdadeiramente de três músicas neste álbum – e Hidin’ From Love é a minha preferida.
A letra é algo vaga – o que não é invulgar com Bryan. Fala sobre um interesse romântico que não se quer comprometer, que não quer avançar na relação. Arranja desculpas, mas a verdade é que ela tem medo do amor, está a esconder-se dele.
Sinto-me atacada.
Num álbum que Bryan descreve como uma coleção de demos, Hidin’ From Love não é má em termos de instrumental. Eu pelo menos gosto da guitarra elétrica.
Ainda assim, existe outra versão da música. Em 2020, durante o confinamento, Bryan foi publicando vídeos de si mesmo cantando músicas suas. Regra geral, usava os instrumentais oficiais e cantava por cima deles.
Para Hidin’ From Love, no entanto, ele gravou um novo instrumental – porque claramente não estava satisfeito com a versão do álbum. E esta versão é de facto melhor, carregando mais nas influências rock de álbuns posteriores. Só é pena ter deixado o solo de guitarra original de fora.
Pergunto-me se ele planeia regravar todo o seu primeiro álbum neste estilo, um dia. Se calhar devia tê-lo feito em 2020, a propósito dos quarenta anos de edição.
Bem, ainda haverá o quinquagésimo aniversário.
Miss America
Uma vez mais, escrevo aqui sobre uma B-side do álbum 11. Este não é um mau álbum de todo, mas infelizmente dois dos meus melhores temas não estão incluídos na edição-padrão.
Ao contrário do que aconteceu com The Way of the World, só conheci Miss America mesmo quando saiu a versão Deluxe do álbum, algures em novembro de 2008. Infelizmente, parva como sou, perdi o CD, mas ao menos tanto Way of the World como Miss America estão disponíveis no Spotify.
Nos primeiros meses após o lançamento dessa versão de 11, andei obcecada com Miss America. Lembro-me inclusivamente de ouvi-la todas as manhãs, na minha aparelhagem-despertador, enquanto fazia a cama. Tinha imensa vontade de lhe fazer uma montagem de vídeos – era o que eu fazia na altura – mas provavelmente nunca conseguiria colocá-la no YouTube, por causa dos direitos de autor.
Musicalmente, Miss America segue a fórmula de quase todo o álbum 11. A guitarra acústica no centro, bateria, piano e guitarra elétrica a acompanhar. Gosto imenso destes dois últimos instrumentos nesta música.
Em termos de letra, é basicamente uma versão mais fofinha de Summer of ‘69. Miss America recorda com saudades um romance de verão entre dois adolescentes antes de a vida os separar. A letra inclui pormenores que dão carácter à música, a tornam credível: o facto de ela ser mais velha, de ele preferir vê-la de cabelo solto, de ambos passarem noites a olhar para as estrelas.
A música não explica preto no branco porque é que o narrador se refere ao seu interesse romântico como Miss America ou Miss USA. Eu, no entanto, sempre assumi que era uma alcunha fofinha do narrador para a sua amada: para ele, ela era a mais bonita do país.
Não é por acaso que a primeira vez que referi Miss America aqui no blogue tenha sido quando Avril Lavigne lançou 17. As duas canções são muito parecidas tematicamente. Ainda assim, dou a vantagem a 17. A letra está mais desenvolvida, mais pormenorizada, Avril verteu nela a sua própria personalidade, a sua própria história.
Pena não ter voltado a fazê-lo no álbum seguinte, quando mais se justificava.
E desviei-me um bocadinho. Miss America não deixa de ser uma linda música, uma verdadeira pérola escondida. Não deixem de ouvi-la.
The Best Was Yet to Come
The Best Was Yet to Come é a última faixa do alinhamento de Cuts Like a Knife, o terceiro álbum de Bryan. É a única balada no disco, à exceção da clássica Straight From the Heart.
Esta é muito semelhante a outras baladas dos anos 80 – sobretudo por ser conduzida pelo piano elétrico. Existe até uma história engraçada sobre isso, contada por Jim Vallance, co-compositor da música, no seu site. Na altura dos trabalhos de Cuts Like a Knife, pediram a Vallance que fizesse uma gravação do piano para que servisse de guia para outro tecladista. Assim, Vallance não se preocupou muito com o rigor da sua gravação.
No entanto, mais tarde, Bryan decidiu usar essa gravação na versão final de The Best Was Yet to Come. Vallance entrou em pânico quando descobriu, mas na altura já era tarde demais. Ainda hoje, Vallance não consegue deixar de ouvir os erros na versão final.
Tem piada porque nem eu, nem – penso – a maior parte dos ouvintes consegue ouvir os erros. Não há nada que soe fora de sítio pois não conhecemos a versão certa. Ao serem incluídas no álbum final, as notas erradas de Vallance passaram a ser as notas certas.
Haverá uma lição de vida aqui, suponho eu. Haverão ocasiões em que o melhor é fingir que não se cometeram erros, que fazia tudo parte do plano. Se os outros não souberem o que era o correto, nunca saberão o que está errado.
A letra de The Best Was Yet to Come foi inspirada pela história trágica de Dorothy Stratten, assassinada pelo marido com apenas vinte anos, quando estava prestes a vingar-se em Hollywood. Um crime que ainda é discutido hoje, mais de quarenta anos depois.
Dorothy era de Coquitlam, uma cidade pequena do Canadá. Os americanos e os canadianos têm uma cena por este tropo: pessoas, geralmente mulheres, que vêm de uma terra pequena para as grandes cidades. Dorothy terá conhecido o futuro marido aos dezoito anos: um homem mais velho, um chulo, que lhe prometeu fazer dela uma estrela.
Pode-se dizer que ele cumpriu a promessa, mas na verdade o que ele queria era explorar Dorothy, ganhar dinheiro à custa dela. Veja-se o facto de ele ter feito dela uma coelhinha da Playboy – apesar de, alegadamente, Dorothy não se sentir à vontade com a nudez e o eroticismo desse mundo.
Ao menos permitiu à jovem dar o salto para a representação. Dorothy chegou a participar nalguns episódios televisivos e num par de comédias românticas.
Gosto de pensar que, hoje em dia, se as pessoas vissem uma miúda da idade de Dorothy sendo seduzida por um homem mais velho, soariam alarmes. Sobretudo com eles casando-se, teria a jovem dezoito ou dezanove anos – as pessoas casavam-se assim tão cedo nos anos 70, 80?
Ainda assim, para sermos justos, várias pessoas do círculo de Dorothy ter-se-ão apercebido da relação abusiva. A jovem terá tentado fugir do marido várias vezes, ajudada por essas pessoas. Começou inclusivamente uma relação com Peter Bogdanovic, realizador de um dos filmes em que ela entrou. Por sinal, o senhor morreu no início deste ano.
Esta também me parece uma relação questionável. Bogdanovic tinha o dobro da idade de Dorothy na altura. Por outro lado, ele terá tratado melhor a jovem que a besta do marido. Depois da morte dela, Bogdanovic ter-se-á aproximado da família de Dorothy e tê-los-á ajudado a suportar a perda. Ao ponto de se ter casado com Louise, a irmã mais nova de Dorothy… quase trinta anos mais nova que Bogdanovic (Louise tinha vinte anos quando se casou).
Essa sim, ainda me parece mais questionável. Consta que deu polémica na altura e, para ser sincera, não os censuro. Dito isto… o casamento ainda durou doze anos e, mesmo depois do divórcio, tanto Louise como Bogdanovic continuaram a dar-se bem. Não há nada que indique que tenha havido abuso.
Suponho que existam nuances nestas coisas. Diferenças de idades não significam necessariamente relações abusivas.
Regressando a Dorothy, esta infelizmente foi assassinada pelo marido – que se matou de seguida. A jovem foi explorada e fetichizada tanto em vida como depois da morte – talvez ainda mais depois da morte – inspirando filmes, livros e canções. Não digo que todos esses trabalhos tenham sido explorações da tragédia dela… mas alguns terão sido. O canal de YouTube The Take tem um vídeo muito interessante sobre esta fetichização de vítimas de crimes.
The Best Was Yet to Come foi também uma exploração? Talvez. No entanto, a letra não refere o assassinato, nem sequer refere o marido. O carácter vago da letra joga a seu favor – duvido que o ouvinte casual saiba de que fala a música. The Best Was Yet to Come foca-se sobretudo na vida que se perdeu, nos sonhos que ficaram por realizar.
É daí que vem o título, aliás. O melhor ainda estava para vir.
Não se percebe muito bem a quem é dirigida a letra de The Best Was Yet to Come. Existem partes que parecem referir-se a Dorothy – "You had it there and it slipped away, oh you left the song unsung" – e outras que parecem dirigir-se aos seus entes queridos, a eventuais sentimentos de culpa que poderão nutrir – "You can cry yourself to sleep at night, you can't change the things you've done". Falta alguma consistência nesse aspecto.
De qualquer forma, a frase mais dolorosa é mesmo a última: "What 's so good about goodbye when the best was yet to come?“.
Consta que, anos depois da edição de Cuts Like a Knife, Peter Bogdanovic cruzou-se com Bryan e com Vallance e agradeceu-lhes por The Best Was Yet to Come. Segundo ele, a música foi um grande consolo para a família de Dorothy. The Best Was Yet to Come pode ter sido mais um trabalho explorando uma coisa horrível que aconteceu a uma jovem mulher, mas fê-lo com respeito e consideração.
É uma música linda, mas mesmo muito triste. Recomendo-a a quem não a conheça, mas não é para pedir num concerto.
A próxima música é mais alegre, prometo.
I Will Always Return
Já me fartei de escrever sobre a banda sonora do filme Spirit Stallion of the Cimarron neste blogue, sobretudo nos seus primeiros anos. É um dos meus álbuns preferidos de todos os tempos, o disco que me apresentou a Bryan Adams, cheio de pérolas escondidas – incluindo a minha canção preferida.
É possível que tenha um viés por ter conhecido este álbum num período particularmente formativo, como expliquei no texto sobre Here I Am. Por outro lado… outro dos responsáveis pela banda sonora é Hans Zimmer! Não é por acaso que o homem é considerado uma lenda no que toca a bandas sonoras.
Em Spirit em particular, o protagonista não fala fisicamente – e a narração de Matt Damon é escassa. A música conta uma grande parte da história.
Custa a acreditar que este álbum e este filme vão fazer vinte anos.
I Will Always Return era uma das poucas faixas neste álbum sobre as quais me faltava escrever. Isto é, tirando as faixas exclusivamente instrumentais. Depois desta, sobram You Can’t Take Me, Get Off My Back e Brothers Under the Sun. Não está nos meus planos escrever sobre elas… mas não vou dizer “nunca”.
I Will Always Return é a música principal da banda sonora de Spirit. Representa o… bem, o espírito do filme, a principal motivação do protagonista: regressar a casa.
No álbum, a primeira versão da música que aparece é um tema soft rock, guiado pela guitarra acústica. Não muito diferente do estilo habitual de Bryan – encaixaria bem em On A Day Like Today. Inclui inclusivamente Robert “Mutt” Lange nos créditos de composição – um colaborador regular de Bryan na altura. A mensagem da letra é essencialmente a mesma das versões da banda sonora, mas com um maior foco no romance.
Imagino que esta versão tenha sido gravada para, eventualmente, ser lançada como single nas rádios. Mais uma canção de amor de Bryan Adams. No entanto, Here I Am acabou por ser o single principal do álbum.
Não que me queixe.
Eu gosto desta versão. Tive um período (quando tinha dezasseis ou dezassete anos, penso eu) em que andava obcecada com ela. No entanto, hoje acho que as versões da banda sonora são melhores. O próprio Bryan parece concordar, como veremos já de seguida.
A versão seguinte de I Will Always Return no álbum chama-se oficialmente This Is Where I Belong. No filme esta soa ainda no início, logo depois de Here I Am. Existe algo no seu instrumental que me faz pensar em cavalos a galope. Em comparação com outras versões, esta tem um carácter sereno e reconfortante, o que condiz com a letra. This Is Where I Belong diz-nos tudo o que precisamos de saber sobre o protagonista, Spirit: ele adora a terra onde nasceu e cresceu.
Naturalmente, logo a seguir, Spirit é arrancado dela.
Saltando algumas faixas no álbum, damos com Homeland. É a música de abertura do filme, sobre a qual ouvimos o primeiro monólogo de Matt Damon. No fundo é o instrumental da versão final de I Will Always Return, centrada na mesma melodia, ainda que com algumas diferenças. Eu pelo menos sempre a usei para fazer karaoke, ainda que tenha de cantar a primeira estância duas vezes.
Eu pura e simplesmente adoro esta instrumentação, estas melodias, aquele piano. Talvez seja o meu viés a falar, mas para mim isto é perfeição musical. Don’t @ me.
Gostaria de destacar a sequência final, aquele momento mais eufórico – coincidente com a primeira vez que surgem cavalos no ecrã. É muito semelhante à peça instrumental que soa muito mais à frente, no clímax do filme: o momento em que Spirit salta sobre o precipício para fugir aos soldados. Um momento de exultação, de júbilo. O equivalente musical, mesmo cinemático, ao golo do Éder (salta daí, caralho!).
A versão final de I Will Always Return é igualmente exultante, triunfal – pois soa quando Spirit regressa finalmente a casa. Pode ser semelhante a This Is Where I Belong em termos melódicos, mas o carácter é completamente diferente. TIWIB é serena, IWAR é música de vitória. A interpretação de Bryan começa suave, mas vai ganhando intensidade. Destaque para os agudos, sobretudo na última estância
Eu não consigo resistir a esta música, sobretudo à parte final. Emociono-me de todas as vezes. É a melhor versão de I Will Always Return e encontra-se facilmente no meu top 10 de músicas de Bryan.
Deverá ser por isso que Bryan optou por recriar essa versão – em vez da versão soft rock de que falámos antes – quando tocou I Will Always Return ao vivo nalguns concertos em 2019. Lançou mesmo o áudio dessas apresentações nas plataformas digitais.
Esta é aquilo a que gosto de chamar uma versão Bare Bones: apenas piano e guitarra acústica. Guitarra é como quem diz… só a refiro porque Bryan aparece em palco com uma. Na prática mal se ouve.
O que em nada diminui a beleza da música. É uma versão reduzida aos melhores instrumentos da versão da banda sonora: o piano e a voz. Continuo a preferir a instrumentação completa, mas I Will Always Return é daquelas músicas que soam bem de qualquer forma.
Bryan publicou também uma versão da música em francês: Je Reviendrai Vers Toi. Na preparação deste texto descobri que Bryan também canta na dobragem francesa de Spirit. Já fui dar uma audição e descobri que gosto imenso de Me voilà, a versão francesa de Here I Am – o que é irónico, sendo esta uma canção que associo à Seleção Portuguesa
Pois bem, já pedi I Will Always Return para o concerto de domingo, bem como Here I Am. Deixei um comentário numa publicação do Instagram quase duas semanas antes do concerto. Talvez tenha sido demasiado cedo, mas ele falava já nos concertos cá em Portugal e em Espanha…
Não será o fim do mundo se Bryan não a tocar, claro que não, mas seria especial se ele o fizesse. Em parte para pagar uma dívida ao meu eu de treze anos, que esperava mais músicas da banda sonora de Spirit no concerto de 2003.
Mas também porque é a música perfeita para celebrar o regresso de Bryan a Portugal e aos palcos depois da pandemia. Nós os fãs somos a casa dele – e os fãs portugueses são um bocadinho mais do que os outros. Foi duro estarmos separados, tanto para nós como para ele, mas agora estaremos juntos de novo, depois destes dois anos tão difíceis. Como reza I Will Always Return:
“And now I know it’s true
My every road leads to you
And in the hour of darkness
Your light gets me through!”
E é com esta nota que nos despedimos por hoje. À hora desta publicação ainda não tenho cem por cento de certeza de que os concertos deste fim de semana não serão cancelados. Cá em Portugal não estamos com restrições muito duras. No entanto, bandas como os Måneskin e Bring Me the Horizon cancelaram as suas digressões europeias porque a Europa está demasiado heterogénea em termos de medidas de controlo da pandemia. E eu fiquei com medo.
Por outro lado, Bryan tem estado em Madrid na última semana, semana e meia a preparar estes concertos. A digressão vai começar aqui na Península Ibérica, onde as restrições estão mais leves. Mesmo que tenham de cancelar concertos posteriores… bem, eles já estão aqui ao lado. E acho pouco provável que, daqui até ao fim de semana, eles decidam apertar as restrições cá em Portugal.
Em princípio irá mesmo para a frente. Teremos de usar máscara, o que vai chatear um bocadinho, mas paciência. Eu faria sacrifícios bem piores só para poder voltar a concertos como este.
Se tiverem bilhetes para Lisboa ou para Gondomar, espero que se divirtam muito – com segurança. Vai valer a pena. Obrigada pela vossa visita.
No passado dia 11 de outubro, Bryan Adams lançou So Happy It Hurts, o primeiro single do álbum com o mesmo nome, que sairá no próximo dia 11 de março. Não estava nos meus planos dedicar-lhe um texto – apenas alguns parágrafos no fim do texto anterior. No entanto, quando estava quase a terminar essa publicação, Bryan lançou uma segunda música, On the Road. Assim, decidi escrever sobre as duas canções no mesmo texto. Quando estava quase a terminar essa publicação, o homem lança-me uma terceira música, Kick Ass.
Não há respeito neste mundo por blogueiras em part-time que gostam de escrever sobre músicas novas dos seus artistas preferidos!
Sigamos a ordem dos lançamentos. Mais do que Avril Lavigne com Bite Me, So Happy it Hurts é Bryan sendo Bryan, sobretudo o dos últimos anos. Um som rock clássico, vagamente retro, um tom alegre. Imagino-o tocando isto em palco e era capaz de apostar que os gestos e movimentos dele na minha mente – as suas expressões, a maneira como ele toca a guitarra, a cabeça dele abanando ao ritmo da música – não serão muito diferentes da realidade.
Em termos de letra, So Happy it Hurts também está longe de ser um tema super raro na discografia de Bryan. Basicamente, fala sobre saltar para dentro de um carro, arrancar pela noite dentro, deixando todas as preocupações para trás. Mais ou menos o mesmo tema de The Last Night on Earth, do álbum anterior – e este é apenas o exemplo mais recente.
Por outro lado, gostava de saber onde é que o homem andou nestes últimos dois anos para vir, agora, dizer que está “tão feliz que dói”.
Não é má canção. E o videoclipe é fofinho, sobretudo as partes em que aparece a mãe dele, bem como a mulher grávida e o jogador de futebol americano. É a música ideal para abrir um concerto, sobretudo no pós-confinamento… mas estou a adiantar-me.
Ao contrário de So Happy it Hurts, On the Road é um pouco diferente do costume para Bryan. Esta foi lançada aquando da divulgação do calendário Pirelli de 2022.
Lançada é como quem diz… durante mais de uma semana a música só estava disponível no YouTube. Nem sequer havia letra em lado nenhum. Lá está, como blogueira em part-time que gosta de escrever sobre música nova dos seus artistas preferidos, foi um bocadinho chato. Felizmente, quando saiu Kick Ass, On the Road foi também lançada como deve ser.
O instrumental de On the Road é algo mais pesado que o costume para Bryan. Não sei como descrevê-lo senão como música de motoqueiros. Talvez seja influência da letra ou mesmo do videoclipe, onde Bryan surge de casaco de cabedal preto.
A letra de On the Road entra em territórios parecidos aos de So Happy it Hurts, se bem que com um tom menos delirantemente feliz. Uma vez mais, nada de muito original, a comparação com Open Road chega a ser óbvia. Segundo declarações de Bryan, a letra serve para celebrar o regresso à normalidade (normalidade com vários asteriscos, claro), bem como o estilo de vida de muitos artistas e bandas: sempre na estrada, sempre em digressão.
E de facto aquilo que me é mais óbvio destas duas músicas é que Bryan estava farto de estar confinado. Não era o único, claro. Mas imagino que para ele – ele que, de acordo com a sua música, passou quase toda a sua vida na estrada, já deu a volta ao mundo cerca de mil vezes – tenha sido particularmente doloroso. E que doa ainda mais agora, que contraiu Covid, precisamente no seu regresso aos palcos.
Pergunto-me se esse será um tema recorrente em So Happy it Hurts.
Falta falar sobre Kick Ass – a mais engraçada das três. Começa com uma narração melodramática do lendário John Cleese, sobre um anjo enviado por Deus, vestido com calças de ganga, botas e boné – podia ser eu – para salvar a Humanidade do inferno da música má e trazer o rock aos mortais.
No fundo é a mesma filosofia de Kids Wanna Rock e Go Down Rockin’, apresentada de forma hilariante. Pergunto-me o que Travis Barker e respetiva turma pensariam desta música.
À parte isso, é certo que esta música não é para ser levada cem por cento a sério, mas podemos parar de fingir que o rock é o único género musical que é bom? Rock é o meu género musical preferido, rock e todas as suas variantes, mas se uma pessoa só se limita a isso arrisca-se a perder muita música boa.
Mas pronto.
Mesmo sem a introdução de Cleese – e existe uma versão da música sem essa parte – Kick Ass é uma boa música. Gosto da parte em que Bryan – falando pelo tal anjo – nomeia cada instrumento e este se junta à música. Faz-me lembrar o filme Escola de Rock, a parte em que Dewey atribui um instrumento a cada miúdo.
Por outro lado, acho um bocadinho estranho Bryan falar na primeira pessoa do plural, apresentando-se como uma “kickass rocking band”, quando tecnicamente ele é um artista a solo. Se bem que nós, fãs um pouco mais hardcore, já vamos conhecendo os membros da banda dele. Em particular, o lendário Keith Scott.
Em suma, estas são três boas músicas de Bryan, mesmo não sendo nada por aí além. So Happy it Hurts é a mais fraquinha das três, mas não por muito, apenas por causa da previsibilidade. On the Road e Kick Ass sempre têm qualquer coisa de diferente para se distinguirem.
O que nos leva a So Happy it Hurts, o álbum. Não estou assim tão ansiosa por ele. Estou à espera que seja semelhante ao seu antecessor, Shine a Light: um conjunto de músicas agradáveis ao ouvido, mas pouco memoráveis.
Mas posso estar enganada, claro. Estas três músicas até são boas, como vimos. Se o resto do álbum for de qualidade semelhante, ficarei satisfeita.
Ainda assim, em princípio não deverei escrever sobre So Happy it Hurts. A menos que o álbum seja deveras interessante, o que duvido.
Antes de lançar So Happy it Hurts, no entanto, Bryan irá voltar a Portugal! Dia 29 de janeiro em Gondomar e dia 30 em Lisboa – tenho bilhetes para esse último. Não contente com isso, Bryan ainda virá ao Festival Marés Vivas, em julho.
Algo me diz que ele tem saudades nossas.
É um bocadinho estranho, pois só se passaram dois anos desde a última vez que ele este cá. Estava habituada a encontros tetra-anuais. Mas não me queixo! Noutras circunstâncias talvez pusesse a hipótese de não ir, mas depois da pandemia, enquanto estiver dentro das minhas possibilidades, não quero desperdiçar oportunidades.
Além disso, como o último concerto foi em finais de 2019, poucos meses antes de isto tudo se ter virado do avesso, as recordações dessa noite foram um dos meus consolos durante a pandemia. Vai ser especial regressar aos concertos precisamente com Bryan – e criar novas recordações.
Também será especial pois, se tudo correr bem, vou ver os meus dois pais musicais com cerca de um mês e meio de diferença – o concerto de Avril Lavigne em Zurique é a 7 de março. Isso já devia ter acontecido há dois anos (com um intervalo maior entre concertos). A ver se desta não falha. Os álbuns também deverão sair mais ou menos na mesma altura, à semelhança do que aconteceu em 2019 – o de Avril, no entanto, ainda não tem data oficial; não me admirava se se atrasasse um bocadinho.
Estou é com medo que o concerto seja cancelado, com a evolução da pandemia nas últimas semanas. As festas de fim de ano já foram canceladas – mas suponho que tenha sido por ser difícil verificar testes e certificados de vacinação. Não me importo se tiver de mostrar certificado e fazer teste antes do concerto de Bryan.
A parte da máscara é que será mais difícil. Uma pessoa vai para lá dançar, saltar, cantar em altos berros e, pelo menos no meu caso, soprar beijinhos para o palco. Não dá jeito fazê-lo com máscara. Mas se tiver de ser…
Só não cancelem, por favor. Quero mesmo ir a estes concertos!!
Entretanto, conforme prometido, hei de escrever uma sequela a este texto. Desta vez, vou fazer por publicar a tempo – nas vésperas dos concertos de Bryan cá. Também já estou a preparar a minha retrospetiva musical de 2021. Ainda estou a tentar decidir os moldes, mas à partida vou voltar ao modelo dos primeiros anos deste blogue: uma publicação por artista ou banda, sensivelmente.
E é tudo por agora. Obrigada pela vossa visita, como sempre. Até à próxima!
